miércoles, 31 de octubre de 2012

miportadademisemana - CABALLERO REYNALDO Y EL VISIONARIO DE LUPA



Original y encantadoramente semidesconocido Luis G. "Caballero Reynaldo". Una joya del panorama folk español siempre con interesantes propuestas musicales en su cabeza.
He aqui su última propuesta aprovechando las divertidas portadas de esta nueva aventura musical.

En colaboración con Manoel Macia "Visionario de Lupa", ha creado esta nueva banda folk cercano a los Luthiers y a los trovadores medievales.
En 2011 su publicó "Nuevos romances antiguos" y hace unos meses ha tenido su continuidad con "Nuevos testamentos antiguos".

No entra a la primera, es cierto, pero poco a poco vas cogiendo el punto a este humor, a su peculiar fraseo de cuenta cuentos y ese folk medieval con palabras en castellano antiguo.
Pero en todo ello hay un ánimo de investigación pop, de no quedarse anclado y buscar nuevas sonoridades.
Camiando hacia delante pero ayudándose de lo antiguo.

Todo ello envuelto en aires de locura mental o ayudada por sustancias psicotrópicas, lo cierto que este mundo al que nos trasladan estas tonadillas son dignas de dibujos animados donde lo imposible puede ocurrir.

Gran acierto esa homogeneidad entre las dos portadas, al dar continuidad a estre proyecto que no nos importaria que tuviese una tercera parte.

Si tienen un hueco (ya se que siempre andan muy ocupados), echen un vistazo a su sello discográfico The Hall of Fame records. Cuenta con propuestas muy interesantes y originales

Caballero Reynaldo y El Visionario de Lupa - Los Juglares
Video promocional:



El pícaro bufón:



El desván de los instrumentos




martes, 30 de octubre de 2012

micanciondemisemana - LCD SOUNDSYSTEM - 45:33


La cultura americana de salir a correr ya sea a nivel profesional o aficionado es mucho más amplia que la que puedan tener los europeos  e incluso los españoles.
Y ahi Nike vió otra oportunidad comercial. Creó junto a Apple el NIKE +. Se trata de un aparato que se convierte en tu entrenador personal y te indica distancias recorridas, tiempos, memoriza tus marcas.....
Vamos, algo que podría hacer cualquier otro aparato mucho más barato.
Incluso para tener el Nike + necesitas comprarte unas zapatillas especiales (Nike, por supuestso, y no baratas, ya se lo imaginan) o bien un adaptador.

La diferencia con otros aparatos está en el precio y en dos funciones exclusivas:
1- famosos corredores y preparadores físicos han creado programas especiales de entrenamiento que incorpora este Nike +.
2- Para hacer más ameno el ejercicio, todos sabemos que escuchar música ayuda. Pero claro que si hay música para bailar, para llorar, para pensar, para conducir, para dormir, para cenar etc, etc.... también hay música para correr.
Nike ha encargado a músicos y dj más o menos conocidos la elaboración de música especial para correr.
La aportación que más ha trascendido ha sido la realizada por James Murphy con sus LCD Soundsystem, que ha creado 6 canciones que todas unidas ha denominado "45:33" por la duración de la obra, aunque dura unos segundos más.
No veo a James Murphy como un gran deportista, aunque igual estoy equivocado, pero si que se ha interesado por el proyecto y ha estudiado a fondo como corren los atletas. Y tras su ya conocida mezcla de pop, funky y electrónica, esconde un gran número de graves para acompañar el movimiento de la carrera en diferentes ritmos.
Y ha convertido que 45 minutos de carrera se conviertan en un placer más que en una tortura.

El disco que yo tengo es una reedición con 3 temas añadidos en la misma onda, que hace que esos 45 minutos se conviertan en más de una hora de música para correr.

Otra genialidad de James Murphy, mientras esperamos que algún día le dé por resucitar a LCD Soundsystem aunque ya hizo unos conciertos de despedida de este proyecto para iniciar otras aventuras musicales.



No creo que sea ningún video oficial, pero no se pierdan este pedazo video en forma de videojuego que permite escuchar de un tirón los 45 minutos y 33 segundos de estas 6 canciones:

Audiosurf: 45:33 - LCD Soundsystem



lunes, 29 de octubre de 2012

midiscodemisemana - ONDA VAGA (repasando su carrera)


¡¡¡ Me encanta descubrir grupos nuevos !!!
Y suelo estar algo atento a lo que se publica por tierras argentinas y mexicanas.

Y hoy traigo otra nueva banda argentina que llegó a mis oidos a través de mis ojos. Me explico. Fue leyendo la revista Rockdelux en su sección de conciertos, hablaban del concierto que dió ONDA VAGA en Barcelona en julio de 2012. Y algunas palabras me llamaron la atención:
"los argentinos Onda Vaga se formaron como grupo en la playa"
"su cancionero del fin del mundo suena luminoso como un Andrés Calamaro feliz y abstemio"
"a veces los conecto con Beirut y otras con Joan Colomo"
"a veces pienso que unos Beach Boys australes sonarían asi"
"Canciones de playa, si. Y que canciones!!"

Solo cuentan con dos discos en su haber, "Fuerte y Caliente" de 2008 y "Espíritu salvaje" de 2010. Esperamos que pronto nos llegue su tercer largo.
Asi que me puse manos a la obra y descubrí este interesante grupo que ahora os lo pongo fácil y os adjunto su biografía extraida de su propia web www.ondavaga.net así como algunos videos.

Gracias Argentina!!!

La Onda Vaga comienza a existir en enero de 2007, en las mágicas playas de Cabo Polonio, Uruguay. Nacho Rodríguez y Marcelo Blanco junto con Marcos Orellana y Tomás Justo preparan un set acústico (cajón flamenco, guitarra criolla, cuatro venezolano, trompeta) con canciones propias, para tocar en los bares del balneario uruguayo. En mayo del 2007, de vuelta en Argentina, Onda Vaga suma un nuevo integrante, Germán Cohen quien aporta su voz y el timbre de su mágico trombón a la banda.


El debut oficial en Buenos Aires se produce en agosto de 2007, a partir de ese entonces, los “vagos” se presentan en infinidad de pequeños locales así como en cualquier evento al que sean invitados (fiestas, muestras de arte, cumpleaños, despedidas, etc.) gracias a la gran movilidad de su formación y la promesa de diversión garantizada que representan sus shows.

Durante el 2008, tocan en un ciclo semanal a sala llena presentando lo que luego sería su primera placa, “Fuerte y Caliente”, editado en forma independiente en septiembre del 2008. El 2008 termina con un show en un festival grande en noviembre, junto a R.E.M., The Jesus & Mary Chain y Mars Volta entre otros. Ese mismo año, recibe menciones como disco del año en rolling Stone y como banda y disco revelación en el diario Pagina12.

El 2009 comienza lleno de buenas noticias, Onda Vaga es invitada por Manu Chao a abrir sus show Buenos Aires, en Marzo en el Luna Park para 7000 personas, y en Noviembre en los estadio all boys para más de 30000. Durante ese año la banda no solo es nominada por mtv y diario Clarín como mejor banda nueva, sino también se embarca en su primera gira por Europa, tocando en más de 20 ciudades durante dos meses y vendiendo más de 1000 copias de su primer disco.

