miércoles, 31 de julio de 2013

miportadademisemana - LA POLLA RECORDS y SINIESTRO TOTAL (buscando en el baúl de los recuerdos)

Ya llega agosto, ya llega el momento de descansar, de vacaciones, de parar el blog hasta septiembre y el verano siempre es una época en la que es fácil echar la vista atrás y recordar como eran tus veranos hace 20 años con 20 años (no es un juego de palabras, es coincidencia).


Un chico joven con unos gustos musicales distintos a los de sus amigos del pueblo donde veraneaba, veranos que no cambia por nada.
Eran tiempos de inicio de vida universitaria y de rock en mis venas, rock simple pero efectista, al grano, criticando lo que te parecía incorrecto.
Aqui durante esta semana recordaré 8 grupos (dos por día) que no paraba de escuchar con 20 años (quizás Hamlet llegó un pelín más tarde a mi vida).

En esta tercera entrega, dos de los grandes letristas de mi juventud. LA POLLA RECORDS y SINIESTRO TOTAL.

LA POLLA RECORDS, con Evaristo al frente. Posiblemente la banda que más he escuchado y cantado sus himnos-canciones. Tambien han sido unos cuantos los conciertos de ellos a los que he asistido porque eran el grupo favorito de algunos de mis amigos.

y SINIESTRO TOTAL, que decir de ellos. Mi primer grupo fetiche, tanto que me hice miembro de su club de fans "Mártires de Uganda". Todo empezó con "En beneficio de todos", en cassette, como no, y empecé con una labor de coleccionista y me hice poco a poco con todos los cassettes anteriores. Libros, conciertos.... y luego ya llegó el universo cd, y me fui comprando las novedades, pero con su vigésimo aniversario, también me volví a hacer con todos sus discos ya en formato cd con temas extras.
Han envejecido genial y ahora su blues rock sarcástico me sigue emocionando como lo hacía "Ayatolah" hace más de 20 años.



La Polla Records - Concierto viña Rock 2002

.LA POLLA - Ellos Dicen Mierda (Vamos Entrando DVD) (los pelos como escarpias...)




SINIESTRO TOTAL - Zeleste, Barcelona 1990



Siniestro Total "La paz mundial"

martes, 30 de julio de 2013

micanciondemisemana - REINCIDENTES y PORRETAS (buscando en el baúl de los recuerdos)

Ya llega agosto, ya llega el momento de descansar, de vacaciones, de parar el blog hasta septiembre y el verano siempre es una época en la que es fácil echar la vista atrás y recordar como eran tus veranos hace 20 años con 20 años (no es un juego de palabras, es coincidencia).


Un chico joven con unos gustos musicales distintos a los de sus amigos del pueblo donde veraneaba, veranos que no cambia por nada.
Eran tiempos de inicio de vida universitaria y de rock en mis venas, rock simple pero efectista, al grano, criticando lo que te parecía incorrecto.

Aqui durante esta semana recordaré 8 grupos (dos por día) que no paraba de escuchar con 20 años (quizás Hamlet llegó un pelín más tarde a mi vida).

En esta segunda entrega, REINCIDENTES y PORRETAS.
Los sevillanos REINCIDENTES tienen unas de las mejores letras del punk rock nacional. "Resistencia" es una canción perfecta.
Comenzaron su lucha criticando a la Expo 92, el 500 aniversario de la Conquista de América, y la política andaluza, pero pronto traspasaron su temática a temas como la mili, la abolición de los toros, el maltrato y otros temas de índole social.
Es de esos grupos que disfrutas casi más escuchando el disco que en directo, y eso es decir mucho en un grupo de rock.
Los PORRETAS, esos chicos de Hortaleza, que siguen en activo tras más de 20 años, y que hace poco han perdido a su guitarrista.
Al contrario que Reincidentes, su música es disfrutable en directo y con un calimocho o cerveza en la mano. Sus himnos facilones y sus letras divertidas pero críticas con la sociedad, han sido cantadas por mi garganta múltiples veces, pero siempre que me he querido poner a escuchar tranquilamente sus canciones me han resultado algo planas y sin recorrido.
Pero eran otros tiempos y que se puede pedir más que cantar "última generación" o "jodido futuro" con tus amigos al lado.


