miércoles, 29 de noviembre de 2017

Sonidos de América Latina - VOL 26 - SANTANA "Abraxas" (1970)


Es curioso que buscas información de este disco y casi aparecen más entradas sobre la portada que sobre el contenido del disco, y es que esta es una de las portadas más famosas de la historia de la música. Hasta yo hablé de ella en septiembre de 2010, y que más abajo os lo incluyo.

Asi al azar, pero han sido 5 artistas mexicanos los que han ocupado las últimas semanas del blog.

De Santana poco se puede añadir, un genio en sus inicios y con cierto decaimiento en la decada de los 90 vendiendose a las radioformulas y al pop latino.

Pero nos quedamos con su época en los 70, donde juntó como nadie el rock americano, la psicodelia, la samba, la música latina, el jazz..... etc etc...

Este disco se antoja cortito con sus 37 minutos, pero era la duración normal de un vinilo. Eso si, no sobra ni un minuto. Todo suena en su lugar y si encima lo empaqueta en una preciosa doble portada pues que más queremos.

Todos juntos... OYE COMO VA...

Temas

Los temas incluidos en el disco fueron los siguientes:
  • A1. «Singing winds, cryin' beasts» (Carabello) 4:48
  • A2. «Black magic woman/Gypsy queen» (Peter Green/Gabor Szabo) 5:24
  • A3. «Oye como va» (Tito Puente) 4:19
  • A4. «Incident at Neshabur» (Gianquinto/Santana) 5:02
  • B1. «Se acabó» (Áreas) 2:51
  • B2. «Mother's daughter» (Rolie) 4:28
  • B3. «Samba pa ti» (Santana) 4:47
  • B4. «Hope you're feeling better» (Rolie) 4:07
  • B5. «El Nicoya» (Áreas) 1:32
Algunos de estos temas han permanecido en el tiempo como los más famosos de la banda, en especial las dos versiones de temas del músico de jazzGábor Szabó, y de Tito Puente.

Músicos

Los músicos de la 1ª edición del álbum editado en 1970 por la discográfica Columbia, en formato LP de vinilo.

Créditos

Los créditos de la 1ª edición del álbum editado en 1970 por la discográfica Columbia, en formato LP de vinilo



Os dejo con estas dos reseñas del disco.
Esta primera sacada de la web de rockdelux

En la sección Flashback del Rockdelux 79(octubre 1991), Quim Casas recuperó el segundo álbum de Santana, el mundialmente conocido “Abraxas”, disco publicado en 1970 y muy popular gracias, sobre todo, a cortes como “Oye cómo va”, “Black Magic Woman/Gipsy Queen” y “Samba pa ti”. Eran los primeros pasos de una carrera prometedora que después, con el tiempo, se maleó hacia lo estándar y el exhibicionismo guitarrero
Un texto extraído del “Demian” de Hermann Hesse apareció en la contraportada de “Abraxas” para justificar un bello título y dar coartada cultural a una de las obras más redondas de Santana. El disco que le precede, “Santana” (1969), y el que le sigue, “Santana III”(1971), tienen tantas buenas canciones como este, auténticos clásicos de una época fecunda que el mismo Carlos Santana no tardaría en estropear con solos cansinos, ritmos sin ideas y desfachatez general.
Pero estos dos plásticos, pese a su fuerza, no poseen el halo mítico que “Abraxas” ostenta desde su lejana configuración en 1970. La ornamentada portada de Mati Klarwein, el reconocible póster interior en blanco y negro y, sobre todo, una sucesión imparable de consensuadas gemas eléctrico-afro-cubanas acreditan “Abraxas” como lo que fue, y hoy –salvando la indiferencia que pueda producir la música perpetrada por el guitarrista mexicano y sus huestes en los últimos quince años– continúa siendo: el punto de ebullición de un mestizaje sonoro del que no pocos han chupado, una vuelta de tuerca a lo que Mongo Santamaría y otros hicieron en el jazz, pero aplicado al rock. Latin rock.
La formación, idéntica a la del primer disco: Santana (guitarra, voz), Gregg Rolie (órgano, piano, voz), Dave Brown (bajo), Mike Shrieve (batería), Mike Carabello (congas) y José Chepito Areas (timbales, congas). Y las canciones: el sendero inquietante e hipnótico de “Singing Winds, Crying Beasts”; las robustas versiones de “Black Magic Woman/Gypsy Queen” y “Oye cómo va”; la sensual “Incident At Neshabur”, compuesta con el espléndido pianista Alberto Gianquinto; las aportaciones más rockeras de “Mother’s Daughter” y “Hope You’re Feeling Better”, ambas firmadas por Rolie; la trepidante “Se acabó” y la miniatura percusionista de “El Nicoya”, las dos de Chepito; y la temperada pero oída hasta la saciedad “Samba pa ti”, vena lírica algo trasnochada de un virtuoso de la guitarra que se durmió demasiado pronto en los laureles. Latin dinosaur.