La banda se consolida más aun luego de la salida de su Segundo disco “Espíritu Salvaje”, que vio la luz en Septiembre del 2010. Desde ese entonces, la banda crece en audiencia y reconocimiento, convirtiéndose en una de las bandas independientes más convocante de la escena Argentina.

El año 2011, es tiempo para su tercera gira Europea y para varias presentaciones a lo largo de Sudamérica y hasta una fugaz visita por Marruecos.

Las letras profundas, sencillas y soñadoras y los arreglos corales y armónicos de las canciones así como la clara intención de relajarse a la hora de tocar en vivo esta mezcla de rumba-cumbia-reggae-folk-rock-tango alegre, genera una respuesta unánime del público que es cada vez mayor. Estos cinco músicos provenientes de la cultura rock se desembarazan de sus cables y distorsiones para brindarse a su público de la manera que mejor les sale: divirtiéndose.

"MAMBEANDO"


VAYAN A SER

Homenajeando a MIL VIOLINES (por Kiko Amat) Capítulos 10 y 11

Continuamos con este homenaje al gran libro "Mil Violines" de Kiko Amat, donde me veo continuamente identificado.



Capítulo 10: La dominación mundial del pop




Agggghh. Para los que amamos la música, y sobre todo, descubrir grupos nuevos y nuevos sonidos ajenos a las masas esto que le pasó a Kiko Amat es algo muy desagrable.

En un camping, un fan de Roxette, le dice “eh, tio, escucha esto, a ti que te gusta la música”.

Y le puso el Out of Time de R.E.M.

R.E.M. era esa joya privada de Kiko Amat, ese descubrimiento “suyo” de finales de los 80, su grupo “raro y mio”.

Pero llegó 1991 y R.E.M. con su “Out of time” pasó a gustarle a todo el mundo, “incluso a los que una semana antes cantaban Mecano como si fuese un regalo de los dioses”.

Y Kiko Amat hizo lo que yo habría hecho. Desde ese momento, les abandonó y negó en público que le gustara R.E.M. “Rasgué mi fidelidad en mil pedazos” nos dice.


Kiko tenía 18 años y en esa época esa decisión la habría tomado yo también. Pero con el tiempo, se dio cuenta de que no tiene que ser malo del todo que guste a todo el mundo, no?? El underground no debía ser la meta, sino solamente el camino.

Luego con el tiempo le encantó ver que sonaban en los 40 principales (y por tanto pasaban a ser canciones “populares”), himnos como:

• La casa de la Bomba (Brighton 64)

• No, por eso no (Los Sencillos)

• El surf de la botella (Los Flechazos)







Capítulo 11: A la mierda el canon


¿Cómo se mide la importancia de un disco? Uf… que difícil.

Podemos tomar la percepción de cada individuo, cuando ese tema le puso la piel de gallina, o le cambió la vida, o le alteró el ritmo cardiaco.

Pero también podemos tomar la percepción histórica del tema, su influencia global en el tiempo y si supuso algún avance estilístico…



Esa es la eterna guerra entre los críticos especializados y la gente normal.



Nick Hornby (el autor de “Alta fidelidad”) dice en “31 canciones” que lo mejor del pop apela al alma, no a la cabeza, de ahí que cada uno tenga su listado de mejores canciones.

Kiko Amat por ejemplo, en su gran colección de discos solo tiene un disco de Bob Dylan, considerado uno de los clásicos entre los clásicos del s.XX y no por ello se siente mal ni considera su colección como incompleta por no tener más discos de Bob Dylan.



A su padre si le gustaba Bob Dylan y se pone a repasar mentalmente (y a criticar algunos) los discos que más escuchaba su padre, y de repente le viene una duda existencial.



En unos años, cuando mi hijo sea algo más mayor ¿Qué pensará de la colección de discos de su padre?.

Yo también me lo pregunto muy a menudo y trato de inculcarle ciertos sonidos y grupos “fáciles para la mente de un niño de 7 años”.



Se imagina a su hijo diciendo en el colegio “mi padre tiene miles de discos”, pero claro, los niños pondrán cara extraña y dirán “¿discos?” desgraciadamente los niños de hoy no lo valoran.



Cambiando de tema, a Kiko Amat le gustan grupos que jamás serán famosos ni saldrán en enciclopedias… (¿a quien me recuerda?)



Uno de ellos es Mega City Four. Aunque estos casi tuvieron sus minutitos de fama siendo portada en abril de 1992 del New Musical Express,.

Surgieron en 1987 como unos amigos que se ponen a grabar temas de punk melódico sin pretensiones y disco a disco fueron teniendo menos repercusión , pero cada vez hacían mejores discos.



Otro de ellos es Hurrah!. Grupo que nunca fue portada de nada, pero si que también rozaron el éxito teloneando en una ocasión a U2 en la gira de “Joshua Tree” en 1987. Con un estilo de rock de estadios, consiguieron componer himnos coreables por miles de personas en un estadio, y en cambio se quedaron en grandes himnos coreables por 100 personas en un pub londinense. Entre ellas, su favorita “Don´t need food”.

Llega una gran reflexión, algo que mandaría el “canón” a la mierda.

Imaginemos por un momento que volvemos a la década de 1986 a 1996 y copan las listas de éxitos The Jasmine Minks, The Loft, Hurrah!, The Claim, The Dentist, Television Personalities, June Brides, Mega City Four y Snuff.

Y eliminaríamos de estas listas de éxitos a Pet Shop Boys, The Cranberries, Oasis, Kula Shaker, The Charlatans, The Verve, Ocean Color Scene….

Uf… que distinto sería todo.

sábado, 27 de octubre de 2012

UN NUEVO PERIODISMO MUSICAL (Por Nando Cruz- Rockdelux Oct 2012)



Se merece toda mi admiración alguien que dedica un libro entero a hablar de un disco y desmenuzarlo, analizarlo, así como hablar de todas las circustancias extramusicales que se sucedian en ese preciso instante alrededor de la composición y grabación del album.

Pero si encima ese libro es "UNA SEMANA EN EL MOTOR DE UN AUTOBUS. LA HISTORIA DEL DISCO QUE CASI ACABA CON LOS PLANETAS" pues que más puedo decir.

El escrito que se ha atrevido a analizar toda la elaboración de esta obra maestra es el periodista musical Nando Cruz.
En la revista Rockdelux del mes de octubre, en la sección Manifesto!!!, Nando Cruz escribe un interesantísimo reportaje titulado "¿PARA QUE SIRVE HOY EL PERIODISMO MUSICAL?".

Este es un pequeño resumen de este reportaje:

"dicen que el día que el público obtuvo un acceso directo a la música perdió su razón de ser".
"Eso será cierto si lo consideramos como otro tentáculo de la industria, cuyo papel solo sería recomendar que discos comprar"
"Por cada blog con criterio e intención aparecen quince copistas que, estos si, ejercen de prolongación del departamento de promoción de discográficas, agencias y grupos"
"Si esta ha de ser la principal función de la prensa musical del futuro, bien merecida tendrá su desaparición".
"Reconozcamos que la prensa musical, siempre tan crítica, ha sido muy poco autocrítica. Y si el contexto ahora, algo habremos hecho mal, no?
"En este nuevo contexto de libertad (escribo gratis y lo que me apetece), tampoco gana presencia un periodismo más osado, sino un perfil de comentarista obsesionado con opinan antes y con más entusiasmo que el resto".
"Son fáciles de detectar, empuñar el iPhone como una lanza y saltan a pies juntillas intentando llegar más alto que el guerrero de al lado vociferando palabros como "discazo" o "genio". Periodismo masai."
"El crítico musical de hoy es un tipo enchufado a un iPod sobre la cinta de un gimnasio, y ante tan exclavo horizonte solo cabe rendirse o replantearse el oficio."
"Pero ¿que podemos ofrecer al lector que no pueda obtener por si mismo? ¿para que sirve hoy el periodismo musical?. Para lo mismo de siempre:
1- para abrir de orejas al melómano
2- para allanarle el camino hasta la obra, manteniéndolo a salvo del ego y demás patologías del artista
3- para contribuir a que se forme su criterio."

