Penúltima entrada, podría haber sido la última de la temporada. Se lo merecería por ser quizás el disco más comentado y estudiado de la historia, aunque no creo que el más escuchado, ya que todos os vais a los greatest hits de los fab four. Pero no quiero ser injusto con mis pasiones y el último capítulo se lo dejo a mis Planetas. Pero lo que si voy a hacer es estar calladito y darle al copia pega sin llegar a resultar pesado, porque ya les aseguro que la información sobre este disco es infinita, ya que no solo es historia de la música, sino HISTORIA en general. Que ustedes lo disfruten. Y les advierto que, aunque parezca lo contrario, no es un disco fácil. Por eso me encanta más aun y es uno de mis favoritos de The Beatles.
Sabía que wikipedia iba a haber hecho un gran trabajo sobre este disco.
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (español: "la banda de los corazones solitarios del sargento Pepper") el octavo álbum de estudio de la banda británica de rock, The Beatles.
Grabado en un periodo de 129 días y publicado el 1 de junio de 1967 en el Reino Unido y el 2 de junio del mismo año en Estados Unidos,1 es a menudo citado por la crítica como una de sus mejores obras y uno de los discos más influyentes de todos los tiempos.234 Continuando con la maduración artística de la banda vista en Revolver (1966),4 se alejó bastante del pop rock convencional de la época e incorporó elementos poco comunes y muy divergentes entre sí a su música, como baladas, música psicodélica, music hall, e influencias sinfónicas.56
Durante las sesiones de Sgt. Pepper's, la banda logró mejorar la calidad en la producción de su música, mientras que experimentaban con nuevas técnicas de grabación; entre ellas, la idea por parte del productor George Martin de incluir una orquesta.78 La portada del álbum, extensamente aclamada e imitada, representa el entierro de Los Beatles, al que asisten ellos mismos y gran cantidad de celebridades históricas; fue diseñada por los artistas Peter Blake y Jann Haworth, a partir de un dibujo de Paul McCartney.3
Pasó 27 semanas en la cima del UK Album Chart en el Reino Unido;9 y alcanzó el primer lugar del Billboard 200 de Estados Unidos, manteniéndose ahí durante 15 semanas.10
Fundamental en la escena emergente del rock psicodélico, e inmediatamente después de salir a la venta, se convirtió en una sensación popular, obteniendo cuatro Premios Grammy en 1968.10 Es uno de los álbumes más vendidos de la historia, con 32 millones de ventas estimadas;11 y también se ha convertido en el segundo álbum más vendido en la historia del Reino Unido.12 Innovador en muchos sentidos, desde su estructura hasta sus técnicas de grabación, fue agregado al Registro Nacional de la Grabación de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por ser «cultural, histórica, o estéticamente significativo».6nota 1
En 2003, Rolling Stone lo situó en el número 1 de su lista «500 Greatest Albums of All Time».13
En 1966, The Beatles estaban ya cansados de las giras y de la presión de la Beatlemanía. Durante la gira por Filipinas, el grupo fue invitado por la primera dama del país Imelda Marcos a un desayuno en el Palacio de Malacañan. La invitación fue rechazada cortésmente por el mánager del grupo Brian Epstein, debido a la política de The Beatles de no aceptar invitaciones presidenciales.14 Sin embargo, el régimen presidencial se ofendió bastante con este rechazo, por lo que el grupo tuvo que escapar del país en medio de disturbios.15
Sumado a eso, al empezar la gira por Estados Unidos a mediados de 1966, The Beatles fueron recibidos por organizaciones religiosas extremadamente molestas,16 provocadas por una declaración de Lennon en marzo,17 en la cual este opinaba que «The Beatles eran más populares que Jesucristo», mientras que la popularidad del cristianismo estaba decayendo.181920 El odio por The Beatles de parte de las sectas religiosas estadounidenses llegó hasta el punto de amenazar con dispararles y también quemando álbumes del grupo en las afueras de los estadios, tal como lo recordaría Lennon:
En la noche del concierto en algún lugar del sur (Memphis), alguien prendió un petardo mientras estábamos en concierto. Había amenazas de dispararnos, y el Ku Klux Klan estaba quemando nuestros álbumes afuera [...] Alguien había encendido un petardo y todos (los miembros del grupo) nos miramos [...] los unos a los otros, porque pensábamos que a alguno de nosotros nos habían disparado. Fue muy desagradable.21
Debido a los escándalos vividos, al finalizar la gira de 1966 en los Estados Unidos, en un 29 de agosto 1966, decidieron dar su último concierto oficial en el Candlestick Park en San Francisco.22 El distanciamiento entre el grupo y sus fanáticos aumentaba cada vez más,23 y Lennon comentaría:
Estamos hartos de hacer música ligera para gente ligera, y también estamos hartos de tocar para esa gente.24
Incluso Paul McCartney, quien anteriormente era el más entusiasta con la gira, decidió que «ya era suficiente».25
Después del retorno del grupo al Reino Unido, se originaron rumores que aseguraban que la banda había decidido separarse, aunque serían posteriormente desmentidos por Epstein.2627 Después de eso, los cuatro Beatles se tomaron unas vacaciones de casi dos meses, en las cuales cada miembro se embarcó en sus proyectos personales; en 1966 George Harrison viajó a la India por seis semanas para perfeccionar su forma de tocar con el sitar, bajo la tutela de Ravi Shankar;28 mientras que McCartney y George Martin colaboraron en la banda sonora de la película Luna de miel en familia.29nota 2 También en el mismo año, Lennon actuó en la película Cómo gané la Guerra en Almería, España, componiendo en ese lugar los primeros versos de «Strawberry Fields Forever».30 Además, asistió a varias galerías de arte; de hecho, en la Galería Indica de Londres, conocería a su futura esposa Yoko Ono.31 El baterista Ringo Starr usó las vacaciones para pasar más tiempo con su esposa y con su primer hijo Zak.28
En noviembre, durante el vuelo de retorno desde Estados Unidos hacia Londres junto con el roadie de la banda, Mal Evans, a McCartney se le ocurrió la idea de crear una banda ficticia que sustituyera a The Beatles, pero este la plasmaría en una canción.8 Meses más tarde esta canción inspiraría la idea conceptual de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.28 Después, cuando los cuatro miembros se juntaron en los estudios Abbey Road, fueron bastante claros con el productor George Martin:
Lennon: «Es muy simple. Estamos cansados de tocar en público. Pero esto nos da un nuevo comienzo, ¿no lo ves?».
McCartney: «No podemos estar tranquilos en escena por culpa de todos esos gritos. Tratamos de tocar canciones en directo [de Revolver], pero hay overdubs tan complicados que nunca lo pudimos hacer. Ahora podemos grabar lo que queramos, ya no nos importará que tan complicado sea. Queremos poner el listón muy alto, y hacer el mejor álbum que jamás hayamos hecho».