Y una segunda reseña extraída de elportaldelmetal.com

Santana había deslumbrado al mundo en agosto de 1969 con un show lleno de energía e innovación sonora, durante el mítico concierto denominado oficialmente The Woodstock Music & Art Fair, o más conocido simplemente como Woodstock Festival.
Había transcurrido poco más de un año de aquella épica performance y Santana lanzaba en septiembre de 1970 su segundo larga duración, titulado Abraxas, donde la banda da rienda suelta una vez más a su habilidad para mezclar rock sicodélico, jazz rock, blues y rock latino con otros géneros como el cha-cha-cha en el tema Oye Como Va, orginal de Tito Puente, consiguiendo un resultado que sorprendía por lo novedoso que era para el aficionado del rock and roll de inicios de los años '70s.
Desde la instrumental Singing Winds, Crying Beasts que da inicio a esta grabación, hasta el cierre con la instrumental de percusión titulada El Nicoya, el oyente tiene garantizado un viaje por un mundo sonoro impregnado de misciticismo y grandes melodías, gracias a una instrumentalización de primera donde teclados, piano, bajo, percusión y la guitarra con sentimiento de Carlos Santana se encargan de llevarte a una nueva dimensión, repleta de ritmos entre rockeros y tribales, aderezados con una forma diferente de tocar, propia del sonido latino que mezcla lo americano con lo africano.
De más está decir que Black Magic Woman / Gypsy Queen, Incident at Neshabur, Se a Cabo y Samba Pa' Ti son himnos atemporales que cualquier oyente medianamente enterado puede reconocer inmediatamente, seguramente como consecuencia de su difusión internacional debido a ese sonido tan cercano a la gente de a pie.
La instrumental Samba Pa' Ti es un buen ejemplo para graficar lo antes comentado, tiene en todo momento simpleza y sentimiento en la ejecución de la guitarra, pero a la vez está muy bien complementada con una percusión, bajo y teclados rebosantes de calidad instrumental, que difícilmente dejan indiferente al oyente. Se dice que Santana puso los cimientos del rock latino, el de a verdad, opinión que comparto.
Los temas menos logrados son en mi opinión Mother's Daughter y Hope You're Feeling Better, pero no desmerecen el altísimo nivel del resto del LP, al que gustoso le doy nota máxima.
Mención especial para el gran vocalista Gregg Rolie, cuya voz será siempre asociada al track Black Magic Woman y que luego de dejar Santana formaría parte de otras bandas igualmente destacadas.
Como dato curioso habría que destacar que los covers que hizo Santana en este álbum, de Black Magic Woman y Oye Como Va, fueron mucho más exitosos y populares que las versiones originales de Peter Green y Tito Puente, respectivamente.
Una prueba más de la calidad interpretativa de Santana, la banda. Clásico entre clásicos, con ustedes Abraxas, el cinco veces platino álbum de la portada mística-cosmológica que grafica la Anunciación, obra de Abdul Mati Klarwein.
Con Abraxas, el rock latino ya tenía un estandarte que enarbolar con orgullo, muy bien Carlitos y compañía!!


Santana - Full Concert - 08/18/70 - Tanglewood (OFFICIAL)



Y sobre la icónica portada, ya le dediqué unas lineas en este mismo blog el 21 de septiembre de 2010 que copio aquí:

SANTANA - ABRAXAS (1970)Portada: Cuadro de Mati Klarwein "Anunciación" 1961

A Santana le tengo que agradecer alguna cosa y reprochar alguna otra.
Le tengo que agradecer esa pedazo trilogia, los tres primeros discos de este artista son inmensos. Revolucionaron la música latina.
Y sobre todo les tengo que agradecer que existan The Mars Volta, de gran influencia para ellos, y adaptándolo a los tiempos que corren. Casi hasta esos peinados afros son copiados por Omar y Cedric.

Y le tengo que reprochar su última etapa, buscando el hit perfecto para ganar pasta, y por favor!!! esos duetos innecesarios.
Uno de ellos con uno de los grupos que menos soporto, Maná.

Asi, repartidos agradecimientos y críticas, nos ponemos delante de esta obra pintada por Mati Klarwein en 1961.
Un cuadro con tintes africanos, muy colorido, con una mujer africana desnuda captando la atención en el centro de la portada.
El tipo de letra del disco, el colorido, todo ello indica que Santana quiere fusionar lo latino con las percusiones africanas, y vaya que si lo consigue, y nos avisa desde el principio con esta famosa portada.

Quieren ver otra obra muy buena de Mati Klarwein??? Pues busquen "Bitches Crew" de Miles Davis.
Para mi, el mejor disco de Miles Davis, a pesar de la que lió en su día con "Kinds of Blue".

domingo, 26 de noviembre de 2017

Sonidos de América Latina - VOL 25 - LILA DOWNS "balas y chocolate" (2015)


Me encanta esta mujer, su belleza madura e interesante y esa voz que te atrapa.
Lila Downs está más cerca de la pureza del folclore clásico de su país (MEXICO) que de querer renovarlo y adaptarlo a estilos más contemporáneos.
Pero todo suena muy actual y su música te entra por los oídos y te crea un buen rollito muy agradable.

Hace unos cuantos años, me enganché a sonidos mestizos y no paraba de oír entre otros a Amparanoia y es que les encuentro muchas similitudes con Lila Downs. Dos grandes artistas que desde el mestizaje sonoro y letras combativas, logran divertir al personal.

"Balas y Chocolate" es su octavo disco, el penúltimo en su carrera y quizás el más redondo de todos.

Me encanta esta entrevista-resumen del disco que publicaron la gente de efeeme.com




Lila Downs nos presenta su nuevo disco, “Balas y chocolate”

 Autor:

El 24 de marzo se publica el nuevo disco de Lila Downs, “Balas y chocolate”,en el que lanza “una mirada profunda hacia el acontecer de la sociedad latinoamericana”. Y es, como explica la propia Lila Downs, “una alusión a los tiempos agridulces que vivimos: por una parte, la violencia y por otra, los excesos y el placer representados por el cacao, manjar de los Dioses, fruto que permanece y simboliza nuestra fuerza como nación”.
“La música de este álbum celebra a los muertos como es la tradición: se baila, se canta, se toma, se brinda con los difuntos. Se canta un bolero, unas norteñas, unas cumbias, hip hop y ska y como resultado tenemos un disco bailable, melancólico y alegre, así como es la costumbre de llorar y celebrar al mismo tiempo, porque los mexicanos tenemos la tradición de escribir versos sobre la muerte riéndonos y disfrutando…”, añade.
Lila Downs nos presenta una a una las canciones de “Balas y chocolate”:
1. ‘Humito de Copal’
Dedicado a todos los valientes periodistas que constantemente arriesgan sus vidas.
“Estoy tan decepcionada y es que no te creo más. Si ya me lo prometiste, yo quiero la verdad”.