"La música no existe hasta que alguien la oye. El rol de la prensa musical tambien es explorar todo lo que provoca esa canción"
"Si la música ha evolucionado poco en los últimos años, aún lo ha hecho menos el periodismo musical, anclado en los mismos formatos, dinámicas y criiterios"




viernes, 26 de octubre de 2012

actualidadsemanal - DEPECHE MODE, MUSE, DEFTONES, ZOMBIE KIDS & LOS PILOTOS


DEPECHE MODE, PRIMERA CONFIRMACION DEL BBK LIVE 2013

¿¿¿Que les pasa a los festivales españoles????
Faltan más de medio año para el Primavera Sound 2013 y salen y presentan a Blur como gran reclamo.

Y no pasan dos semanas y sale a la luz que el BBK Live 2013 ya tiene su primer y gran cabeza de cartel, DEPECHE MODE. (y quedan casi 9 meses)

extraido de jenesaispop.com
El festival BBK Live madruga este año, y hoy mismo ha presentado a uno de los cabezas de cartel para 2013. Se trata de Depeche Mode, que anunciaba esta mañana, en rueda de prensa desde París, las ciudades que tendrán el honor de albergar algunos de los conciertos de la gira mundial con la que presentarán su nuevo disco, y que recalará tan solo en 34 ciudades europeas (y en un solo festival en España, el BBK).




Con más de dos millones y medio de espectadores en su anterior gira y con más de cien millones de discos vendidos a lo largo de toda su carrera, los de Gahan se convierten en una apuesta segura a la hora de atraer público al festival, que ha aprovechado el tirón mediático para presentar el primer bono-oferta: saldrá a la venta el 6 de noviembre y costará 85€ más gastos de distribución (6€). El BBK Live se celebrará entre el 11 y el 13 de julio de 2013.


UNA CRONICA CUALQUIERA DEL CONCIERTO DE MUSE EN MADRID (20-10-2012)

Ojalá hubiera podido aqui incluir mi crónica de esa noche, pero tras un par de intentos me ha sido imposible conseguir una entrada para ver este concierto-espectáculo.

Una pena. Y más cuando he leido 5-6 crónicas y todas mencionan adjetivos como "espectacular" "grupo imprescindible" "únicos en directo"....

En fin, les dejo con una crónica de dicha noche, la extraida del blog habla tu música, perteneciente el periódico 20 minutos.

Cientos de luces revolotean abriéndose paso entre el escenario, surgiendo de los propios instrumentos, en el público; centenares de focos cegadores que, aun así, deslumbran menos que la soberbia interpretación que presenciamos, ya sea en sus clásicos excepcionalmente atemporales o en algún que otro mediocre intento de extrapolación grandilocuente. No importa lo que podamos decir de los últimos giros de tuerca de Muse, porque siempre vuelven al escenario y, cuando lo hacen, no hay manera de negar la evidencia: siguen siendo la misma banda de referencia, lo mires por donde lo mires.




Lo que en estudio decepciona, aquí brilla con luz propia. Siendo esta la segunda vez que los veo en directo, es un placer y un alivio observar que desde su última visita la escenificación pase a un plano más decorativo, aun así esencial en su desarrollo, pero sin tomar tal trascendental cariz como en nuestro último encuentro en esta misma casa, el Palacio de los Deportes. Con dos álbumes más desde entonces, los veintitrés temas que han compuesto su actuación repasan cada trabajo de su trayectoria en mayor o menos medida, haciendo obvio hincapié en su último The 2nd Law (2012), diez temas en total con el que han abierto y cerrado la noche. Entre ellos encontramos Supremacy, Panic Station, Explorers o el descarrillado single Madness.



El espectáculo es constante, con evidentes puntos álgidos como en la instrumental Isolated Systems junto a su transición inicial, donde la pirámide superior desciende para ocultar a la banda. La música en general y la suya en especial y particular se mantiene por sí misma, pero como espectáculo amplio y variado ofrece un plus extra, con trucos y recursos de ilusionista que deslumbran al público. Pero esto conforma tan solo un aliciente para un ritmo imparable, en el cual los británicos han bajado las revoluciones en contadas ocasiones a la mitad del concierto con el tema Falling Down de su álbum debut Showbiz (1999) y la cara B Host, así como en la preparación para la recta final, dando como resultado una directo potente y vertiginoso desde los míticos riffs de Hysteria, New Born o Plug In Baby, las diseminadas improvisaciones que acostumbran a brindar en sus conciertos, los “hits” más recientes Knights of Cydonia o Uprising y, por supuesto, su último álbum.



Tras el necesario descanso del falso final, vuelven para cerrar con un doble bis en Starlight que encuentra su culminación en Survival, con lo que finalizan una fantástica noche redentora, al menos para mí, al redescubrir que si no mejor, hagan lo que hagan dentro del estudio, a la hora de subir al escenario mantienen ese innegable talento que les ha valido el reconocimiento como una de las mejores bandas de este siglo. Una vez más el trío llena el escenario como si fueran treinta músicos; un saber hacer que dan años de tablas, un manejo del público sobresaliente, un despliegue audiovisual excelente y, lo que al fin y al cabo realmente importa, un espectáculo musical magistralmente organizado y ejecutado, reafirmando una y otra vez que es una banda categóricamente imprescindible.




DEFTONES, NUEVO DISCO A LA VISTA. "KOI NO YOKAN"

Esta expresión se refiere a aquella sensación que tiene alguien al enamorarse por primera vez.
extraemos la noticia de la genial web cucharasonica.com

Los Deftones no paran y la carrera sigue no sólo en el área de los conciertos sino en el de las grabaciones, pues la banda acaba de confirmar hace unas horas en su sitio oficial que ya está lista su nueva producción. Koi No Yokan será el nombre de este nuevo disco, que saldrá a la venta el próximo 13 de noviembre a través de Reprise Records.
Para este nuevo álbum, editado apenas dos años después de su anterior trabajo, Diamond Eyes, la agrupación reclutó a Nick Raskulinecz como productor, quien también había trabajado con ellos en su anterior trabajo. El nombre de la placa viene de una oración en japonés que se podría traducir como “amor a primera vista”, aunque más bien hace referencia al sentimiento que te embarga al conocer a alguien por primera vez y saber que en un futuro puede llegar a haber amor, aunque en ese momento no lo haya.




Según ha comentado Chino Moreno en una entrevista para Billboard, la banda decidió trabajar de manera rápida en este nuevo trabajo y no dejar que las cosas se alargaran demasiado tiempo, de ahí que se impusieron un tiempo para terminarlo. En cuanto al sonido, al parecer tiene tanto canciones rápidas y “más agresivas” como otras más calmadas, algo que según el vocalista es uno de los elementos que le gusta más del sonido de la agrupación.