Lennon: «Lo que queremos decir, es que si dejamos las giras, podremos grabar música que no tendremos que interpretar en vivo, y eso significa que podemos crear algo de lo que nunca nadie ha oído hablar, un nuevo tipo de música con nuevos tipos de sonidos».24
Así que el 24 noviembre de 1966 se dispusieron a grabar la primera canción prevista para estar en el álbum, «Strawberry Fields Forever», aunque esto no fue así, ya que esta canción sería lanzada como sencillo.20
Cuando The Beatles habían dejado las giras en directo, Lennon ironizó con los hechos:
Envíen cuatro figuras de cera [...] eso satisfará a la gente,32
mientras que más tarde McCartney explicaría:
Estábamos cansados de ser los Beatles. Realmente odiábamos ese peinado mop-top inmaduro. Ya no eramos chicos, sino hombres [...] y nos veíamos a nosotros mismos como artistas y no como unos simples cantantes.33
A principios de febrero de 1967, a McCartney se le ocurriría la idea de grabar un álbum que representará el concierto de una banda ficticia,34 Este álter ego de The Beatles les daría la libertad para experimentar con su música hasta el límite.
McCartney también diría que:
Pensé, dejemos de ser nosotros. Creemos un álter ego [...] no íbamos a ser nosotros haciendo toda esa música, no íbamos a ser The Beatles, sería otra banda completamente diferente, así que fuimos capaces de perder nuestras identidades en esto.35
George Martin también opinaría sobre la banda ficticia:
El Sargento Pepper no apareció hasta que estábamos en mitad de la grabación del álbum.
Era solo una canción de Paul, nada del otro mundo [...] pero cuando la terminamos, Paul dijo, '¿Por qué no hacemos el álbum como si la Banda Pepper realmente existiera, y como si el Sargento Pepper estuviera haciendo el álbum?'.
Me encantó la idea, desde ese momento el Pepper tuvo vida propia.3637
Estéticamente, los cuatro Beatles también cambiaron de manera radical, adentrándose en el papel de la banda de Sgt. Pepper's. Se habían dejado crecer las patillas y el bigote, y sus peinados cambiaron, lo cual influyó ciertamente en la cultura hippie.25 Los clásicos trajes que usaban, fueron reemplazados por psicodélicos uniformes militares inspirados en la época eduardiana.3839 Según McCartney la banda fue nombrada así para «alterar nuestras identidades, liberarnos y divertirnos».38 Además, el nombre de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band está ligado a la tendencia estadounidense de ponerles «nombres largos» a sus grupos, como Quicksilver Messenger Service o Big Brother and the Holding Company.40 Por lo que sobre la base de la idea de McCartney de Sgt. Pepper's, The Beatles decidieron darle a su álter ego un «nombre largo».41
El álbum comienza con el sonido de una orquesta afinando sus instrumentos, para luego dar paso a la canción «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band», la cual presenta a la banda misma y a su líder ficticio Billy Shears (interpretado por Ringo Starr).
Inmediatamente después de terminar la canción de obertura, suenan voces coreando el nombre de Billy Shears, dando comienzo a la canción «With a Little Help from My Friends», cantada por el mismo líder, quien responde preguntas planteadas por su propia audiencia.43 Un reprise de la canción que le da el título al álbum aparece como la penúltima canción del álbum, idea también concebida por Aspinall, como una especie de canción de despedida.4445
Sin pausa alguna, comienza el llamado clímax del álbum, «A Day in the Life».46 Sin embargo, la banda abandonó el concepto original exceptuando las dos primeras canciones y al reprise de la primera, por lo que la trama del álbum se termina convirtiendo en una narración enmarcada.89 De hecho, el propio Lennon reconoció que las canciones que escribió para el álbum no tienen nada que ver con el concepto de Sgt. Pepper's, y señaló que ninguna de las otras canciones lo hicieron, diciendo que «cualquiera de las otras canciones [de Sgt. Pepper's] podrían estar en cualquier otro álbum».47 A pesar de las declaraciones de Lennon, el álbum ha sido ampliamente señalado como un temprano e innovador ejemplo de un álbum conceptual.48
Imagen del 2005 de los Abbey Road Studios (en 1967 aún llamados EMI Studios), usado para grabar buena parte de Sgt. Pepper's.
Las sesiones de Sgt. Pepper's comenzaron a finales de noviembre de 1966 con una serie de canciones que formarían un álbum temáticamente unido por las infancias de los cuatro Beatles, concepto ideado por Lennon. El resultado inicial de estas grabaciones se convertirían en «Strawberry Fields Forever», «When I'm Sixty-Four» y «Penny Lane». Una pieza grabada entre las tomas de «Penny Lane», es «Carnival of Light». Se trata de un collage sonoro vanguardista de catorce minutos de duración aproximados,49 lleno de samples e instrumentos distorsionados.50 nota 3 No obstante, «Strawberry Fields Forever» y «Penny Lane» serían lanzadas como un sencillo doble lado A en febrero de 1967, debido a que EMI estaba presionando a Martin para lanzar material nuevo.52 Una vez que el sencillo fue lanzado, el concepto que estaba siendo trabajado se abandonó en favor de la idea de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de McCartney,53 y siguiendo la práctica usual del grupo, el sencillo no fue incluido en el LP (decisión de la cual Martin posteriormente se lamentaría).54
La primera canción del álbum en ser grabada fue «When I'm Sixty-Four», un viejo tema de los tiempos del Cavern, el 16 de diciembre, aunque en un momento se tenía la intención de lanzarla como lado B de «Strawberry Fields Forever».55 El grupo no grabaría ninguna canción del álbum, hasta el 19 de enero de 1967, momento en el que se comenzó a grabar «A Day in the Life».56 La canción que le da el nombre al álbum, comenzó a ser grabada el 1 de febrero, terminándola ese mismo día. El 3 de febrero, el grupo volvió a trabajar en «A Day in the Life», en una sesión con duración similar a la del día anterior. Tanto McCartney como Starr regrabarían sus instrumentos, destacando que el desempeño en la batería de Starr en esta grabación sería posteriormente muy reconocido.57
Convencimos a Ringo para que tocara tom-toms [en «A Day in the Life»]. Es sensacional. A él normalmente no le gustaba tocar como baterista guía, por decirlo así, pero lo preparamos para que lo hiciera. Luego le dijimos 'Vamos, eres asombroso, esto sonará realmente bien', y en efecto, lo fue.
El estudio dos de los Abbey Road Studios, lugar en el que se grabaron la mayoría de las canciones del álbum.