2. ‘Mano Negra’
Inspirado en el “Templo Mayor” de un famoso yacimiento arqueológico de México, que fue el templo para el Dios Sol y el Guerrero Huitzilopochtli, un lugar de rituales de sacrificio. En realidad, está enterrado bajo la catedral cristiana en el centro de la Ciudad de México.
“En la mirada del volcán que duerme con su enamorada Iztaccíhuatl, por el valle van llegando miles al espejo de agua”.

3. ‘Balas y Chocolate ’
Es un tema dedicado a los niños migrantes que vienen por la ruta del cacao desde su origen, que empieza en Honduras, El Salvador, Venezuela, Colombia, Guatemala y México. En México había un intercambio del cacao con estos  países, es un elemento que representa lo sagrado para todos nosotros y también los excesos de estos tiempos.
“Mi vida, mi dulce, voy a bailar mi suerte, mi sol y la luna, contigo hasta la muerte”.
4. ‘Una Cruz de Madera’
Es un tema muy antiguo, que se escuchaba mucho en las calles y su filosofía es la lección de la humildad ante el fin último del ser humano.
“Una cruz de madera, de la más corriente, eso es lo que pido cuando yo me muera”.
5. ‘La Farsante’ (a dúo con Juan Gabriel)
Una canción clásica de Juan Gabriel sobre un amante, la mentira y el engaño.
“Yo creí que eras bueno, yo creí que eras sincero”.
6. ‘La Burra’
Una canción venezolana clásica sobre un burro.
“Un burro a mí me dijo que él nunca había tirado ni un tiro ni una escopeta, porque él no era soldado”
7. ‘Cuando me Tocas Tú’
Un bolero que habla de ser libre como el océano y hermosa como la luz de la tarde cuando me tocas…
“Yo soy libre del temor cuando me tocas tú”
8. ‘La Patria Madrina’ (a dúo con Juanes)
Con el fin de presentar la verdad.
“Y todo amaneció mejor, mejor”
9. ‘Las Casas de Madera’
Es una metáfora sobre la casa en la que vivimos, que se está cayendo.
“Las casas de madera parecen derrumbarse, igual que yo se quejan desde que te marchaste, y a mí si no regresas, un día van a enterrarme”
10. ‘La Promesa’
Hace referencia a la pérdida de un amor y  la búsqueda de un ser amado que desaparece.
“¿Cómo pudiste quitarme todo si prometiste quererme a mí?”
11. ‘Son de Difuntos’
Estaba sentada la parca, discutiendo con los santos, el diputado y el alacrán… por corrupción los enterrarán.
12. ‘Dulce Veneno’
Es un tema de crítica social sobre las preocupaciones materialistas en las que caen las mujeres debido a la importancia que recibe la apariencia física.
“Hay verdades ocultas que se esconden en los cabellos”.
13. ‘Viene la Muerte Echando Rasero’
Del poeta campesino Don Ascensión Aguilar, oriundo de Ojo de Agua Seco, San Luis Potosí. “Creamos musicalmente otra versión para estos versos maravillosos y es el tema que creo representa muy bien el concepto del disco, la poesía y el momento de reflexión en nuestro país”.


Este es solo el principio de su extensa BIO que puedes encontrar en wikipedia:

Ana Lila Downs Sánchez más conocida como Lila Downs (nacida el 9 de septiembre de 1968 en Heroica Ciudad de TlaxiacoOaxaca)4​ es una cantanteintérpretecompositoraproductora discográficaactriz y antropóloga5​ mexicana. Además de cantar en español e inglés, también interpreta melodías en diversos idiomas nativos de su país, como mixteco y zapoteco, así como mayapurépecha y náhuatl. Reivindica sus raíces mexicanas y de los pueblos indígenas, además de la música regional de Oaxaca.
Inició su carrera musical a finales de la década de 1980 como vocalista de un grupo local de percusión llamado Los Cadetes de Yodoyuxi. En 1990 se integró a la banda La Trova Serrana, con la que consiguió distinguirse entre el público latino de Estados Unidos y de la que se separó en 1992. En ese mismo año viajó a Los Ángeles para prepararse como solista. En 1994, regresó a México y lanzó su primer álbum como solista titulado Ofrenda, grabado de forma independiente, al que siguieron Azuláo: En vivo con Lila Downs en 1996 y Trazos en 1998, los cuales no obtuvieron mayores éxitos de ventas. Pero en 1999 firmó un contrato con la discográfica Narada, con la cual lanzó cinco álbumes de estudio y vendió alrededor de 1,5 millones de discos.6​ El más conocido de esos discos es La Sandunga. En 2007 firmó un contrato con EMI Music; bajo este sello lanzó tres álbumes y finalmente en 2011 firmó con Sony Music, disquera con la que actualmente graba.
Downs adquirió fama tras el lanzamiento de su álbum La Sandunga en 1999, el cual logró éxito comercial y una recepción crítica positiva; su disco de 2000 Árbol de la Vida/Tree of Life fue también muy exitoso pero el éxito internacional definitivo lo alcanzó en 2001 con La Línea/Border. Ha sido ganadora en una ocasión del Premio Grammy en 2013 por su disco " Pecados y Milagros " y ha quedado nominada dos veces por sus álbumes "Ojo de Culebra" en 2009 y "RAÍZ" en 2015 .7​ También ha sido ganadora de cuatro premios Grammy Latino por los albumes Una Sangre " en 2005 , " Pecados y Milagros " en 2012Raíz en 2014 y Balas y chocolate en 2015.89
Inspirada en cantantes legendarias de música ranchera como Lucha ReyesLola Beltrán y Flor Silvestre,1011​ así como artistas de música folklórica como Amparo Ochoa y Mercedes Sosa, Downs es conocida por su especial sentido estético. También ha dado de qué hablar su peculiar estilo de vestir, en el que combina trajes regionales de México con estilos modernos y alternativos. También ha ganado notoriedad con sus presentaciones en vivo y sus videos musicales, en los que siempre se presenta con un estilo original. Ha obtenido numerosos reconocimientos.1213
Sus mayores éxitos incluyen temas como «La sandunga», «Canción mixteca», «El venadito», «La llorona», «La cumbia del mole», «Palomo del comalito (La molienda)», «Pecadora», «Mezcalito» y «Zapata se queda».
En su trayectoria como actriz, ha participado en tres películas y un documental.