ZOMBIE KIDS, EL MEJOR GRUPO ESPAÑOL (NO TODOS LO PUEDEN DECIR).

Y tienen un diploma que así lo demuestra je, je.
Hace unos días se han celebrado los premios MTV Europeos, y en el premio al mejor artista español, contra todo pronóstico han salido vencedores Zombie Kids por delante de bandas como Love of Lesbian, Iván Ferreiro, Corizonas o Supersubmarina.

Por si alguno le pillo despistado y no sabe a que suena el "mejor grupo español" aqui tienen una muestra:






LOS PILOTOS (miembros de Los Planetas) remezclan a ALGODON EGIPCIO.

El grupo venezolano Algodón Egipcio, ha decidido dar una vuelta de tuerca a su aclamado cd del 2011 "La lucha constante".
Ha escogido a 10 artistas, cada uno de un país distinto y se han encargado de remezclar una de las canciones del disco.
En España, los elegidos han sido LOS PILOTOS, el grupo que comandan Banin y Florent de Los Planetas.

Este es el tracklist del album:

01 El Día Previo (Monokle Remix) / Russia, premiered by Big Echo


02 El Ingenio Humano (Low Sea Remix) / Ireland, premiered right here

03 La Transformación (El Sueño de la Casa Propia Remix) / Chile, premiered by Super 45

04 Los Párpados Caídos (Pacheko Remix) / Venezuela, premiered by Las Reseñas de la Nonna

05 La Condición (La Prueba A) (Torkelsen Remix) / Norway, premiered by Gaffa

06 El Sonido Ensordecedor (White Rainbow 1998 Ford Explorer Interior Remix) / USA, premiered by Impose

07 La Repetición, La Repetición (Francisco y Madero - ‘El Negrito Remix’) / Mexico/USA, premiered by Me Hace Ruido

08 Los Asuntos Pendientes (La Prueba B) (Teen Daze Remix) / Canada, premiered by Exclaim!

09 El Escapismo (Balún Remix) / Puerto Rico, premiered by Puerto Rico Indie

10 Los Temas Turbios (Los Pilotos Remix) / Spain, premiered by Jenesaispop





miwebmusicaldelmes - MUZIKALIA


Recomendamos desde aqui a una de las webs musicales que más suelo leer.
Muzikalia siempre ha estado muy cerca de mis gustos musicales y sus crónicas de discos y conciertos siempre me han servido de guia a la hora de escuchar o no a un determinado grupo.

Y si encima, desde hace unos meses, escribe en la web mi gran amigo, Juan Manuel Caballero (antes escribíamos juntos en el blog badmanyfender.wordpress.com) pues más aún la recomiendo.

Desde su web, via wikikpedia, nos resumen la historia y filosofía de esta gran web.


Muzikalia (también conocida como MZK) es una publicación española editada en Internet que dedica su atención a la crítica de música independiente, abarcando una gran cantidad de géneros entre los que se encuentran el indie-rock, pop, el folk, la música electrónica, el blues o el punk. Muzikalia desarrolla también otros contenidos sobre el mundo de la música independiente, tales como noticias, entrevistas a artistas, crónicas de conciertos y reportajes.


Historia
Muzikalia nació el 2 de octubre de 2000 como un concepto que mezclaba secciones clásicas de revistas en papel y las posibilidades técnicas que da Internet. Su aparición favoreció la perpetuación de un modelo que ha sido imitado por nuevos portales que han ido surgiendo posteriormente. Con el paso del tiempo, Muzikalia se ha convertido en una publicación copyleft que elimina las restricciones de distribución o modificación de sus contenidos con la única condición de que el trabajo derivado se mantenga con el mismo régimen de propiedad intelectual que el original, citándose la fuente.



En 2007 y 2008, Muzikalia fue elegida publicación responsable de la creación del Catàleg Sonor, iniciativa para la programación de conciertos en Barcelona con la colaboración del Depósito Legal y la Sala Bikini.



Muzikalia fue distinguida en 2010 con el premio Pop-Eye a la mejor web musical de España en la V Edición de los Premios Pop-Eye de la Música y la Creación Independiente.



Festivales
Muzikalia ha sido medio oficial o colaborador de festivales de música ubicados en España (FIB Heineken, Summercase, Microsonidos o Contempopránea). Durante los años 2007, 2008 y 2009 Muzikalia ha sido medio oficial de Proyecto Demo, prestigioso concurso de maquetas creado por el Festival Internacional de Benicàssim (FIB) en colaboración con Radio Nacional de España (Radio 3) y la cadena de televisión MTV.



MZK Sessions
Desde enero de 2009 y en colaboración con la empresa francesa FNAC, Muzikalia organiza las MZK Sessions, una iniciativa mediante la cual bandas emergentes de la escena independiente pueden tocar una vez al mes en las filiales de Madrid (FNAC Callao) y Barcelona (FNAC Triangle).





jueves, 25 de octubre de 2012

mivideodemisemana - LAUREL HALO y GRIME

Estas cosas con la prensa digital no pasan. Estoy con mi revista Rockdelux del mes de octubre de 2012 y de repente en las páginas 60 y 61 una entrevista a una cantante llamada Grime que presentaba su disco "Visions" y casi seguido, en la página 63 una entrevista algo más breve a Laurel Halo que traía bajo el brazo nuevo disco "Quarantine".

Y me quedo con estos nombres porque las entrevistas son muy buenas y la descripción de su sonido me motiva a querer escucharlas y saber más de ellas.

Estas cosas me pasan con la prensa escrita, ya que la digital vive más de titulares y salvo que conozcas al artista o el titular sea llamativo no das al "clic" para seguir leyendo.

Dos grandes artistas casi noveles (no es su primer disco pero si el disco con el que realmente se han dado a conocer a un público algo más amplio dentro de lo minoritario de su sonido).

Sobre todo quería destacar los dos videos de Grimes (apenas cuenta con 25 años), el célebre "Oblivion" (realizado por unos amigos de la cantante) y "Vanessa", este si realizado por Grimes sacando a relucir su faceta de directora de videoclips.

Pero aprovecho para presentar en sociedad a estas desconocidas (para mi) cantantes que a parte están dotadas de una belleza enigmática y morbosa (como su sonido)


Por un lado, Grimes ("mugres" en castellano, ahi es nada)



Y por el otro, Laurel Halo, esa enigmática mezcla entre Bjork, Portishead y electrónica oscura y ambiental.


Grimes - Oblivion



Grimes - Vanessa



Laurel Halo: Expands Light and Space


Laurel Halo (live at Tandem)

miércoles, 24 de octubre de 2012

miportadademisemana - THE XX (¿como será la portada del tercer disco?)



Hoy un 3 en 1 con The XX.
Sus portadas, colgamos el nuevo video "Chained", y "pegamos" la crítica del disco "Coexist" que realizó para www.muzikalia.com mi buen amigo Juan Manuel Caballero.

Lo de este trio (antes cuarteto) requiere un análisis digno del programa Milenio 3, ese de los misterios sin resolver que presenta Iker Jimenez.

¿Como un grupo como The XX ha tenido este éxito?