La banda volvería a trabajar en el álbum el 8 de enero, en «Good Morning Good Morning», la primera composición de Lennon en ser grabada.59 En el día posterior, se grabaría otra canción nueva: «Fixing a Hole». Cabe destacar la particularidad de que esta sesión de grabación, fue la primera en hacerse en dependencias diferentes a los de Abbey Road Studios, siendo en esta ocasión reemplazados por los Regent Sound Studios.60 En el 10 de febrero ocurriría una de las sesiones más significativas, día en el que retomaron «A Day in the Life», y grabando en esta sesión, la orquesta que rellena los veinticuatro compases. El costo de esta sesión serían 364 libras esterlinas y 10 chelines, algo excesivo para la época61 (5640 libras esterlinas en el 2014).62 Por si fuera poca la extravagancia, el grupo le pidió a los miembros de la orquesta que vistieran algún disfraz junto a sus trajes formales.63 Martin recordaría: «Dejé el estudio a las una en punto y al volver encontré a uno de los músicos, David McCallum (el padre del actor del mismo nombre) usando una nariz de payaso; y a Erich Gruenberg, el violinista principal, usando una pata de gorila en su mano derecha. Todos estaban usando sombreros graciosos y sorpresas de fiestas. ¡Yo simplemente me senté y me puse a reír!».61
En el 13 y 14 de febrero, se graba «Only a Northern Song», una composición de Harrison. Sin embargo, el propio Harrison decidió dejarla de lado para grabar otra canción (aunque sería retomada igualmente el 20 de abril).nota 4 En el 17 y 20 de febrero, se grabaría la primera de varias sesiones de «Being for the Benefit of Mr. Kite!».64 Martin quería añadir calíopes y órganos de vapor, para darle a la canción un auténtico sonido de circo, sin embargo, ninguno de los instrumentos requeridos pudieron ser encontrados.65 Debido a esto, el grupo buscó cintas que fueran de utilidad en la biblioteca de EMI. De esta manera, se extrajeron cintas de algunos calíopes, fueron cortadas y ordenadas aleatóriamente, y finalmente fueron reunidas o puestas al reverso. Sin embargo, a pesar de que diecinueve fragmentos de sonido fueron unidos, no serían añadidos a la canción hasta varios días después.66
Para fines de febrero, se grabarían dos canciones nuevas, «Lovely Rita», y «Lucy in the Sky with Diamonds».67 Durante marzo, se grabaron las canciones «Getting Better», «She's Leaving Home», «Within You Without You», utilizando en esta última varios músicos indios. Además, otras canciones ya grabadas fueron pulidas, mientras que para finales del mes, se grabó «With a Little Help from My Friends». El reprise de la canción que abre el álbum, fue grabada en el 1 y 20 de abril en dos sesiones distintas, separadas por un pequeño descanso durante el cual McCartney viajó a los Estados Unidos.68 El álbum fue finalizado el 21 de abril, día en el que se grabó, en una sesión larga y desordenada, la broma que aparece al final del álbum.69 Geoff Emerick, ingeniero de sonido de EMI, estima que se ocuparon 700 horas en la grabación del LP, más de 30 veces que el tiempo ocupado en el primer álbum de los Beatles, Please Please Me.70 El costo final de la grabación fueron 25 000 libras esterlinas aproximadamente (más de 46 000 libras esterlinas de hoy en día).71
McCartney en 1976, tocando un bajoRickenbacker 4001, el cual fue utilizado en casi todo Sgt. Pepper's.
McCartney ha afirmado constantemente que la gran influencia en la realización —ya sea instrumental o técnica— de Sgt. Pepper's fue el álbum Pet Sounds de The Beach Boys.7273 Emerick observó que Pet Sounds era escuchado constantemente en el estudio de los Beatles por lo que él y los demás miembros de la producción pudieron captar el sonido que el grupo quería lograr.74 Además, llevó a McCartney a desarrollar un nuevo estilo de tocar el bajo, centrado en la melodía y no en el ritmo, estilo que prevalecería en muchas de sus grabaciones posteriores. George Martin también aseguraría que «sin Pet Sounds, Sgt. Pepper's no habría existido [...] Pepper fue un intento de igualar a Pet Sounds».75
Al ser los artistas más exitosos de EMI, y una de las bandas más populares de ese momento, The Beatles tenían un acceso casi ilimitado a la tecnología de los Abbey Road Studios.76 Todas las piezas de Sgt. Pepper's, junto a otras canciones serían grabadas y editadas en sonido monoaural y estereofónico, mediante una grabadora de cuatro pistas.8 Como en sus álbumes precedentes, Sgt. Pepper's se grabó haciendo uso de una técnica llamada «reducción de mezclas», en la cual las canciones se grababan en una grabadora de cuatro pistas, que luego se mezclaban para ser incluidas en una de las cuatro pistas de una segunda grabadora principal.77 Eso le permitió a los ingenieros de sonido darle más libertad al grupo para grabar sus cada vez más complejas canciones.78
Desde los días de Revolver, siempre se nos pedía hacer lo imposible, así que supimos que la palabra «no» no existía en el vocabulario de los Beatles.
Esta grabadora Studer J37 fue usada para registrar Sgt. Pepper's.
Una parte fundamental en el contexto técnico de Sgt. Pepper's es el abundante uso por parte de Martin y sus ingenieros del procesamiento de señales en la realización de las grabaciones, entre los cuales se pueden encontrar la compresión de sonido, reverberación, y limitadores de sonido.80 También fueron utilizadas varias e innovadoras técnicas de grabación, tales como direct injection (que consiste en conectar un instrumento directamente a una consola de grabación), y varispeed (utilizada para variar la velocidad de una grabación con el fin de modificar la altura).81 Una de las técnicas más importantes fue el automatic double tracking (ADT), el cual consiste en el doblaje simultáneo del sonido mediante un magnetófono. Fue creado en 1966 por uno de los ingenieros de sonido, Ken Townsend, a petición de los Beatles, especialmente de Lennon, quien detestaba tener que grabar dos veces su voz. El ADT se masificaría rápidamente en el mundo musical.82 Otra técnica usada en el álbum, es el llamado pitch shifting, y se trata de la grabación de distintas pistas con ligeros cambios de velocidades en una grabadora multipistas. Fue ampliamente usada en sus voces en ese periodo y se utilizaría en partes de las pistas rítmicas de las canciones de Sgt. Pepper's —como en «Lucy in the Sky with Diamonds», en donde la pista cambia de 49 ciclos por segundo a 45— dándoles un sonido más denso y difuso.83 También se usaron efectos modulares relativamente recientes, como voces e instrumentos ejecutados a través de un altavoz Leslie.84
El lanzamiento británico de Sgt. Pepper's fue el primer álbum pop sin los silencios característicos que separaban las canciones de las demás.85 Las canciones están prácticamente unidas entre sí, dando la impresión de una continua presentación en vivo.86 En el álbum se hace uso de varios instrumentos de teclado. McCartney toca un piano de cola en «A Day in the Life», y un órgano Lowrey en «Lucy in the Sky with Diamonds». Mientras que Martin toca un pianet (una clase de piano electromecánico) en «Getting Better», un clavecín en «Fixing a Hole» y un armonio en «Being for the Benefit of Mr. Kite!». En la misma última canción, Lennon hace lo suyo con un órgano Hammond.