"Balas y Chocolate"


Discografia:

Álbumes de estudio
Álbumes recopilatorios
Álbumes en vivo
Otros álbumes y EP

miércoles, 22 de noviembre de 2017

Sonidos de América Latina - VOL 24 - PLASTILINA MOSH "Aquamosh" (1998)


Y otro día más, seguimos con bandas mexicanas, tras Moderatto y Molotov, hoy le toca el turno a los irreverentes Plastilina Mosh, y la cosa no para ahí ya que la siguiente entrada está dedicada a una artista mexicana y después vendrá un clásico mexicano-estadounidense (y hasta ahí puedo leer).

Lo de que son un dúo y lo de que alternan el inglés con el castellano es lo que les diferencia de los clásicos Beastie Boys. El resto son casi como gotas de agua.
Humor, acidez, vídeos divertidos, rap bailable con toques rock.
Definir el estilo con rap con toques bailables, jazz, electrónica y rock es una definición algo pobre porque en la batidora de Plastilina Mosh entra de todo.

Tuvieron su momento con este disco de entrar en el mercado español, pero nunca terminó de explotar como sí pasó con Molotov. Pero en Latinoamérica y sobre todo, su México son grandes estrellas reconocidas. Os dejo al final de la entrada con una biografía.


Interesante el repaso que hacen de "Aquamosh" en http://www.thetimeisdead.com


En mi vida pensé que fuera a poner este disco cuando comencé el blog… Pero las cosas son así…
Hubo un tiempo en que todos los de 30 años recurríamos a MTV a finales de los 90 en busca de cosas nuevas e interesantes. Y el asunto es que entre 1994 y 1999 la cadena musical nos inundaba con bandas made in México… Molotov, Control Machete, Fobia, La Lupita, Jaguares, Café Tacuba, y la banda que traigo hoy, Plastilina Mosh.
Lo primero que conocimos de la banda de Monterrey, formados por Alejandro Rosso y Jonás González, fue el single Niño Bomba, que sonaba 28 veces por día en el canal de las 3 letras. El sencillo nos remitía a cosas como Beastie Boys, pero bastante lejanos a las bandas mexicanas que mencioné arriba. Y es realmente irresistible la mezcla de idiomas que usan los muchachos. Meten inglés y castellano en iguales medidas. Y el resultado es una explosión de electrónica, dance, rap, rock… Todo en menos de 4 minutos.
Y mientras Niño Bomba se encargaba de que la banda siguiera en el radar, los chicos grabaron “Aqua Mosh”, con productores reconocidos, y en diferentes estudios (con el apoyo de la multinacional EMI). Y el pelotazo llegó con el último track del disco, el famoso Mr. P Mosh… Que tenía a los muchachos con una actriz impresentable, que hoy en día me hace acordar a la Tigresa del Oriente, por algún motivo. Y quizás el tema no sea lo más destacado del álbum, pero no podemos negar que es demasiado divertido. Ese “Yo soy tu infiernooo” es increíble. Ni hablar del “No respiro, soy de Fierro”…. Qué genios!!
Y lo que es cierto de la banda es que los videos siempre hacían que quisiéramos verlos. Por ejemplo, lo que fue el último corte (si mal no recuerdo) Monster Truck. El clip es muy cómico, con una competencia entre los dos integrantes, a bordo de, justamente, unos camiones monstruosos. Sin dudas, Monster Truckes de los mejores y más “duros” temas del álbum. Con guitarras pesadas y base agresiva… I can destroy all across my waaaaay… I’m a monster truck!…. He escuchado a muchos músicos decir que son muchas cosas, pero claramente el caso de ser un Monster Truck es único en el mundo!
Y honestamente no tengo mucho más decir… Sólo dejo una pregunta para los lectores mexicanos, que tal vez puedan ayudarme… Quiénes son Mauricio Garcés y Milton Pacheco?? Gracias!!
Súbanle todo, y siéntanse un camión monstruo!.

01 • Niño Bomba (3:43)
02 • Afroman (3:38)
03 • Ode to Mauricio Garcés (4:14)
04 • Banano’s Bar (5:48)
05 • Monster Truck (4:18)
06 • Encendedor (2:36)
07 • Bungaloo Punta Cometa (3:59)
08 • Aquamosh (3:56)
09 • I’ve Got That Milton Pacheco Kinda’ Feeling (Melancolic mix) (4:22)
10 • Pornoshop (3:31)
11 • Savage Sucker Boy (feat. Pocahontas Freaky Groove) (3:32)
12 • Mr. P. Mosh (4:21)



"Niño bomba"



Aprovechando el 20 aniversario de su debut, la gran web sopitas.com elaboró este reportaje que repasa la carrera de Plastilina Mosh.