- Cantan muy bien, sus composiciones tienen mucha calidad y tienen la tristeza por bandera (y para tener éxito hay que hacer un sonido facilón y prefabricado y con un toque optimista)
- Con su segundo disco "Coexist" la presión podía haber podido con ellos y fabricar un disco más radioformula, pero han seguido igual de atmosféricos, melancólicos y oscuros.
- Su música invita a la escucha en soledad, en un cuarto cerrado y semi oscuro. Y en cambio, ahi les ven, encabezando festivales con multitudinarias masas a sus pies.
- Sus canciones buscan la complicidad del oyente, la asimilación de los textos, mirarse uno mismo hacia dentro.... y ahi están, aclamadas por los fans que las cantan/gritan como si de himnos se tratasen.

Desde 2009 que aparecieron en escena con el homónimo "The XX", están en boca de todos y compiten con Beach House (también han sacado disco este 2012) en ser el nuevo hype indie del momento.

Quien ganará???
Mi voto va para Beach House (escuchen su disco a volumen atronador, que placer!!!)

Y luego tengo curiosidad por ver como será la portada de su tercer disco, tras repetir con la X.
Si en el primero era fondo negro y cruz blanca, en "Coexist", el fondo blanco hace resaltar una X con un color similar al arco iris, pero eso queda muy bonito para este grupo. Mejor decir que la X tiene el color de un charco en otoño en un asfalto manchado por los aceites de los coches contaminantes.

Ahi lo dejo.
Pero ya hace unos años Los Planetas les adelantaron con "Una semana en el motor de un autobus" y esa señal de X de "Sustancia peligrosa" en su portada.




Nuevo video acuático: Chained



Crónica del nuevo dísco extraida de muzikalia y escrita por Juan Manuel Caballero:

Hay dos maneras de enfrentarse a una carrera musical estigmatizada por un impactante éxito del álbum debut: De manera progresista y de manera conservadora. La primera de ellas, supone romper de un tijeretazo, con ramalazo rebelde, con todos los pilares sobre los que se construyó la primera publicación, al estilo de lo que hizo en los setenta David Bowie, los U2 más noventeros o los primerizos R.E.M.; la segunda línea defensiva para evitar lo efímero de un éxito carambolero es echar raíces en los mismos terrenos ya abonados. Es decir, más de lo mismo, siguiendo la máxima de Woody Allen: Si la cosa funciona.... Esa segunda vía es la escogida por los de Londres para dar continuidad, literalmente, a su carrera musical. Si el brillante y elegante debut te emocionó, Coexist te gustará, pero para tu desesperación, no encontrarás tanta emoción en cantidades ingentes. Fieles a su leift-motiv, el álbum sigue siendo una apuesta por el menos es más, pero carente ahora del factor sorpresa. Si bien The XX siguen presentando tan elocuentemente las mismas atmósferas frías y espaciales, con igual de tino, gracia y encanto que hace tres años, al escuchar el disco a uno le queda preguntarse si no hemos tenido que esperar demasiado tiempo para escuchar la cara B de un disco que ya conocíamos. Al disco le falta asestar en el oyente un golpe de gracia para que las bocas de su público tomen de nuevo forma de exclamación, ¡oh!


Para suplir esa pérdida del elemento sorpresa han permitido a Jamie XX enseñar tímidamente sus patitas de productor y afamado DJ por debajo de la puerta en tres de los temas más brillantes del disco: "Reunion" "Sunset" y "Missing", acomodando entre líneas esa latencia housera en modo pause, como de cuelgue de ketamina, haciendo las canciones bamboleantes, cálidas, agradables y duraderas; otorgando a su música, una vez más, los adjetivos de ondulante, eléctrica y neuronal. Pura magia.

Romy y Oliver en su lado, dos pasos al frente de Jamie, optan por atribuir un mayor protagonismo al juego de voces, batalla entre hombre (chico) y mujer (chica). Utilizando así este juego coral a base de dos para tapar la carencia de unas letras cuasi sonrojantes, desprovistas de cualquier atisbo de complejidad poética. Si bien en el debut era Romy la que con su voz ejercía de dulce dominatriz a lo largo del LP, ahora es Oliver, quien le gana la guerra vocal a su compañera en temazos tan redondos como "Tides","Angels" o "Fiction".

Da rabia pensar que canciones como "Try" o "Unfold" vayan a quedar enterradas bajo las huellas de sus predecesoras, acumulándose las canciones unas a otras, formando un estrato de gran calidad que por compacto y repetitivo no permita su disfrute individualizado, sin que aquella pueda resultar por encima de la otra. Una pena, que no hayan sabido o no hayan querido trasladar la grandeza del sonido de sus últimos directos a este formato enlatado. Aún así siguen siendo merecedores de otros tres años de alabanza por buenos más que por casi excelentes.

martes, 23 de octubre de 2012

Homenajeando a MIL VIOLINES (por Kiko Amat) Capítulos 8 y 9



Capítulo 8: Mil violines


Cuando alguien se acerca a la colección de discos de Kiko Amat, es muy común que con voz de sorpresa digan “¿RACHMANINOV?” Si, que pasa.

Y es que sorprende ver en su discoteca el Concierto para piano Núm 2 de Rachmaninov, entre discos de Ornette Coleman, Gal Costa, Style Council, Los Negativos…. Entre otros.

Es su único disco de música clásica, y por eso, cuando le apetece oir música clásica no le queda otra que ponerse el concierto para piano número 2 de Rachmaninov. Y eso le recuerda a cuando tenía 14 años y solo tenía 10 cassettes y los ponía una y otra vez.

Y se acuerda de esta genial reflexión de Ibon Errazkin:

“Ibon Errazkin dijo en una entrevista algo que los obsesivos del pop llevamos años afirmando: la gente ya no le dedica el tiempo necesario a los discos. Los escuchan en zapping de veinte segundos por canción y eso afecta a la música difícil, la que no entra a la primera escucha”.

Cuanta razón tiene.

Habla también de cuando se compró el “Red Mocca” de Cabaret Voltaire con todos sus ahorros y sabía que no podría comprarse un nuevo disco hasta dentro de 2 meses. Y ahí estaba ese disco, sonando una y otra vez, dia y noche… y al final le tienes un cariño especial, te lo sabes de memoria, de PE a PA, como se suele decir.

Y eso es algo que se ha perdido, y que no se si volverá.

Tras esto, Kiko Amat nos revela que le ha dado por poner Catalunya Música, (una emisora de radio de música clásica) siempre que se va de fin de semana o en el coche…

No sabe porque pero cuando está viajando le gusta escuchar música clásica y de vez en cuando poner a Rachmaninov, su concierto para piano número 2, con todos esos violines al comienzo, parecen un millón. O como diría Orange Juice, “MIL VIOLINES TOCANDO PARA TI”. (ya sabemos de donde ha salido el título de este gran libro)







Capítulo 9: Criklewood, 1995

1995 fue su mejor año de todos los tiempos.

1995 fue su peor año de todos los tiempos.



En Londres, en 1995, Kiko Amat, su hermano Oriol y su amigo Uri se gastaban todo lo que ganaban en conciertos, discos y cervezas. Esas eran sus tres prioridades vitales y pasaban de malgastar su dinero en alimentos.



El poco alimento que compraban era en la cadena Kwik Save, con unos precios ridículos, ya que como dice Wikipedia “los establecimientos Kwik Save se dirigían especialmente al extremo más bajo del mercado alimenticio”.