El álbum destacaba tanto por su música, como por su concepto. La portada, diseñada por el artista pop Peter Blake, representa el entierro de Los Beatles. La imagen muestra en un primer plano la tumba de Los Beatles, y frente a ella ellos mismos y gran cantidad de celebridades históricas. Los Beatles aparecen dos veces: una, como figuras de cera, con su imagen inicial, caracterizada por el flequillo, llorando (John Lennon había dicho que para los recitales bastaba enviar cuatro figuras de cera de Los Beatles),87 y otra como integrantes de un grupo llamado Banda del Club de Corazones Solitarios del Sargento Pimienta (Sargent Pepper's Lonely Hearts Club Band). Las celebridades mundiales están incluidas mediante un gran collage que rodea a las dos imágenes de Los Beatles detrás de la tumba. A un costado, una muñeca lleva un swéter que dice "Bienvenidos los Rolling Stones".Artículo principal: Lista de imágenes en la portada de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
El 1 de junio de 1967, la banda británica The Beatles lanzaba su álbum Sgt. Pepper’s Lonely Heart Club Band. Este trabajo, además de cimentar su ya abultada popularidad a nivel mundial, llevó a su carrera y a todo el rock y el pop a otro nivel. Su proceso creativo, de producción y el resultado final están repletos de claves que marcaron la historia de la música.
1. Tardó 700 horas en grabarse
Los estudios Abbey Road de Londres fueron la base de operaciones del cuarteto inglés, que también trabajó en los Regent Sound Studios. La grabación concluyó el 21 de abril de 1967 después de más de 700 horas de labor en el estudio, con un coste aproximado de 25.000 libras esterlinas. Un esfuerzo que se vio recompensando pues, parapetados tras su banda ficticia, los Beatles experimentaron más que nunca, sin ataduras y con libertad total.
2. Los Beatles no querían más giras
En 1966, en el pico de su popularidad, la banda planeó para su siguiente álbum que no estaban dispuestos a hacer más giras. Todo eso, claro, después de la controversia creada al afirmar que eran “más populares que Jesús”. La opción de no tener que salir a presentar el disco en directo, les dio una mayor libertad artística para experimentar con arreglos e instrumentación.
4. Lucy in the Sky with Diamonds no trata sobre el LSD
Esta canción, que se volvió el himno del movimiento psicodélico de los 60, se interpretó como una alusión a la dietilamida de ácido lisérgico, mejor conocido como LSD. Sin embargo, John Lennonrefutó esta teoría y declaró que el nombre vino de un dibujo que su hijo Julian hizo en la escuela, al que llamó ‘Lucy, en el cielo con diamantes’.
5. La teoría de la muerte de McCartney
La portada interna del LP, que retrataba a la banda con la clásica indumentaria psicodélica, mostraba a Paul McCartney con un emblema con las letras OPP. Los creyentes de la teoría de conspiración sobre la muerte del bajista leyeron OPD (Officially Pronounced Dead, o declarado oficialmente muerto). El productor, Martin, afirma que el emblema fue regalo de un fan y significa Ontario Provincial Police.
6. El álbum que acabó con el rock
Críticos como Richard Goldstein y Lester Bangs destacaron de entre las innumerables reseñas positivas con fuertes críticas en torno a que el álbum se enfocó demasiado en aspectos de producción que rayaron en la pretensión y, con su influencia gracias a su apabullante popularidad a través de los años, haría que el rock perdiera su autenticidad. A medio siglo de su aparición, vale la pena analizar si esta observación es vigente.
7. Icónica portada
Surgió a partir de una idea de Paul McCartney, quien dibujó un boceto en el que los Beatles posaban como músicos callejeros con instrumentos de viento, rodeados de amigos delante de una pared con un póster de Brigitte Bardot y varios trofeos. A partir de ahí se desarrolló la idea de la banda municipal que se fotografía con su público imaginario, que terminó teniendo rostros tan icónicos como los de Edgar Allan Poe, Bob Dylan, Fred Astaire, Tony Curtis, William Burroughs, Marilyn Monroe, Karl Marx, Lawrence de Arabia, Marlon Brando, Oscar Wilde, Dr Livingstone, Johnny Weismuller, Marlene Dietrich o Shirley Temple. Aunque estaban en la lista inicial, se quedaron fuera Ghandi, Jesucristo y Hitler (por motivos obvios).
8. Varapalo de la crítica
Contra lo que pueda pensarse, Richard Goldstein, crítico del ‘New York Times’ en 1967, no se mostró e impresionado por el despliegue psicodélico del hoy legendario álbum. Recordamos sus palabras: “Aclamados como padres del pop de vanguardia, el grupo ha sido idolatrado como las personas más creativas de su generación. La presión para crear un álbum complejo, profundo e innovador debe de haber resultado abrumadora”, explicaba.
Algo de historia sobre su mítica portada en nacionrock.com
Hasta 1966, el mundo parecía concebir la relevancia de la música de una forma y, desde 1967, de otra. Con los años, ha sido fácil detectar cuáles fueron los elementos externos que entraron a la fórmula y fueron relegando elementos como las chicas gritando y la industria utilizando el fenómeno que provocaba una banda para subir sus ratings de televisión. Ahora había algo más en la evolución de quienes “llevaban” el carro de la victoria por esos días. Comenzaba a quedar atrás una etapa y The Beatles necesitaba otra conexión, aquella que los llevaría a querer sentirse más artistas, a querer influenciar tanto al rock como al arte.
Hasta entonces, las portadas de los discos eran como envoltorios para contener la música. Pero tras la aparición de “Sgt. Pepper’s lonely Hearts Club Band”, empezó una identificación de la música con la recubierta del disco, como si el arte se hubiera puesto a disposición de las canciones y, con el tiempo, se ha hecho imposible disociar ambos elementos.
El 31 de marzo de 1967, los Beatles posaron para la sesión fotográfica que completaría la portada del álbum más famoso de la historia, aquella en la que, deliberadamente, hubo una concepción de expresión artística. A pesar de la creencia popular de que John Lennon era el intelectual de la banda, el que se introdujo antes en círculos más vanguardistas fue Mc Cartney, y de ese interés surgió su amistad con el galerista Robert Fraser, quien fue el primero en conocer los deseos de Paul de concebir un “disco concepto”, cuyo mensaje también debía ser entregado, también, por la portada. Ahí comenzó todo.