20 años de Plastilina Mosh: la relevancia de su música que está de vuelta


Hablar de Plastilina Mosh no es cosa fácil, y es que tampoco es un tema meramente actual, de hecho puede que muchos de nuestros lectores conozcan muchas de sus canciones sin saber a detalle la historia detrás del proyecto, además de la relevancia de su música dentro de la escena nacional, misma que ellos ironizan y de la cual se burlan, ya que no es un proyecto en búsqueda de fama, sino de una autocomplaciencia que sólo ellos pueden moldear.
Fue a finales de los 90, específicamente en 1997, cuando Plastilina Mosh saltó a los medios de forma abrupta y muy interesante, destacando principalmente por mostrar una mezcla de géneros que a decir verdad nadie lo había intentado en México, o igual y sí, pero no de una forma tan natural y orgánica como Plastilina, quienes gracias a su singular humor lograron llegar a un reconocimiento inmediato.
El dúo aprovechó aquel movimiento de la época denominad  Avanzada Regia, de donde surgieron bandas como Zurdok, Jumbo, Volován, Genitallica, Control Machete, Cartel de Santa, Kinky, El Gran Silencio, etc… una innumerable cantidad de artistas regios que mostraron que no todo el ‘talento’ era proveniente del caótico -en ese entonces- Distrito Federal.
  
Plastilina Mosh fue una interesante unión de mundos que en ese entonces no podríamos haber congeniado. Por un lado Jonás tocaba en un grupo de thrash llamado Koervoz de Malta, mientras que Alejandro tenía una formación clásica donde se apegaba a su pasión por el jazz y la música clásica. De esta unión surgió Plastilina, proyecto que era -y sigue siendo- difícil de poder encasillar en un sólo género, por momentos hay mucho hip hop, por otros un poco de jazz, electrónica con crudas guitarras y baterías, pero eso sí, siempre bajo un hilo conductor de ‘vale-madrismo’ -buena onda- donde la única comitiva es disfrutar lo que suene, no complicarse en comprenderla, sino en bailarla.
Desde su primer lanzamiento Aquamosh (1998) la banda logró un reconocimiento a nivel internacional de inmediato, quizá fue el peculiar estilo, quizá porque en sus letras -mayormente en español- habían algunos coqueteos en inglés y hasta en portugués, o quizá -a lo que tiramos nosotros- es que verdaderamente era un sonido nuevo, proveniente de aquel México en el cual pocos artistas lograban publicar sus discos en España, Alemania, Francia, Estados Unidos, Canadá, Japón, Australia, China, Argentina, Colombia, etc; una lista que podríamos continuar pero que sólo recalca el grado de cuántos oídos necesitábamos de su música, o de cuántas fiestas los necesitaban para los momento cumbre.
Los videos irónicos de Plastilina fueron los favoritos en MTV –tanto la cadena estadounidense como la latina-, siempre pasaron sus videos y formaron parte de aquella cultura juvenil que aún prendía la televisión con una esperanza de escuchar algo bueno; o, ¿no se acuerdan del increíble video para “Mr. P. Mosh” donde salía la actriz Lyn May?, ver eso en los 90 era de lo mejor.

La personalidad de Plastilina Mosh siempre fue un rasgo característico, tanto en su música, en sus videos, como en la vida cotidiana de los integrantes, mismos que podíamos verlos en una entrevista seria en un momento y al otro haciendo babosadas con Adal Ramones, pero siempre mostrando un aura de ironía, donde pareciera que la banda no prestaba atención a los ratings, a la ‘popularidad’ que tanto se les atribuía y recalcaba; se burlaban en las entrevistas y en muchas ocasiones podían carcajearse de la nada porque sabían que le estaban tomando el pelo al pobre entrevistador, o en otras ocasiones sus verdaderas respuestas parecían ser bromas.
Musicalmente, en cada álbum Plastilina fue sorprendiendo por sus colaboraciones, de pronto sabíamos que estaban en Los Angeles trabajando con Money Mark, quien ha trabajado con Beastie Boys, The Dust Brothers y Butthole Surfers; así como Jason Roberts, productor de Cypress Hill, y Chris Allison productor de The Beta Band; entre algunos. La cosa es que los productores lograron percibir la originalidad de Plastilina, el cual moldearon para crear temas que se transformaron en inmediatos éxitos. En cada álbum hay una diferencia con lo que dejaron en claro que jamás se establecieron en un sólo estilo, o sea que no se casaron con una forma de componer, siempre experimentaron y buscaron cómo crear cosas verdaderamente nuevas, mismas intenciones que se vieron reflejadas en sus shows en vivo, donde empezaron como dúo y terminaron junto con toda una banda completa que te hacía vibrar hasta las uñas de los dedos.
En el 2008 la banda publicó su último álbum de estudio All U Need Is Mosh, en el cual no decepcionaron con su entrega habitual de uno o dos temas de éxito rotundo, pero que dio cabida a un repentino y abrupto receso el cual no esperábamos, de la nada la banda dio algunas presentaciones más y desapareció de todo terreno. Algunos creyeron que se les habían secado las ideas, otros que seguro se ‘mamonearon’, en fin… una gran cantidad de calumnias, pues ya saben… nos gusta andar de chismes sin realmente saber cuál fue el motivo, ellos simplemente dijeron que querían un receso y trabajar en sus proyectos en paralelo.
Fue en el 2014 que tuvimos una grata sorpresa… Plastilina Mosh estaba de regreso, después de año y medio de total ausencia, la banda regresaba a su oriunda tierra para tocar en el festival Pa’l Norte, el cual dio cobijo a miles de fanáticos empedernidos que más allá de extrañarlos, los necesitaban.
Desde entonces la banda realizó algunos shows muy selectos, pero nada tan en forma hasta que se anunciaron sus presentaciones en el Vive Latino  y festival Pa’l Norte, quienes los anotaron como headliners.
Nos llena de entusiasmo escucharlos en vivo, además de que tenemos curiosidad de ver cómo los ha tratado la vida en los últimos años, ya que eso indudablemente se permeará en su show.
Algo de lo que no cabe duda es que Plastilina Mosh hace música por el gusto de disfrutarla, jamás fue una banda pretenciosa o que se enfocó en la fama, siempre apuntó a no hartarse de si mismos, a no casarse ni quedarse en cierta zona de confort; un claro ejemplo -al menos a nuestro parecer- de cómo debería ser concebida y escuchada la música. Pero más allá de todo, Plastilina Mosh es el sonido de aquella época de nuestra inocente -y estúpida- juventud, porque no éramos los únicos incomprendidos o inadaptados, de hecho lo seguimos siendo en el fondo de nuestro ser, mismo que se ‘activa’ con la música de Plastilina. 