Vivieron también en un barrio muy humilde, Criklewood. Y allí vivieron múltiples andanzas. Era la época del hardcore y escuchaban entre otros discos:

• Shudder to Think “Ten spot”

• Rites of Spring

• Samiam

• China Drum

• Etc…



Y el “Demamussabebonk” de Snuff. Este L.P. incluye “Cricklewood”, una canción que habla de esta barriada ya que el grupo era de allí.



Cuando ya el dinero escaseaba y querías seguir escuchando nueva música, ¿Qué opción te quedaba? Pues ir a los almacenes Virgin Megastore y robar sin escrúpulos multitud de discos y singles. “Uf… que sensación más placentera” nos comenta Kiko, “sobre todo si el damnificado es Virgin Megastore”.



Una vez le pillaron, y fue muy gracioso porque los de seguridad pensaban que tantos discos robados seguro que eran para venderlos y sacar dinero, a lo que Kiko respondía “Que no!! Que son para mi, que me gusta mucho la música”, podeis imaginaros la cara de los “seguratas”.



Utilizaba la táctica de comprar un single de 99 peniques, pagarlo, pero salir con todos los demás escondidos, ya que en esa zona había menos seguridad.



Uno de los que compró por 99 peniques fue el single “Wonderwall” de Oasis. No porque le gustara esa canción, de hecho la odia, pero sabía que en cuanto se pusiese ese tema, él recordaría 1995, en un ataque de nostalgia.

1995 eran el año en que tuvo su máximo apogeo la guerra Blur-Oasis, y Kiko se alineó (COMO YO) rápidamente en el bando BLUR.



Me parto de risa con esta afirmación: “Wonderwall tiene una de las letras más idiotas, rematadamente estúpidas de la historia del pop (y estoy contando “American Pie” y “Don Diablo”. Jeje…



En 1999 volvió a Cricklewood, pero ya todo le pareció distinto y sin la magia de 1995.

micanciondemisemana - BAND OF HORSES - Funeral


Hasta ellos mismos lo dicen. Ven difícil componer una canción tan buena como "The Funeral". Lo que en principio fue un trampolín para Band of Horses (nombre feo feo) puede convertirse con el tiempo en una losa.

Y es que tener un gran hit incluido en tu disco de debut, es lo mejor que te puede pasar. Una especíe "de oca en oca y tiro porque me toca" que te hace ganar unos cuentos puestos en la carrera del pop.
Pero no todo son ventajas ya que poco a poco esta canción va a pesarles demasiado y hará que sus nuevos discos no sean tan bien recibidos y sus nuevas canciones no sean tan tarareadas en los conciertos, y todo el mundo esperará excitado a que suenen los primeros compases de esta gran canción.

Sin llegar a escuchar su tradución, la canción ya me transmitía tristeza, meláncolia... ideal para esta epoca otoñal del año, pero ahora que la he leido traducida, me gusta más aún, y si encima alguien (mirar más abajo) se toma la molestía de explicar la canción detalladamente, mejor que mejor.

Una joya de la nueva (otra más) promesa del folk rock yanqui.

letra:

Vengo solo a abrazarte


Vengo sólo para demostrar que te equivocas

Y conocerte es difícil, y nos preguntamos

para hacerte conocer todo lo equivocados que estábamos.



Es demasiado tarde para llamar, así que esperemos

A que la mañana te despierte, es todo lo que tenemos

Para conocerme tan casi excelente

Es hacerme conocer todo lo equivocados que estaban,



En toda ocasión voy a estar listo para un funeral

En toda ocasión una vez más, llamamos al funeral

En cualquier momento estoy listo para el funeral

En cada ocasión un funeral en un día soleado



Vengo sólo a mostrarte que iras abajo

Vengo sólo para demostrar que te equivocas

Afuera, el viento sopla las hojas muertas

Antes de morir tenían arboles en donde colgar sus esperanzas



En toda ocasión voy a estar listo para el funeral

En toda ocasión una vez más, llamamos al funeral

En toda ocasión estoy listo para el funeral

En toda ocasión un funeral en un dia soleado




Magnifica explicación de la canción extraida de www.gabbagabbahey2011.com.
Ayuda a disfrutar más de su escucha y sentirla más aún.

“The Funeral” es para mí una de las grandes canciones del siglo XXI. Forma y fondo en armonía, para, poéticamente, exponer de forma brillante un tema con el que cualquiera puede sentirse identificado; el fracaso. Es más, el fracaso anticipado, la preparación para el fracaso, la idea de derrota rondando tu vida y enturbiándola. “En cada ocasión estoy preparado para el funeral” repite Band of Horses en este tema. No se trata tanto de la muerte física, como de esa sensación que se sufre cuando una relación se rompe. Preparar el traje negro y tener pagado el nicho y el ataúd, para cuando ella se vaya.
La canción es triste. No sólo por esos simples acordes del principio que marcan gran parte de la canción, demostrando que lo simple puede provocar mucho más que una fanfarria barroca de guitarras sin sentido. Es triste por la idea, que es a la vez un aviso. “Estoy preparado para el funeral”, un aviso que se hace en una relación tempestuosa. Como en una especie de maldición fatídica, asume la derrota antes de tiempo. Alguien dijo una vez que “uno no está derrotado hasta que acepta la derrota”. Pues bien, Ben Bridwell (Irmo, Carolina del Sur, 1978), cantante y guitarrista de la banda, se rinde en mitad de la batalla. Porque todos sabemos que el amor no es otra cosa que una confrontación de miradas, momentos, gestos, palabras, caricias, sonrisas y lágrimas. Cuando se está en mitad de esa lucha, cualquiera piensa en la victoria absoluta, por eso prepararse para la derrota más estrepitosa es profundamente triste. Sí, también honrado e incluso generoso. Al fin y al cabo, nadie se siente más villano que el que abandona a alguien. La canción lo absuelve.


Pero también es una canción épica, como todas las baladas que saben pasar de lo pequeño e íntimo a lo grandioso con un cambio de ritmo que pone la piel de gallina. Este aspecto épico y triste, este carácter de balada rock de las que se hacen cada vez menos, esta capacidad de llegar a todo el mundo por melodía, música y letra, es la que ha llevado a “The Funeral” a ser uno de los temas más utilizados por el cine y maltratados por la publicidad, además de ser versionada hasta la saciedad. Dos de las mejores películas del pasado año 2010 contaban con este tema en su BSO; la francesa “Pequeñas mentiras sin importancia” (emotiva, sincera, cómica pero dramática) y “127 horas” (intensísima).

"The Funeral" deja algún pequeño resquicio. Al fin y al cabo, prepararse para la desgracia significa asumir que todo saldrá mal pero provoca valorar cada instante en que todo está saliendo bien… En cualquier caso, ese inexorable funeral, será un “soleado funeral”. Hay quien nunca debe prepararse para ninguna derrota porque nunca entra a ninguna batalla, nunca arriesga. “Basta con no amar, nunca, a nada, a nadie. Es la única receta infalible para no sufrir” (de la película Caballos Salvajes, 1995). Ben Bridwell canta en The Funeral que, a pesar de ese negro futuro, habrá merecido la pena. “Soleado funeral”; triste, sí, pero bonito. Y hay poco espacio para lo bello hoy.