Reincidentes°Boikot°Porretas°Sonora- Ni un Paso Atrás

Al Asalto - Nuevo videoclip de Reincidentes



Porretas Directo



Porretas - Jodido futuro (con Celtas Cortos) .


lunes, 29 de julio de 2013

midiscodemisemana - EXTREMODURO y PLATERO Y TU (buscando en el baúl de los recuerdos)

Ya llega agosto, ya llega el momento de descansar, de vacaciones, de parar el blog hasta septiembre y el verano siempre es una época en la que es fácil echar la vista atrás y recordar como eran tus veranos hace 20 años con 20 años (no es un juego de palabras, es coincidencia).
Un chico joven con unos gustos musicales distintos a los de sus amigos del pueblo donde veraneaba, veranos que no cambia por nada.
Eran tiempos de inicio de vida universitaria y de rock en mis venas, rock simple pero efectista, al grano, criticando lo que te parecía incorrecto.
Aqui durante esta semana recordaré 8 grupos (dos por día) que no paraba de escuchar con 20 años (quizás Hamlet llegó un pelín más tarde a mi vida).

En esta primera entrega, los dos grandes grupos de mis 20-22 años. EXTREMODURO y PLATERO Y TU.
Sus conciertos eran verdaderos karaokes, letras que no solo criticaban al sistema, sino que hablaban de historias cercanas, algunas incluso de amor, lo que hacía que el público femenino abundase en sus conciertos.
Que decir de ellos, tienen toda la información a mano, Robe Iniesta, Inaki Uoho y Fito Cabrales. Muy grandes, quizás los más grandes del rock español de siempre (algunos dirán "¿y Rosendo?" tambien... pero me quedo con estos)


concierto gira 2002


"puta"





concierto Sala Canciller (Madrid)


"Si tu te vas" (que tiempos...)



domingo, 28 de julio de 2013

Alex Ross - ESCUCHA ESTO (Parte 4)

Cuarta y última entrega repasando "Escucha Esto" de Alex Ross, y concretamente, las audiciones recomendadas de cada capítulo del libro.

Esperamos con ganas que Alex Ross nos regale un nuevo libro musical.


LA VOZ DEL SIGLO: Marian Anderson

Increible es el disco llamado "Marian Anderson: Rare and unpublished recordings" (1936-1952).
Y es que es de las pocas grabaciones que muestra su voz en su mejor época, ya que las grabaciones posteriores a 1950 nos traen a una Marian Anderson en declive.

LA MONTAÑA DE LA MÚSICA: El refugio de Malboro

Rudolf Serkin y Adolf Busch, que estuvieron al frente de la Malboro Music en Vermont, realizaron varias grabaciones juntos y con miembros de su amplia familia.
Hay un disco publicado por EMI donde el Cuarteto Busch toca unas furiosas versiones de los dos últimos Cuartetos de Schubert.
Serkin tiene un disco descatalogado con el Concierto para piano n.4 y "la fantasia" de Beethoven.
Los actuales codirectores de Malboro, Mitsuko Uchida y Richard Goode han publicado ambos docenas de discos, destacando los conciertos de Mozart de Goode.

EL FIN DEL SILENCIO: John Cage

Asciende a 42 volúmenes la Edición Cage de Mode Records.
Pero hay dos excelentes puntos de partida para iniciarse.
El disco de Philipp Vandré que contiene las Sonatas and Interludes, que es la obra más ambiciosa de Cage.
Y la grabación del cuarteto Arditti de su "String Quartet in four Parts" y "Four", obras de gran belleza que encuadran la primera y última etapa de Cage.

Por último tambien destaca el cd del sello ECM "The Seasons", donde el lirismo de la música de piano, empieza a dejar hueco a la experimentación.

PARTE III

YO VI LA LUZ: En pos de Bob Dylan

Casi 50 discos ha publicado Dylan desde que fichara por Columbia en 1961.
De su época juvenil, destaca "The Freewheelin´ Bob Dylan.
Sus dos obras magnas son, sin duda, "Highway 61 Revisited" y "Blonde on Blonde"
"Blood on the tracks" es su joya en los setenta.
Y tuvo un segundo renacer a finales de los 90 con "Time out of Mind" de 1997.

Si de todas maneras, tu pasión por Dylan es desmedida y no te vale con sus publicaciones oficiales, circulan un buen número de grabaciones piratas de gran calidad.