domingo, 19 de noviembre de 2017

Sonidos de América Latina - VOL 23 - MOLOTOV "¿donde jugarán las niñas?" (1997)


Dos entradas seguidas con bandas mexicanas y es que, tras Argentina, será el país más mencionado.
Y hoy con un clásico.
Lo primero que me gustó fue el título "DONDE JUGARAN LAS NIÑAS", con un doble significado.
El de la portada, con esa falda y camisa colegiala y las bragas por la rodilla que da un claro sentido a la palabra "jugar".
Y el otro significado, el írónico, el crítico, y es que quisieron burlarse un poco del disco "Donde jugarán los niños" de los Maná, también mexicanos.

Como odio un poquitín nada más, jeje, a Maná, ya me cayeron bien estos Molotov.

Este disco es una pura gozada, pero que casi me hacen cogerle un poco de asquito ya que el tema "Gimme tha power" sonaba a todas horas, pero por suerte no me hizo pasar de ellos y así pude disfrutar de su rap-rock enérgico y político.

Gran reportaje el que hoy os traigo de elportaldelmetal.com

Explosivo es el adjetivo adecuado para definir el debut de mis paisanos Molotov.
Vamos a situarnos en 1997, México sufría un acelerado proceso de democratización (que no se ha concretado del todo vale decirlo) y por primera vez en su historia se respiraba un ambiente favorable para la libertad de expresión, finalmente podíamos afirmar que nuestro gobierno apestaba sin riesgo de ser apaleados o incluso terminar tras las rejas, ese ambiente fue propicio para la aparición de un grupo deliciosamente irreverente como Molotov, quien estaba listo para escandalizar con su potente y divertida propuesta en un debut de ensueño titulado ¿Y donde jugaran las niñas?, lo anterior en franca parodia de un grupo de Rock Pop llamado Mana que titulo un disco con el nombre de ¿Y donde jugaran los niños?.
Pero no todo fue miel sobre hojuelas para esta banda, ya que las antiguas estructuras conservadoras de México no estaban dispuestas a dejar de joder (y lo siguen haciendo) a quien se atreviera a ser espontaneo y dijera lo que pensase sin miedo a la censura, en este caso las tiendas de discos prohibieron la venta del álbum en cuestión por sus atrevidas letras , y su sugestiva portada ( mas al rato hablare de ella ), obligando con ello a que la banda personalmente tuviera que vender sus discos en la calle en señal de protesta, logrando la hazaña de vender 3,000 discos en unas cuantas horas, ya no había marcha atrás señores, Molotov estaba en casa.
La explosividad de la propuesta de Molotov empezaba desde la portada del álbum, la más sugerente e irreverente que he visto en la vida, con esa colegiala sentada en el asiento de un coche con las bragas a la altura de las rodillas, después de haber hecho no se qué travesura (se los dejo a su imaginación), y esas piernas sin duda han pasado a la historia como las mejor torneadas en la portada de un álbum de Rock.
El sonido de este álbum es el lógico para un disco de ese año, mucho Rapcore, Hip Hop, Funk, Nu Metal y Rock Latino, mezclados con mucho desparpajo y cierta brillantez, pero hay un elemento que lo hizo especial y único en su especie: esa actitud provocadora mas no demasiado peligrosa del grupo: podíamos encontrar crítica social y cierta pose de “no te me acerques demasiado que te quemas”, pero todo en un plan de cachondeo, aquí no se trataba en realidad de tomar un palo para ir a enfrentar a la policía en defensa de una ideología, sino más bien de tomarse unas cervezas, echar desparpajo e irse de fiesta, finalmente es material hecho por mexicanos, y los mexicanos no nos tomamos demasiado en serio la vida ( cuando sucede eso regularmente tenemos una revolución).
Otra particularidad de esta banda es la de que todos los integrantes: o sea Tito Fuentes, Miky Huidobro, Randy Ebright y Paco Ayala participan en la labor vocal, en lo que parece una versión latina y alternativa de Kiss (tengo entendido que son fans de dicha banda), poniéndole cada uno de ellos su particular estilo tal como si se tratara de los ingredientes de una explosiva y picante ensalada mexicana, y también destaca la presencia de dos bajos a cargo de Miky y Paco respectivamente, lo cual dota al sonido de la banda de una potencia arrasadora, quitándole algo de protagonismo al trabajo de guitarra a cargo de Tito, pero tampoco significa esto que estemos frente a un disco de Rap o Hip Hop con guitarras de apoyo, aquí hay la suficiente dosis de Rock sin que me quede la menor duda de eso, finalmente la batería a cargo de Randy me parece orientada al Funk y Hip Hop.
Un inspirado mini solo de bajo nos da la bienvenida a ese bombazo Hardcore llamado Que no te haga bobo Jacobo, un tema endiabladamente rítmico, que desprende mucha furia y que de alguna manera evoca a los primeros Rage Against the Machine (claro sin Tom Morello), el tema va dedicado con mucha “delicadeza” a un conocido periodista mexicano que mas que profesional del periodismo fue vocero oficial del corrupto y opresor gobierno emanado del Partido Revolucionario Institucional (el cual gobernó durante más de 70 años el país), y por lo tanto cómplice de las masacres estudiantiles perpetradas en 1968 y 1971, así como de los múltiples fraudes electorales que originaran que dicho Partido Político se perpetuara en el Poder, sumamente simpático y original me parece el duelo de solos de bajo que acontece entre el minuto 2:35 y el 2:45, explosivo inicio sin lugar a dudas.
Molotov Cocktail Party es un tema descaradamente influenciado por el Hip Hop de principio de los 90’s, percibo cierta ramalazo a los Beastie Boys, las líneas vocales están interpretadas en ingles con ciertos modismos latinos, lo que lo acerca un poco al multicultural spanglish que es tan común en la zona fronteriza de México y USA, sin ser un apasionado del Hip Hop me parece un tema entretenido ya que tiene sus momentos de vena Rockera.
El Rock Latino se hace presente con Voto Latino, una proclama anti-racista en la que el grupo alegremente manifiesta su desprecio a los sectores más racistas del vecino país del norte, destaca la utilización de instrumentación habitual en la música folclórica latinoamericana como percusiones y marimba, sin olvidar uno que otro grito de mariachi, el estribillo es pegajoso y es de esos que invitan a ser cantados con sentimiento en un directo.