 

The Funeral forma parte del primer LP de Band of Horses (“Everything All The Time”, 2006) una banda que comenzó así de fuerte con el ya mítico sello discográfico independiente Sub Pop. Estilo ecléctico de rock “indie” de raíces sureñas a pesar de nacer como banda en Seatlte, dos canciones de Band of Horses no se parecen.

El vídeo nos invita a sufrir con el derrotado que ahoga sus penas en alcohol, típica imagen asociada al rock. Lo que no es tan típico es que el perdedor es un señor ya mayor, que huele a soledad más que alcohol por los cuatro costados, al cual acompañas hacia su inevitable fin.

domingo, 21 de octubre de 2012

midiscodemisemana - ROBERTO FONSECA - yo (2012)


Ruptura=Renacer.
Esto lo ha debido tener muy presente el pianista cubano Roberto Fonseca, que tras una larga trayectoria de jazz cubano y latino y múltiples colaboraciones en discos puristas del género, ha decidido RENACER de nuevo y empezar de cero.
Asi se muestra en la portada de su nuevo disco, sin ropa, sin collares ni pulseras y con el torso desnudo donde se puede leer "Yo" y debajo su nombre.
Es una ruptura a medias, también digamosló, porque el disco sigue sonando a jazz latino con el piano como instrumento principal, pero hay matices que conviene destacar.
Por primera vez, abraza toques electrónicos ayudado por Gilles Peterson y Michael Eldridge (Radiohead, Dj Shadow, etc...) y de dos de sus nuevas canciones se han hecho dos remixes en clave dance (Bibisa y 80´s).
El disco se ha grabado integramente en París, en parte porque la mayoria de músicos africanos que colaboran en el disco (otro matiz es esta querencia por lo africano) viven en la capital francesa.

Y es que los que trabajamos en una oficina ya tenemos asumido un trabajo rutinario y que cada día se parezca al anterior y al siguiente.
Por eso, es de valorar y agradecer que un artista consagrado y respetado por los puristas en el jazz cubano y latino, haya decidido dar este paso adelante y añadir toques africanos y sobre todo electrónicos.

Un disco de esos de los que se cuela inesperadamente en tu cabeza y no salen de ella.
Posiblemente el disco se cuele en los mejor del año en mi lista, porque no todo en la vida es POP y ROCK.




Solo:
Roberto Fonseca - Cuando Uno Crece



Con banda:
Roberto Fonseca - 80´s


Se que es un poco largo y algunos andan con prisas, pero me ha llamado la atención esta larga y completa nota de prensa que Yannis Ruel ha escrito sobre "YO", un gran disco de jazz.
Y aqui lo añado y recomiendo su escucha, disfrutarán más el disco, se lo aseguro.

Cuando Roberto Fonseca toca, su música se filtra por cada poro de su cuerpo, a veces en el escenario se levanta hasta martillear su piano como si se tratase de un instrumento de percusión y convertir su grupo en una “comparsa” – un conjunto de percusión que desfila en las calles de un carnaval convenciendo al público hasta que bailase eufóricamente…

El nuevo álbum de Roberto Fonseca, alarga esta fiesta como nunca antes lo había hecho. Reconocido como una de las grandes figuras del jazz cubano actual, el joven pianista nos demuestra sin ambigüedades que su horizonte no se limita a sutilezas de la nota azul, ni al azul de las Antillas.

Que él haya decidido bautizar este séptimo álbum con el pronombre personal “yo”, y posar ante la cámara con su torso completamente desnudo y las manos abiertas hacia al cielo, no es ninguna coincidencia. Su cuerpo, sin collares ni brazaletes, evoca una imagen de renacimiento. “Con este disco empieza una nueva etapa, más que una ruptura”, comenta Fonseca. “YO exprime la mirada penetrante de mis raíces con mis experiencias y expone la diversidad de mi mundo musical, todas estas ideas que yo guardaba en un rincón de mi cabeza, sin tener la oportunidad de ser llevadas a cabo.”

Si estas nuevas composiciones retoman temas del amor y de la espiritualidad, para este proyecto Fonseca extrae un amplio abanico de sonidos mucho más extenso y contrastado. En vez de su habitual quinteto de jazz, desarrolla con YO una unión entre instrumentos electrónicos, analógicos y africanos, órgano Hammond, n’goni, congas, kora y un tambor tamani, todo combinado en una síntesis groove afro-cubano y de tradición de los griots.

Desde su adolescencia los pianos “vintage” como el Hammond , Rhodes y Moog, ejercen sobre Fonseca una atracción particular, junto a los clásicos del jazz-funk como Herbie Hankcock & The Headhunters. “En los festivales he tenido la oportunidad de observar a muchos músicos que tocaban el Hammond. Lo he tocado desde hace muchos años, pero es la primera vez que lo utilizo para una grabación.”

La relación de Fonseca con África y en particular con la cultura Yoruba nos resulta ya muy familiar. Educado en el barrio de San Miguel del Padrón, en la Habana, su abuela paterna le transmitió la fe por el culto a sus antepasados, propio de la santería cubana. En este álbum Roberto ha querido profundizar aún más en esta conexión trabajando con músicos africanos.

“Siempre había soñado en ver como podían quedar mis composiciones interpretadas por músicos africanos de mi generación. Es un honor poder contar con Baba Sissoko, Sekou Kouyate o Fatoumata Diawara, unos músicos que además de su talento, son personas que tienen la mano en el corazón y te lo dan todo sin esperar nada a cambio.”

En total, una quincena de músicos, instrumentistas y cantantes, han participado en la producción de YO. Además de los músicos africanos citados, también han participado los cubanos Ramsés Rodríguez y Joel Hierrezuelo, dos habituales compañeros de Roberto, el versátil bajista Étienne Mbappé y el guitarrista Munir Hossn contribuyen a enriquecer el proyecto, en el cual también figuran la algeriana Faudel, el cantante senegalés Assane Mboup de la Orquesta Baobab y el poeta Mike Ladd. Para terminar, el inglés Gilles Peterson, amigo de Fonseca después de su encuentro en el proyecto Havana Cultura New Cuba Sound, aporta su experiencia con la co-producción de dos temas.

Reunidos en primavera de 2011 en el estudio Meudon en Paris, el equipo terminó la grabación en tan sólo una semana. Fonseca, es el primero en reconocer que la fluidez percibida en las sesiones de grabación fue gracias a su manager y co-productor Daniel Florestano, quien lo ha orientado en las elecciones artísticas y técnicas de este proyecto… Entre ellos ha sido decisiva la colaboración del productor californiano Count aka Mikael Eldridge. Verdadero orfebre del sonido ha trabajado con el DJ Shadow, Radiohead o los Rolling Stones. Count no ha escatimado esfuerzos en su primera experiencia fuera del mundo anglosajón. Si la grabación tomó menos tiempo del previsto, la post-producción – mezcla, masterización, programación adicional y las remezclas – duró varios semanas.

“Me sigue sorprendiendo cada vez que vuelvo a escuchar el disco, y eso se debe al trabajo de Count. Su maestría con el sonido y el espacio, su inteligencia para la psicología de cada tema, es impresionante. Es un gran creador, su contribución ha sido fundamental para el éxito de este trabajo.”