FERVOR: En recuerdo de Lorraine Hunt Lieberson

La mezzosoprano Lorraine Hunt Lieberson, como le pasó a Marian Anderson, tenía una fuerza descomunal en el escenario que no han llegado a lograr plasmar bien ninguna grabación.
Quizás el que más se acercó sea el DVD del sello Kultur, con "Theodora" de Haendel, grabado en el Festival de Glynderbourne.
Es interesante la grabación de un disco que contiene las cantatas núm 82 y 199 de Bach.
De hecho, Haendel, Bach y Mahler, son los artistas que más veces interpretó.
Emotiva es la interpretación de las "Neruda songs" de Peter Lieberson, que realizó 8 meses antes de su muerte.

BIENAVENTURADOS SEAN LOS TRISTES: El último Brahms

Es dificil interpretar a Brahms y lograr mostrar todo ese sentimentalismo triste que irradian algunas de sus obras.
El Primer Concierto para piano es Brahms en su faceta más sombría.
No hay ninguna colección perfecta de las Cuatro Sinfonías, pero la compilación de Music and Arts de interpretaciones en vivo de Furtwärgler es fascinante.
Para adentrarse en la música de cámara de Brahms, es ideal probar con una colección de cuartetos, quintetos y sextetos a cargo del Cuarteto Amadeus (DG)
Por último, para belleza de verdad, el disco de Radu Lupu con los Intermezzos y Piezas para piano Opp. 117-119 (Decca)

sábado, 27 de julio de 2013

actualidad semanal - FABULOSOS CADILLACS, CAFE TACVBA, LOS ZIGARROS, MEMORIA DE PEZ


LOS FABULOSOS CADILLACS se reunen para una gira en 2013.

Fantastica la noticia que he escuchado en algunos medios. Los argentinos Los Fabulosos Cadillacs se han reunido para una serie de conciertos por Latinoamérica y que posiblemente algún concierto caiga por España.
A ver si hay suerte.
De momento solo se habla de gira y no de encerrarse a grabar canciones nuevas.


 CAFE TACVBA, vienen a España a presentar "EL OBJETO ANTES LLAMADO DISCO"


extraido de universalmusica.com

“El Objeto Antes Llamado disco”, la primera producción musical en 5 años de la banda preeminente mexicana de rock, Café Tacvba, su publicó a finales de 2012. El nuevo álbum incluye 10 canciones inéditas grabadas durante cuatro sesiones especiales en las ciudades de Buenos Aires, Argentina; Santiago, Chile; México DF y Los Ángeles, CA.


En estas sesiones de grabación, la banda conto con invitados especiales que incluyeron amigos de la industria, medios locales y fanáticos. En estos cuatro eventos Café Tacvba (Rubén Albarran, Emmanuel del Real, Joselo Rangel y Quique Rangel) presento sus nuevos temas producidos por el maestro Gustavo Santaolalla, ganador de 2 premios Oscar y múltiples premios Grammy, productor asociado Anibal Kerpel y co-productor e ingeniero de grabación y mezcla, Joe Chiccarelli. Entre ellos, el primer sencillo del disco, “De Este Lado Del Camino”, canción que ya se escucha en la radio de Latinoamérica y cual a pocas horas de su lanzamiento se colocó en la posición número uno de ventas digitales.

”Es necesario jugar con los elementos, con las diferentes piezas, los diferentes actores, si es que se quiere llegar a un resultado diferente, nuevo, extraordinario. Ya lo hemos hecho en otras ocasiones, en esta, queremos transgredir la frontera del estudio, de la tradicional auto exclusión; salir a hacerlo frente al público, sin inhibiciones,” – comento vocalista Rubén Albarran sobre la propuesta del nuevo álbum.

Café Tacvba ahora gira por México donde se presentaran en varias ciudades durante el mes de octubre y noviembre incluyendo Guadalajara, Ciudad Juárez, Monterrey, Xalapa, Tampico y Querétaro, entre otras. Su gira internacional comenzó este verano en Estados Unidos con conciertos en Nueva York, Dallas, Chicago y Los Angeles antes de continuar por los países Sudamericanos de Chile, Argentina y Uruguay.