Llega el Molotov más irreverente con un tema que con su título lo dice todo: Chinga tu madre, lo cual es en México es el equivalente al anglicismo Fuck You, vamos a ser sinceros y no hay que perder la objetividad, este tema en su aspecto musical no es más que una sesión de jamming, pero aquí es donde vemos lo fuerte que puede ser en la propuesta de un grupo como Molotov esas líneas vocales tan acidas y provocadoras, con esa letra tan "linda" en la cual se le da a entender a una ex novia que mantenga cierta distancia.
Regresa la vena mas latina con el que quizás sea el mejor tema del disco, me refiero a Gimme tha Power, la valía de este tema radica en que sin ser complejo está revestido de una agradable musicalidad, ya que sin entrar en pugna con las líneas vocales hip hoperas podemos encontrar una interesante parte instrumental encabezada por sutiles rasgueos de guitarra acústica, sin olvidar que también se utilizan arpas con rasgueos muy característicos de la música regional mexicana y marimba, la letra retoma el aspecto más social de la banda, con una letra 100% anti-sistema, que refleja el desencanto de la sociedad mexicana con respecto a los que tienen el mando, el estribillo nuevamente es bastante ganchero, muchas veces cantado al calor de la fiesta y el exceso de alcohol en muchas reuniones de esa época.
Matate Tete es un tema más orientado al Nu Metal, recordándome por momentos a los primeros Korn y Deftones, lo anterior en virtud de la estructura de los riffs y el trabajo en la batería por parte de Randy, el cual me parece muy influenciado por “Abe” Cunningham de Deftones, con una letra que pretende ser agresiva pero que en lo particular me parece cómica.
Llega el momento más hilarante del álbum con Mas vale Cholo, el cual inicia una línea de bajo bastante burlona, que parodia a la predecible música Norteña Mexicana y a su grupo cliché Los Tigres del Norte, para después desembocar en un potente tema que circula entre el Hardcore y el Rapcore, y en el que se nos da la receta de cómo animar una fiesta hasta el grado de que termine esta en una lluvia de balazos, acertado me parece el cambio de ritmo a partir del minuto 4:00 en el que tema se acelera en un frenesí de esencia Punk.
Regresa de nuevo el Hip Hop con insospechada fuerza, cortesía de Use or lose it, un tema que me parece sublime, y en donde la banda demuestra su talento compositivo, quizás sea el tema más ambicioso del disco pero la banda lo lleva a muy buen puerto, y es que solo los invito a salirse un poco de criterios de valoración rockeros y metaleros, y se darán cuenta de que estamos ante un gran tema, de destacarse esa distorsionada pero elegante línea de bajo que comienza en el minuto 2:37 y que desemboca en un riff de guitarra sencillo pero ganchero como pocos en el minuto 2:47, en el que es sin duda el momento de mayor influencia Rockera en dicho tema, también el tema tiene marcadas influencias latinas a partir del minuto 3:30 en donde toman gran protagonismo los sonidos de trompeta y marimba , lo cual termina por redondear un tema lleno de imaginación como este.
Un extraño sonido que asocio al Rap pero que no puedo definir al no ser conocedor de esta rama musical, pero que detecto algo exagerado, en un aspecto claramente paródico (nadie ni nada se salva de estos irreverentes) da inicio al tema más controvertido y conocido de esta banda, me refiero sin duda a Puto, que con su provocadora frase “matarile al maricon” se gano la censura en algunos países, incluso generando en Alemania airadas protestas por parte de activistas de la causa gay cuando la banda visitó tierras germanas, solo me cabe decir al respecto que no hay que tomarse las cosas tan en serio ya que dicha letra maneja el termino puto en un sentido muy amplio y que va mas allá de la connotación gay, incuso me ha tocado ver gays brincando y cantando dicho tema, en el aspecto musical el tema tiene un sentido del ritmo endiablado y desquiciante, que invita a brincar y levantar el puño cerrado mientras se grita a todo pulmón Puto, tema perfecto para liberar la adrenalina sin lugar a dudas.
Por que no te haces para alla ... al mas alla es una sentida cancion de amor, llena de dulzura y buenos deseos dedicada a una ex-novia, es broma, estamos hablando de Molotov señores, asi que ya se imaginaran lo explicita y obscena que podria ser la letra de la cancion en comento, no es una cancion que recomendaria poner en un congreso pro femininista a riesgo de ser linchado por indignadas mujeres, con respecto al sonido del tema le encuentro cierta similitud al Limp Bizkit del Significant Other, extraño pues ese disco vió la luz hasta 1999, y el disco que se comenta es de 1997.
Cerdo es una mezcla de funk y música disco, la letra me parece algo estúpida y escatológica ya que es una burla a quien padezca de gula y mas que ser simpática cae en el mal gusto, pero en el aspecto instrumental esta interesante el tema y le aporta variedad a un disco ya de por si variado, quizás el tema más discreto del disco.
Si el inicio del álbum fue bombástico el final no se podía quedar atrás: un riff que pareciera salido de la guitarra de The Edge de U2 nos da la bienvenido al último tema de este álbum, nos referimos a Quítate que Ma’sturbas (perra arrabalera), este tema es una autentica salvajada Rapcore con una letra tan explícita sexualmente que haría enrojecer hasta a los Red Hot Chili Peppers más pervertidos (los del Blood Sugar Sex Magik por supuesto), quizás las damas y los feministas podrán odiar el acentuado carácter misógino de la canción, pero para mí está dedicada a una sola mujer y no a todo el género, en lo personal no justifico la misoginia (me parece aberrante) aunque tampoco soy de los que piensan que todas las mujeres son unas santas, existen damas ( a las que se les respeta) y otras que son unas pillas.
Después de esto les perdí la pista a los Molotov, no niego que sigan siendo originales y han sacado buenos discos, pero esa explosividad que es lo que más me atrajo en su momento quedo en el pasado, siendo ahora una banda más accesible y más orientada a otras coordenadas en las que yo no me muevo mucho, aunque en directo siguen siendo una aplanadora.
Un álbum original, irreverente, subversivo, potente, bien ejecutado dentro de su estilo, que no decae en ningún momento a nivel musical, y magníficamente producido no puede recibir menos de un 9 que en terminos Jalfordianos alacanza los 5 cuernos.