Fraser y McCartney idearon el arte de “Sgt. Pepper’s lonely Hearts Club Band” como un homenaje a figuras indispensables para el siglo XX, al tiempo que pensaban en quién debía ser el artista que diera forma y color a la propuesta. El nombre escogido fue el de Peter Blake, quien se inspiró en las bandas del ejército de salvación que tocaban en los parques, por esos años. Blake logró que los de Liverpool se vistieran como ellos, con vistosos uniformes confeccionados por un sastre de Nashville. Para la sesión, se utilizaron fotos ampliadas y otras en siluetas. Posaron con la auténtica medalla del Imperio Británico y con un instrumento de viento, cada uno. A la izquierda, se aprecian las propias figuras de los Beatles del museo de Madame Tussauds, siendo este un claro contraste de la evolución del grupo, y también supone un autoreconocimiento como personajes fundamentales de la construcción de la cultura popular de los ‘60. El muñeco que está recostado, a la derecha, dice en su polera “Welcome the Rolling Stones”.
Para completar la imagen, se pidió a cada Beatle una lista de personajes. George apuntó varios gurús de India. John pidió a Marx, Aleister Crowley, Oscar Wilde y Poe. McCartney propuso a Stockhausen, Fred Astaire y William Burroughs. Los únicos cantantes seleccionados fueron Bob Dylan y Dion. La leyenda señala que algunos personajes propuestos por Lennon fueron vetados, entre ellos, Hitler y Jesús. La abundancia de artistas visuales se debe a que quedó espacio para “rellenar” y fueron los propios autores de la foto (Blake, Haworth y Fraser) los que añadieron a sus favoritos. Por esto mismo, muchos críticos de arte han resuelto que la verdadera inspiración de la portada fueron cuadros, como “Las Meninas”, de Velázquez, o “La ronda de noche”, de Rembrandt.
La portada recibiría un Grammy y generaría un impacto tan global como las canciones que contenía el álbum. En 1968, ya era parodiada por Frank Zappa y Mothers of Invention. De ahí, ha sido interminable el desfile de collages, estudios, colecciones y variaciones que se han hecho sobre este arte, el que es muestra genuina del estado de inmensa creatividad por el que atravesaba la banda y de cómo se la jugaron por su nicho en la historia. La influencia de “Sgt. Pepper’s lonely Hearts Club Band” como concepto musical es invaluable y, como portada, es eterna. Por Macarena Polanco G.
Y para finalizar, este gran trabajo sacado del huffington post, pero extraído a su vez de EL QUINTO BEATLE.
1 de junio de 1967: el día que Los Beatles revolucionaron el 'rock'
El disco 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band', octavo de la banda de Liverpool, cumple 50 años.
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band no es un álbum cualquiera. Este octavo trabajo discográfico de Los Beatles es EL álbum. La obra maestra del famoso conjunto británico y una de las más importantes e influyentes de la historia de la música y del rock. Publicaciones musicales como Rolling Stone o Pitchfork lo han calificado como el "mejor álbum de todos los tiempos".
Es difícil imaginar la relevancia tan enorme que un disco de música pudo tener para este arte, la sociedad y la cultura desde nuestra perspectiva actual, pero su concepción vino a definir una época y a cambiar el devenir de la música popular. Sgt. Pepper es el paradigma del rock, y así se ha mantenido desde su edición, a través de las décadas, hasta nuestros días. Veamos por qué.
HACIA UN NUEVO PARADIGMA MUSICAL
"Creo que podríamos enviar cuatro muñecos de cera de nosotros mismos y eso satisfaría a las multitudes. Los conciertos de Los Beatles ya no tienen nada que ver con la música, ya que son sólo sangrientos ritos tribales".
Así de categórico se mostraba John Lennon en el verano de 1966. Además de en lo musical, el cuarteto de Liverpool se convirtió en el fenómeno social más grande de su época. Su presencia provocaba en sus fans genuinas reacciones histéricas que, en sus presentaciones en vivo, se traducían en gritos ensordecedores que anulaban cualquier posibilidad de disfrute musical. El propio grupo no se podía escuchar a sí mismo y tampoco necesitaban esmerarse en exceso para complacer a un público cuya mera visión del conjunto era suficiente para sentirse dichoso, más allá de disfrutar de la música, razón de ser de su éxito. Una paradoja que tuvo su punto de inflexión el 15 de agosto de 1965 en el Shea Stadium de Nueva York, donde actuaron ante más de 55.000 espectadores. Se daba el pistoletazo de salida a los grandes conciertos de rock.
Ellos mismos reconocían que cada vez tocaban peor. Lejos quedabanaquellas actuaciones en Hamburgo que un lustro antes los habían convertido en un grupo especialmente solvente y compactado, polivalente en lo musical y con una más que remarcable habilidad instrumental. Competencias que, sin embargo, seguían desarrollando en el estudio. A finales de 1965 lanzan Rubber Soul, que marca un antes y un después en la carrera de Los Beatles.
Este sexto disco amplía sus horizontes musicales e ideológicos: incorporan nuevos instrumentos, exploran nuevos sonidos, juegan con nuevas técnicas de grabación y el amor ingenuo deja de ser el centro de su obra. Comienzan a experimentar y su música va mudando de la composición pop a piezas de arte. Así se define Revolver, su siguiente álbum, donde, ante un incipiente movimiento psicodélico e influidos por el LSD, dan rienda suelta a su creatividad, investigan todas las posibilidades que les ofrece el estudio y se desligan del concepto de banda pop dedicada a complacer a las masas. Su tremendo éxito les había dado una libertad expresiva que los situaban a la vanguardia musical del momento y, por ende, la posibilidad de ensanchar, con cada nuevo trabajo, los límites del pop.
Sin descanso, seguían de gira a un ritmo agotador. Irónicamente, tenían que continuar interpretando su repertorio más convencional ante la imposibilidad de reproducir en directo muchas de las nuevas canciones registradas en el estudio, apenas tenían tiempo para ensayar y la fama les mostraba su cara menos amable. Encontraron dificultades para tocar en el Nippon Budokan de Japón, lo que los nativos consideraban una afrenta a sus costumbres por ser un lugar sagrado destinado a la práctica de las artes marciales. Entre opresivas medidas de seguridad, el público se reveló inusitadamente respetuoso con la actuación del conjunto, lo que dejó ver una interpretación precaria que sacó los colores a los cuatro fabulosos.
Asimismo, tendrían problemas en Manila ante el rechazo por parte del grupo, dado su cansancio, de asistir a la recepción que la Primera Dama de Filipinas había organizado, decisión que las autoridades tomaron como un desplante y una deshonra para el país. Por su parte, las archiconocidas declaraciones de Lennon respecto a su fama ("Ahora mismo somos más populares que Jesucristo") les hace perder popularidad en Estados Unidos, donde no fueron bien recibidos en su tercera gira por el país.
Todo esto hace que nos encontremos ante un cúmulo de circunstancias que les llevó a tomar la decisión de dejar las giras, poniendo fin a las mismas con la actuación del 29 de agosto de 1966 en el Candlestick Park de San Francisco.
Rubber Soul había inspirado a Brian Wilson, líder de Los Beach Boys, en lo que él vio como un disco coherente en el aspecto sonoro. Es entonces cuando Wilson decide abandonar las giras para encerrarse en el estudio con el firme propósito de crear su obra más ambiciosa hasta la fecha.