El disco abre con una fiesta, de una manera similar a la que acaban los conciertos de Fonseca… Probablemente uno de los temas más intensos del álbum, “80s” hace referencia a una época donde se bailaba sin prejuicios, la década anterior a la caída del muro de Berlín, y el “período especial” de Cuba. Ilustrando la influencia de la percusión en su interpretación Fonseca alterna el piano y el Hammond para elaborar su relato: “Generalmente compongo contando una historia, como si fuera una película. En este tema imagino que una comparsa de carnaval se planta justo enfrente de mi mientras yo estoy tocando el piano. Sigo tocando, y me junto a la fiesta, antes que los tambores continúen con su viaje, y yo vuelva a mis ejercicios, ¡de ahí viene esta coda clásica!”

Desde la América negra, “Bibisa” nos transporta hasta África. Composición de Baba Sissoko, este tema mezcla el piano de Fonseca, la voz de Fatoumata Diawara y un duo de cuerdas africanas interpretadas por Baba Sissoko (n’goni) y Sekou Kouyate (Kora). “Es un tema orgánico y espiritual, me imagino un grupo de personas reunidas bajo un árbol para charlar”, explica Fonseca. “Pero cuando lo escuchas bien, uno se da cuenta de que la clave (ese esquema rítmico a partir del cual salen las músicas populares cubanas) está en el contraste entre este leitmotiv cubano y los elementos puramente africanos. Esto es el proyecto del disco: tocar las raíces africanas sin olvidar de donde venimos, sin olvidar Cuba.”

En este punto Roberto nos presenta “Mi negra Ave María”, una melodía compuesta a cuatro manos por Fonseca y su madre, Mercedes Cortés. Al igual que en sus anteriores discos, el pianista la utiliza para invocar las energías positivas que lo acompañan desde el día de su nacimiento. Elaborada en un formato de piano, bajo, batería, este tema gana aun más vitalidad gracias al poema improvisado de Mike Ladd, Obatala’s Daughter. “Gilles Peterson, quien ha co-producido este tema me presentó a Mike Ladd. Honestamente, al principio pensé que el tema ya era suficientemente rico solo con la versión instrumental y que una voz no era necesaria. Nunca me habría imaginado la alegría que Mike nos traería mientras recitaba el texto poco a poco. Mi inglés no es muy bueno y yo no entendía todo lo que decía Mike, pero era evidente que sus palabras elevaban la dimensión más espiritual del tema.”

Si todo seguidor de la religión Yoruba es hijo de la diosa Obatala, Chango o su equivalente, Siete Rayos es la divinidad a la cual Fonseca está personalmente ligado por su iniciación. Influenciado por ese dios de la guerra, de la música y de la justicia, el tema “7 Rayos” progresa sobre una armonía casi continua y un ritmo marcial, donde cohabitan distintos elementos – Kora, Tamani, coro, programación electrónica – que aportan a la canción una dimensión narrativa y la impresión de un gran viaje. “Quería producir un tema minimalista, que exprimiera mis sentimientos teniendo en cuenta las raíces africanas de la cultura cubana. De ahí la decisión de integrar un extracto de un vinilo donde el gran poeta Nicolás Guillén rinde homenaje a los Yorubas.”

“El Soñador está cansado” es otra composición de Roberto, y el segundo tema donde Gilles Peterson participa en la producción. Fonseca debuta con un solo de piano, y después da un giro hacia un sonido más soul-funk con un Rhodes. “Esta pieza está dedicada a todos los románticos, que hablan de la desilusión del amor. Así como es también un guiño a la sonoridad vintage del nuevo soul inglés y de talentos como Peterson, que aportó un saber hacer particular. El reto era combinar todos estos elementos con percusiones cubanas y africanas.”

“Chabani” es el nombre de la familia de un amigo algeriano de Roberto, quien le mostró la riqueza cultural y musical del Magreb. Los melismas del cantante Faudel reflejan una visión de Algeria, la blanca, al mismo tiempo que el tamani – o “el tambor que habla” – de Baba Sissoko hizo destacar este tema.

La tradición Gnawa es el tema principal de “Gnawa Stop”. Composición del percusionista Joel Hierrezuelo, el título pone en evidencia la similitud entre los ritmos gnawas y los afro-cubanos. Construido en dos tiempos, un primer tiempo donde los instrumentos van encontrando su espacio, y un segundo tiempo donde todos ellos entran en una cadencia común, esta pieza lleva progresivamente al oyente hacia un estado de trance, su ritmo repetitivo da la impresión que podría durar toda la noche, y quizá nunca pararía.

“El Mayor” es Luis Jesús Valdés Cortés, el hermano mayor de Roberto, y responsable de la pasión de Fonseca por el funk americano. Esos intercambios de sintonías de la radio se superponen al piano, que hace referencia al pasado de Luis Jesús cuando estudiaba piano, y también a la búsqueda de emisoras de radio que aportan a Cuba nuevas sonoridades.

“JMF” son las iniciales de dos personas que han formado parte de la vida de Roberto durante los últimos años. Homenaje a las grandes figuras de la música cubana, este tema se inspira en tradiciones insulares y fluye dentro de una variación electrónica de un montuno de órgano Hammond y de Kora eléctrica. “Nunca pensé que Sekou Kouyate podría producir ese sonido con la kora, explica Fonseca. La manera como se mezcla con el resto de instrumentos es sensacional y ya puedo decir ahora mismo que repetiremos esta experiencia.”

En territorio de rock afro-cubano aparece la calma con “Así es la vida”, una balada con una melodía y un solo de piano llevados a cabo con gran serenidad: Explica que nunca se puede perder la esperanza. “Los músicos muy a menudo nos olvidamos de que un silencio puede ser más revelador que un montón de notas.”

“Quien soy yo”, ya con este título, este tema es uno de las manifiestos del álbum. Bajo su aparente simplicidad, el tema extrae diferentes estilos de música cubana para descomponer los elementos y recomponerlos sobre una estructura inédita. A este montaje se le suman la fuerza de la voz de de Assane Mboup, uno de los cantantes de la legendaria Orquesta Baobab, y los ritmos de samba brasileños de Munir Hossn con el cavaquinho. “Este tema habla del amor y de las vibraciones positivas. Reúne tres de las fuerzas musicales más importantes, unidas por la Tierra madre, África.”

Para cerrar el círculo, Roberto moviliza Hammond, Rhode y Moog en un himno jazz funk, un recorrido perseguido vertiginosamente por la sección rítmica d’Étienne M’Bappé, Joel Hierrezuelo y Ramsés Rodríguez, el compositor. “Rachel es el nombre de una de las hijas de Ramsés. Se grabó una primera versión dentro de un registro más cubano, y cuando lo escuché pensé que este tema se podía adaptar a un estilo más legendario”

A las personas que aún se preguntan quién es Roberto Fonseca y a todas aquellas que creen conocerlo bien, el músico cubano les responde con YO. Una epopeya al encuentro del jazz, de las músicas tradicionales y el soul; una travesía de un lado al otro del Atlántico negro; un disco que presenta a un nuevo artista, no porque él haya cambiado sino porque su talento esconde aún sorpresas increíbles.

Yannis Ruel

Coleccionando vinilos - 169 - LOS PLANETAS - "Zona temporalmente Autónoma" (2017)

Y llegamos al final de la temporada amigos. Gracias a todos los que os habéis dado una vuelta por este blog.  Y no solo de la temporada,...