Esta noche la banda celebrara el lanzamiento de su nuevo álbum con una presentación privada en la ciudad de México, donde presentaran su nueva producción frente a invitados especiales. Próximamente la banda estará preparando una gira de presentaciones de ” El Objeto Antes Llamado Disco” la cual está prevista que se presente en diferentes ciudades de Estados Unidos, México y Latinoamérica, a partir de marzo del 2013.

Café Tacuba “El Objeto Antes Llamado Disco”

Tracklist:
1. Pájaros
2. Andamios
3. De Este Lado Del Camino
4. Espuma
5. Olita Del Altamar
6. Aprovéchate
7. Zopilotes
8. Yo Busco
9. Tan Mal
10. Volcán

EL "ROCANROL" PATRIO SE RENUEVA. (dos ejemplos, LOS ZIGARROS y MEMORIA DE PEZ)

No podemos estar escuchando toda la vida a Leño, a Extremoduro, a Platero y tu, etc, etc...
Aunque los años nos pidan algo de nostalgia, nunca hay que dejar de mirar al frente ya que te puedes perder grandes cosas.
En cuanto a música también.
El rocanrol nacional sigue generando bandas interesantes, y aqui hablar de todas me llevaria una eternidad, pero si que me apetece que conozcais a dos de ellas.
Tomad nota:
LOS ZIGARROS, en la onda de M- Clan
MEMORIA DE PEZ, que son una buena copia de los mejores PLATERO Y TU.


Dicen de ellos que son la gran apuesta del rock nacional, aunque ellos no aspiran a tanto. Hablamos de los hermanos Ovidi y Álvaro Tormo, ex 'Los perros del Boogie', que, reorganizados como 'Los Zigarros' presentan un álbum debut que traza el dibujo más fresco y honesto del rock que se escucha en los últimos años en el panorama nacional. Rock con toques puristas y con aires de los años 60, 70 y 80, con sabor a George Harrison, Tequila, Loquillo e incluso Los Rodríguez, pero un con un rico mundo propio que ahora exprimen en su primer disco homónimo.


Detrás de los hermanos Tormo se encuentra la producción de Carlos Raya, que apostó por esta pareja valenciana y los juntó en un estudio junto a Carlos Tarque de M-Clan, el baterista Tony Jurado, el bajista Iván 'Chapo' González y el pianista Luis Prados. El resultado es un disco con once canciones sorprendentes y unas guitarras que obligan a bailar, ponerse ñoño o incluso pensar. Ahí es nada.

La expectación por cómo acogerá el disco un mercado marcado por la homogeneidad crece cada día, aunque los hermanos Tormo se niegan a asumir la etiqueta de mesías que algunos se empeñan en adjudicarles. "No te lo puedes tomar tan en serio, sólo se trata de tocar la música que te gusta", señalan sorprendidos. "La responsabilidad solo se tiene cuando tienes que responder ante algo o alguien. Pero nosotros haremos lo que nos dé la gana, porque de eso va el rock and roll", añaden.

Ni siquiera se aventuran a catalogar su nuevo disco. "Es rock&roll y ya está, simplemente hacemos lo que nos sale, sin ningún filtro. Solo intentamos no hacer un revival". De lo que sí son conscientes es de que, como poco, suponen un soplo de aire fresco en un mercado sobrecargado de apuestas cada vez más planas. "La música que se hace es cada vez más aburrida; los grupos cada vez más suaves, más acústicos, más tranquilos.... Pero en este país se ha hecho rock clásico muy bueno, para bailar y se sigue bailando hoy en día; es decir, que se puede hacer y se puede hacer muy bien".


extraido de rocktambulos.com

En Cataluña hay una expresión que dice “Al pot petit hi ha la bona confitura” (en el bote pequeño está la buena confitura). Viene a significar que las cosas pequeñas suelen estar en lugares pequeños. Esta expresión podría aplicarse perfectamente al último trabajo de Memoria de Pez, Tocar madera. Grabado en los estudios MusikOn, de Iñaki ‘Uoho’ Antón (Extremoduro), y producido por Jorge ‘Txortx’ Etxebarrieta junto al mismo grupo, apenas sobrepasa los 27 minutos de duración. Corto, sí, pero una muestra fehaciente de que el cuarteto de Bizkaia se aleja no sólo de la sombra de Platero y tú, sino del ‘spin-off’ La inconsciencia de Uoho.