Pet Sounds era una colección de canciones con sentido global que abría el universo musical al pop barroco. Inspirado por el muro de sonido que popularizó el productor Phil Spector, Wilson haría uso de suntuosas orquestaciones y diversos sonidos pregrabados para presentar lo que él llamó "sinfonías de bolsillo". Era un disco ambicioso y complejo, experimental y artístico, en el que dejaba atrás los coches, las chicas y la playa para enfrentar la vida adulta. La cultura pop, tal y como se definía a principios de los sesenta llegaba a su fin y la contracultura estaba a la vuelta de la esquina.
Mientras la industria discográfica trabajaba en crear productos de consumo rápido y de fácil rentabilidad (música chicle), surgía una escena con pretensiones artísticas que se desligaba de la industria del entretenimiento para labrarse una reputación sociocultural como creadores de arte, aportando seriedad a un proyecto musical que aspiraba a equipararse en consideración con la música que salía desde la academia y dispuesto a derribar las barreras que encorsetaban la música popular.
Era una época colorida y optimista en la que las posibilidades se antojaban ilimitadas. El LSD expandía la creatividad de las mentes creadoras, los estudios de grabación revelaban nuevas posibilidades y Paul McCartney pensaba en crear su 'Freak Out!'
Si Brian Wilson trabajaba con grandes orquestaciones en Pet Sounds y Los Beatles jugaban con cintas puestas al revés e instrumentos indios, Bob Dylanlanzaba Blonde on Blonde, el primer álbum doble de la historia del rock. La banda californiana The Mothers of Invention hacía lo propio con Freak Out!, un álbum conceptual definido por la ironía con la que Frank Zappa habla sobre la cultura pop norteamericana y cuyo segundo disco impregna de música vanguardista; mientras The Who planteaban la suite de nueve minutos A Quick One While He's Away como precedente de sus posteriores óperas rock.
Era una época colorida y optimista en la que las posibilidades se antojaban ilimitadas. El LSD expandía la creatividad de las mentes creadoras, los estudios de grabación revelaban nuevas posibilidades y Paul McCartney, entusiasmado ante la genialidad de Pet Sounds, pensaba en crear su Freak Out!.
En este contexto, con Los Beatles cansados de ser ellos mismos e integrados en el movimiento hippie que exportaba San Francisco, el bajista del grupo decide concebir un álbum conceptual que versaría sobre la infancia de los cuatro integrantes en su Liverpool natal, pero creando un universo musical que girara en torno al Sargento Pimienta y la banda de los corazones solitarios. Una forma de explorar todas las posibilidades líricas, estilísticas y sonoras que fueran capaces de concebir sin estar condicionados por la presión que suponía su condición de líderes del pop.
Ahora ellos se integraban, como otros tantos jóvenes y bandas del momento, en un movimiento juvenil contracultural cuyo espíritu capturarían en el que hoy es considerado como uno de los álbumes más importantes e influyentes de todos los tiempos. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band fue publicado el 1 de junio de 1967 y, aunque las premisas de las que partía quedaron diluidas, Los Beatles se situaban a la cabeza de la revolución cultural con una obra maestra de enorme impacto social, histórico y musical que anticipaba el "verano del amor" y recogía su espíritu de libertad, experimentación, creatividad e innovación.
LA MÚSICA ROCK SE INSTUYE COMO ARTE
El lanzamiento del Sgt. Pepper fue un acontecimiento de primer orden en la época. Revolver, el verdadero cenit creativo para muchos, aventuraba un cambio de dirección, había dejado las expectativas extraordinariamente altas y el estreno del nuevo álbum en la radio FM estadounidense se tornó en un acontecimiento casi tan esperado como tres años atrás lo había sido su aparición en el programa televisivo The Ed Sullivan Show.
En el libro Revolución en la mente, Ian MacDonald cuenta que las emisoras estadounidenses suspendieron su programación habitual para pinchar, durante varios días, sólo canciones del cuarteto británico. A este respecto, en el prefacio del enciclopédico Todo sobre Los Beatles. La historia de cada una de sus 211 canciones, la cantante Patti Smith relata: "En la víspera del 1 de junio de 1967, mi amiga Janet Hamill y yo acampamos en la despensa de mi casa con un transistor y esperamos febrilmente la llegada de la medianoche, momento en el que Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, el nuevo álbum de Los Beatles, iba a estrenarse en todas las emisoras locales de la FM de Estados Unidos". Y continúa: "Era un momento de comunión para la gente de nuestra generación y nos incorporamos a la mente colectiva mientras escuchábamos, transfiguradas".
Sin perder su genuino saber hacer melódico, Los Beatles habían concebido un álbum ecléctico, complejo, experimental y vanguardista que rompía cualquier barrera que limitara la posibilidades expresivas del 'rock'.
Sin perder su genuino saber hacer melódico, Los Beatles habían concebido un álbum ecléctico, complejo, experimental y vanguardista que rompía cualquier barrera que limitara la posibilidades expresivas del rock. A lo largo de 13 temas escuchamos desde music hall y música india a la música contemporánea que salía desde la academia, aunque sin sobrepasar los márgenes de lo digerible para el gran público.
Habían explorado todos los medios técnicos que les ofrecía el estudio de grabación. Este ya no era un espacio en el que registrar la música, sino un laboratorio tecnológico con el que lograr nuevas formas de expresión musical. Ahora era un instrumento en sí mismo. El avance de la tecnología facilitaba dicho propósito, pero más importante se reveló la inventiva y las soluciones creativas a los 'problemas' e ideas que se iban presentando. Seguramente Being for the Benefit of Mr. Kite! sea una de las composiciones que mejor ejemplifica lo apuntado anteriormente.
Lennon escribió esta canción a partir de un cartel publicitario de 1843 que informaba sobre la próxima celebración de un espectáculo circense. El músico pidió a George Martin que ideara la manera de reproducir el ambiente del circo en la canción, para lo que el productor recuperaría viejas cintas que tenían grabada la sonoridad de antiguos órganos de vapor y que estaban conservadas en los archivos de Abbey Road. Jugando con la idea de aleatoriedad que desde la academia habían empleado compositores como John Cage, Karlheinz Stockhausen o Pierre Boulez, tanto para concebir como para interpretar sus obras, George Martin trocearía las cintas, las lanzaría al aire y las montaría según las iba recogiendo.
Otro ejemplo de esta creatividad lo podemos encontrar en la maravillosa y sempiterna A Day In The Life, donde dos composiciones completamente diferenciadas, creadas por John Lennon y Paul McCartney, se yuxtaponen y enlazan jugando con una gran orquesta, la aleatoriedad y la disonancia.