¿Dónde jugarán las niñas? es el primer álbum de estudio de la banda mexicana Molotov, la producción estuvo a cargo de Gustavo Santaolalla y Anibal Kerpel y fue publicado por la disquera Universal Music en julio de 1997. Obtuvo una nominación como «Mejor álbum de rock latino alternativo» en los premios Grammy Latino de 1998 y aunque fue un éxito internacional en ventas y críticas, también fue un disco muy controvertido por el contenido de sus letras y la imagen de su portada.

Historia[editar]

Molotov era ya una banda conocida en los bares de la Ciudad de México cuando un representante de Universal los escuchó mientras abrían un concierto de Illya Kuryaki and the Valderramas y de ahí surgió la propuesta para grabar un disco.2​ Así surge ¿Dónde jugarán las niñas? en julio de 1997, producido por Gustavo Santaolalla y Anibal Kerpel.3​ Su título es una parodia de ¿Dónde jugarán los niños? (1992),4​ el disco de Maná que a la vez tomó su nombre de la canción de Cat Stevens «Where will the children play» (1970).
El álbum originó grandes polémicas desde su lanzamiento por el contenido de sus letras y por la imagen de su portada,56​ que mostraba el cuerpo de una joven en uniforme escolar sentada en el asiento trasero de un automóvil con las pantaletas bajadas hasta las rodillas.2​ Muchos establecimientos se negaron a vender el álbum por estos motivos;7​ sin embargo, los integrantes de Molotov decidieron salir personalmente a vender sus discos en la calle; como ya eran conocidos, las ventas fueron un éxito y las tiendas se vieron obligadas a comercializarlo.5
Dos de las canciones consideradas emblemáticas, fueron también las más controversiales. La letra de «Gimme The Power» criticaba duramente a los políticos del Partido Revolucionario Institucional, que en ese entonces estaba en el poder en México. Otra de ellas, denominada «Puto», fue considerada un insulto por la comunidad homosexual.4
El disco obtuvo una nominación como «Mejor álbum de rock latino alternativo» en los premios Grammy Latino de 1998.6​ Además de recibir una crítica favorable en la revista Rolling Stone,3​ fue considerado como «uno de los mejores de 1998» por reconocidas publicaciones estadounidenses como The New York Times y Chicago Tribune.6​ En octubre de ese año, Molotov participa en el Surco Fest Concert en Buenos AiresArgentina, donde recibe un reconocimiento por vender más de 800 000 copias del álbum.6​ Por esas fechas recibió también diversos discos de oro y platino en reconocimiento por sus ventas en España, Chile y Estados Unidos,6​ así como en México, Argentina y Colombia.2

Lista de canciones[editar]

El álbum, cuya duración es de 44:38, está compuesto por 12 canciones.8
N.ºTítuloEscritor(es)Duración
1.«Que no te haga bobo Jacobo»Micky Huidobro3:23
2.«Molotov Cocktail Party»Randy Ebright3:34
3.«Voto latino»Tito Fuentes2:58
4.«Chinga tu madre»Micky Huidobro3:18
5.«Gimme The Power»Micky Huidobro4:10
6.«Mátate Teté»Micky Huidobro4:31
7.«Más vale cholo»Tito FuentesJay de la CuevaMicky Huidobro4:45
8.«Use It or Lose It»Randy Ebright, Juan Francisco Gónzalez4:22
9.«Puto»Tito Fuentes2:07
10.«¿Por qué no te haces para allá?... al más allá»Micky Huidobro4:47
11.«Cerdo»Tito Fuentes2:48
12.«Quítate que ma'sturbas (Perra arrabalera)»Micky Huidobro3:55

"gimme tha power"


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