Martin pediría a los músicos que empezaran a tocar desde la nota más baja de su instrumento para subir en la escala musical de forma progresiva hasta alcanzar la nota más alta a la que pudieran llegar, partiendo de la más absoluta libertad e independencia en la interpretación. ¿El resultado? una pieza magistral y sobrecogedora que se erige, junto con Strawberry Fields Forever, en uno de los temas más exquisitos y aplaudidos de los concebidos por el cuarteto fabuloso.
A parte de efectos de cinta y arreglos orquestales, Los Beatles integraron multitud de instrumentos que impregnaban de color el álbum. Desde diferentes artefactos de tecla como el clave, el armonio, el órgano o el mellotrón hasta campanas tubulares (When I'm Sixty-Four), peines envueltos en papel higiénico (Lovely Rita) e instrumentos indios como el arpa india, la dilruba, el tabla y la tambura, que estuvieron a cargo de los músicos del Asian Music Circle (Within You Without You). Sin olvidarnos de los instrumentos viento, entre los que se cuentan diferentes tipos de armónicas, clarinetes, saxofones, trombones, trompas, etc. (Good Morning Good Morning).
Grabar el álbum no fue nada fácil. El equipamiento de los estudios Abbey Road se le quedaba pequeño a Los Beatles. Aunque pueda parecer lo contrario, EMI no era una compañía discográfica que invirtiera demasiado en tecnología.
Grabar un álbum de estas características no fue nada fácil. El equipamiento de los estudios Abbey Road se le quedaba pequeño a Los Beatles. Aunque pueda parecer lo contrario, EMI no era una compañía discográfica que invirtiera demasiado en tecnología, pero George Martin y el ingeniero de sonido Geoff Emerick se las arreglaron para suplir cualquier carencia técnica que dificultara el avance de la grabación.
Para que nos hagamos una idea de lo que supuso la creación del disco que nos ocupa y alcanzar a concebirlo como un prodigio tecnológico, es preciso señalar que en la época se grababa con máquinas de cuatro pistas y aunque existían las de ocho, no era una herramienta disponible en Abbey Road. Hasta entonces, por poner un ejemplo, en una pista se podía grabar la batería y el bajo, en otra la guitarra rítmica, en una tercera la guitarra solista y en la subsiguiente, los coros.
Para integrar nuevos elementos que enriquecieran la composición había que dejar una cinta libre, de manera que una grabación se podía volcar en otra para superponer los sonidos, con la consecuente pérdida de calidad, y así poder borrar la cinta y ser reutilizada para ser volcada nuevamente. Imaginemos ese proceso con dos grabadoras de cuatro pistas (ocho al fin y al cabo) y la abrumadora cantidad de instrumentos y efectos reseñados anteriormente. Amén de otros tantos trucos para jugar con el sonido que venían utilizando en álbumes precedentes como grabar con la cinta a una velocidad reducida para, más tarde, reproducirla a una velocidad normal y elevar el tono, y viceversa. Por lo que no es extraño que la grabación se extendiera durante 129 días. 700 horas en total frente a las 300 que fueron precisas para Revolver y las poco más de doce horas que duró la grabación de Please Please Me, su primer álbum.
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band presentó al público una obra majestuosa imposible de llevar al directo en aquel momento. Este octavo trabajo discográfico era un objeto autónomo en sí mismo, sin más razón de ser que la de la propia idea de álbum. Hasta esa fecha, salvo contadas excepciones, las bandas podían reproducir sus discos en sus presentaciones en vivo, de la misma manera que los discos pretendían ser un reflejo del directo de los grupos.
'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band' era un objeto autónomo en sí mismo, sin más razón de ser que la de la propia idea de álbum.
Estas dos afirmaciones, aunque aparentemente iguales, no lo son, puesto que no siempre una banda conseguía reproducir en sus discos su sonido en directo. Piénsese en las grabaciones de los conciertos que los fans de Grateful Dead empezaron a registrar desde 1965 ante la imposibilidad de la banda por plastificar la fuerza e inventiva que derrochaban sobre el escenario. Esa autonomía con la que ahora contaba el álbum, en cuanto que objeto artístico, hacía del disco el legítimo medio de expresión del rock. Y no en cualquier formato. El LP tomaba el relevo al single. El álbum ya no era una mera colección de canciones desprovistas de la importancia que la industria confería al comercial single. Ahora existía un concepto alrededor del cual giraba todo proyecto musical que se preciase.
Sgt. Pepper no era un trabajo del todo conceptual. Aunque a priori se muestra como la grabación de un concierto de la banda del Sargento Pimienta en la que podemos escuchar cómo se afinan los instrumentos al inicio de la primera canción y cómo el público la celebra con aplausos y vítores enlatados, más allá del siguiente corte (With A Little Help With My Friend) y el reprise del primer tema que anticipa la última canción y el final del concierto, este proyecto es una colección más de canciones, algo que John Lennon siempre sostuvo: "Mis aportaciones al álbum no tienen absolutamente nada que ver con la idea del Sgt. Pepper y su grupo [...] Cada canción podría haber figurado en otro álbum".
No obstante, al margen de lo musical, lo que realmente definía el proyecto eran las fotos de Los Beatles uniformados con trajes de banda militar del siglo XIX, la impresión de las letras en la parte de atrás de la carpeta (siendo el primer álbum en el que aparecen), un juego de cartón recortable con bigotes y elementos de la imaginería militar y, por supuesto, su icónica portada.
Como la música, la carátula fue una de las creaciones más ambiciosas del momento. A partir de una idea de Paul McCartney, y por mediación del galerista Robert Fraser, Peter Blake y Jann Haworth, su mujer, concibieron la idea de rodear al grupo de personajes relevantes de la historia en cualquiera de sus ámbitos.
SGT PEPPERS
Los artistas plásticos pidieron al grupo que realizaran una lista con las personalidades más importantes para ellos, una tarea que Ringo delegó en el resto de sus compañeros y que los propios Blake y Haworth tuvieron que completar. El famoso collage tuvo una repercusión extraordinaria, siendo innumerables las recreaciones que hasta hoy se han hecho de aquella foto. En 1968, apenas unos meses después de su presentación al mundo, The Mothers of Invention la parodiaban en We're Only in It for the Money, su tercer álbum de estudio.
Como hemos apuntado, Sgt. Pepper no fue un álbum conceptual al uso, pero Los Beatles habían llevado esta idea más lejos de lo que nadie lo había hecho hasta la fecha. El grupo seguía marcando el paso de los nuevos tiempos, tenían legiones de seguidores y su registro no tardó en convertirse en el modelo que inspiraría a otras muchas bandas para concebir sus propios álbumes conceptuales. Sus particularidades y enorme influencia fueron las que llevaron a considerar a este álbum no sólo como un trabajo unificado, sino, erróneamente, como el primero de la historia del rock.
Junto con Freak Out!, de The Mothers of Invention, este elepé supuso el germen de las ambiciosas obras que en los setenta caracterizarían al rockprogresivo. Desde entonces, cualquier aspiración conceptual cuidaba los detalles a fondo: las canciones giraban en torno a una idea, se ponía especial atención al orden de las mismas e incluso la cubierta formaba parte de un todo unificado que ayudaba a entender la intención del artista.
Este álbum es en gran medida responsable de las distinciones que a día de hoy hacemos entre pop y 'rock'.
Asimismo, este álbum es en gran medida responsable de las distinciones que a día de hoy hacemos entre pop y rock. Los Beatles habían dejado atrás un pasado determinado por canciones convencionales e inocuas (aunque no por ello desprovistas de calidad), de marcado carácter comercial, para mutar en un grupo serio y comprometido con la contracultura y el rock entendido como movimiento underground que tenía cosas importantes que decir, al que ahora, dada la fama del conjunto, daban visibilidad y llevaban a un espacio verdaderamente popular.
La música rock llegaba al gran público y se revelaba como un género con pretensiones artísticas que en los sesenta se hizo un hueco en la radio FM, donde también sonaban grupos como Grateful Dead, Cream y más tarde Led Zeppelin. Por tanto, el rock se definía por oposición a la trivialidad de las sencillas canciones pop, carente de toda ambición y autenticidad, la cual era concebida para el mero entretenimiento de las masas y difundida a través de la radio AM. De igual manera, los singles quedaban dispuestos para los adolescentes poperos, mientras los álbumes eran el producto musical que consumían los que realmente eran aficionados al rock.
Este álbum también jugó un papel de enorme relevancia en la difusión de la psicodelia. Este movimiento, famoso por su estética hippie, se había iniciado en 1966 en San Francisco, desde donde había saltando rápidamente a Londres, aunque no dejaba de ser un fenómeno underground.
Que Los Beatles se mostraran abiertamente comprometidos con la contracultura suponía hacer explícito su consumo de estupefacientes y su intención de adscribirse a un nuevo plano cultural.
El LSD formaba parte de la idea de contracultura. La música mejoraba las sensaciones del viaje lisérgico, y muchos artistas usaron el ácido para componer e intentar acercar al público esa experiencia sin necesidad de tomar drogas. La idea de que la propia música te lleva en un viaje hizo de esta algo conceptual, más ambiciosa, seria y extensa. Y que Los Beatles se mostraran abiertamente comprometidos con la contracultura suponía hacer explícito su consumo de estupefacientes y su intención de adscribirse a un nuevo plano cultural.
Ya no eran los chicos buenos del pop, la alternativa a Los Rolling Stones que habían vendido los medios. Ahora eran artistas y lo manifestaban a través de una obra que llevaba la psicodelia al mainstream, expandía y definía el movimiento hippie y volatilizaba los límites creativos y comerciales del rock.
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de la historia, alcanzó el número 1 en las listas británicas y estadounidenses durante 27 y 15 semanas, respectivamente; e incluso fue galardonado con cuatro Premios Grammy en 1968.
El álbum causó tal impacto entre la idealista comunidad hippie y así lo recoge la Historia del Rock, que Diego A. Manrique coordinó en 1986: "David Crosby se asombra públicamente de que tal alarde de belleza y audacia no sea capaz de detener la guerra de Vietnam". Fueros muchos los grupos que se pusieron rápidamente a la estela de Los Beatles y su Sgt. Pepper. E
ste LP había redefinido la música rock y no tardó en convertirse en el disco de cabecera de genios como Pete Townshend o Roger Waters. E incluso sus canciones llegaron a trascender el ámbito musical para llegar al científico. Es curioso mencionar, como anécdota, que el 24 de noviembre de 1974, mientras Lucy in the Sky with Diamonds sonaba en la radio, el paleontólogo Donald Johanson descubría en Etiopía el esqueleto de Lucy, la famosa Australopithecus Afarensis así bautizada a raíz de esta singular coincidencia.
ROSENDO "FLOJOS DE PANTALÓN" incluido en el disco "Jugar al Gúa" El gran Rosendo Mercado nunca entrará en mi lista de mis 15-20 artistas preferidos, lo reconozco, pero siempre tendrá mi respeto. Primero con esa genialidad que fue LEÑO, consumidos por la industria al no querer subirse al carro comercial que les proponian, pero que dejaron 4 discos impresionantes. Y luego en solitario, ya no se ni por que número de disco va. Pero en casi todos los discos le pasa que hay 3-4 canciones inolvidables, de esas que se te van quedando dentro, pero mete 5-6 que pasan del aprobado muy justito. Asi que lo ideal es tener un gran recopilatorio de 20-25 canciones de este genial compositor y agarrarse a él. En esta ocasión, me apetecía hablar de FLOJOS DE PANTALON , es una de sus mejores canciones, aunque no de las más conocidas como Maneras de Vivir, Agradecido, Sorprendente, De que vas.... Las letras de Rosendo siempre buscan dobles sentidos, mensajes ocultos, historias que parec...
Sencilla, pero atractiva. No, no estoy hablando de una chica que he visto por la calle y me ha gustado. Les hablo de la portada del octavo disco de los sinfónicos/progresivos/psicodélicos,..... PINK FLOYD. "The Dark side of The Moon", publicado en 1973 y reeditado en alguna que otra ocasión. La más cercana, a finales de 2011. Siempre me han gustado las portadas de este grupo, ya que te hacen detenerte un rato frente a la portada, y eso no es fácil. Poco se puede decir más de Pink Floyd, (Syd Barret, David Gilmour, Roger Waters....) ya que posiblemente estén entre los 10 mejores grupos de la historia. A continuación les añado toda una serie de imitaciones de tan mítica portada. Curiosas en todo caso e imaginativas. Datos extraidos de Wikipedia sobre el disco: The Dark Side of the Moon (titulado en la edición de disco compacto de 1993 como Dark Side of the Moon; en español : El lado oscuro de la luna) es un álbum conceptual y el octavo de estudio de la banda británica de roc...
Son preciosos nuestros besos aunque nadie puede verlos (Iván Ferreiro) Que decir de esta frase y de la de la imagen. Ambas son de "SPNB". Posiblemente la canción de la historia más bonita sobre un amor prohibido, a escondidas. Poniéndonos románticos sería una relación prohibida al estilo de Romeo y Julieta o gitana con payo, etc, etc.. Y es que no hay barreras que puedan detener el amor. Pero también puede ser (y posiblemente lo sea) un romance fugaz, una infidelidad por parte de uno o de los dos, con ese volver a sentir mariposas en el estómago que te hacen cometer locuras olvidadas. Sea como sea, el Sr. Ferreiro en su disco de debut "Canciones para el tiempo y la distancia" se encontró más que inspirado con este tema y como no, con "Turnedo", pero eso será otro día. SPNB, no hay que decir más. --- Quiero llegar a conocerte pero por hoy es suficiente con hablar de amor, poder bailar, dejarnos llevar (Iván Ferreiro) --- Solo una vez voy a de...
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Redacción M80 Radio 01/06/2018, a las 11:16
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