Los primeros compases de Huele a quemado, el primer corte, ya nos dicen de qué va la cosa, rock and roll puro y duro, de ese que pone la guitarras en primer plano y deja que la música hable por sí misma. El tema nos transporta a la necesidad de vivir, pero no de cualquier manera, sino rápido, tanto que cabe la posibilidad de excederse. De ahí el título. Se da una especie de círculo vicioso. El paso a la acción por estar quemado y acabar quemado por haber pasado a la acción… La canción tiene fuerza, además de buenos riffs, solos que se dilatan en el tiempo y coros a cargo de Osama, de The Riff Truckers. Le sigue un tema de amor insano, Tus rincones. Porque a veces el amor es la manzana prohibida imposible de no morder ¿El destino? ¿El placer del sí pero no? En cuanto a instrumentos, de las más completas del disco, pues a los ya habituales se les suma la trompeta, a cargo de Ibon San Miguel, y el piano a mitad de tema, que engarza muy bien con un solo de guitarra.

Una de las grande sorpresas de Tocar madera es la presencia al micro de Aitor Lacalle ‘Laka’, que interpreta de forma íntegra la liviana Me voy a cantar. En esencia, la música soluciona todos los problemas, o por lo menos los tapa de manera brillante. Por debajo, mucho más. El mundo gira rápido, y no espera a nadie. “Conmigo nadie quiere jugar”, “11 suspendí cuando llegó septiembre” “no me grites”…los versos apuntan a un adolescente, un inadaptado adicto a la música. Un Holden Caulfield con guitarra y micrófono tal vez. Cabe reconocer que el timbre de voz de Aitor -y ya de paso su fisonomía- ayudan a pertrechar la teoría.

El plato fuerte llega con Todo tuyo. El tema en cuestión cuenta con al colaboración de Roberto Iniesta (Extremoduro); o se podría decir que Robe cuenta con la colaboración de Memoria de Pez, porque el track tiene los mismos mimbres que Minoría absoluta y Material defectuoso. Quizá el título sea de lo más acertado: Todo tuyo. Como en los trabajos del extremeño, la cadencia de su voz es un andamio perfecto, ya que denota tristeza, pesimismo, pesadumbre… y la melodía le va a la par, pues sustentan la tragedia a la perfección. Tras el amor, el desierto, la nada y finalmente, la locura. “No puedo recordar por qué…”, “No sé cómo olvidar que ayer…”.

La pista más larga da paso a la más corta, Si no entiendes nada. Además, este tema, de dos minutos, continúa con el monográfico de desamor iniciado por el corte anterior, aunque en este caso, la melodía se mantiene en ritmos bajos -encontramos punteos de guitarra clásica continuos- y Jon Calvo permanece apaciguado en su estilo. Con tono optimista, la canción se enfrenta a la conciencia de la debacle de una relación. También balada es Palabras en el fango. Y un paso más en cuanto a la historia planteada con antelación. La ruptura, el olvido, como respuesta cuando las cosas no funcionan. A diferencia de Si no entiendes nada, en esta ocasión Jon, y su piano, consiguen una profundidad dramática firme, elevando el tono hacia el final de un tema que se remata con un solo de guitarra.

Y tras la ruptura, es hora de renegar; No quiero verte (“nunca más”) vuelve a los derroteros rockeros de los primeros temas, pegadizo y con mucha cuerda. Finalmente, un peculiar tema que parafrasea la conocidísima expresión que popularizó Álex de la Nuez en los 90 (sobre el Give it up de Steve Miller Band), Dame un poco más. Una animosa melodía pop rock en la que participa Almu de The Mamma’s attack, y donde destaca la presencia del saxo, el solo de bajo y el final de veinte segundos electropop.

Jon, Aitor, Iban y Asier confeccionan un disco gratamente disfrutable, tanto para los amantes del guitarreo como para los que optan por detenerse pausadamente a apreciar la técnica. Y es que tras su tercer trabajo, Memoria de Pez demuestra que poco a poco los escalones se cuentan girando la cabeza. Ahora bien, algún tema extra no hubiese hecho daño a nadie. Con ello también se habría difuminado el exceso de temática amorosa (la quiero no la quiero) que domina la segunda parte del álbum.





viernes, 26 de julio de 2013

miwebmusicaldelmes - rockdelux.com


Si el mes pasado tuvimos ración doble de ROCKZONE, con el resumen de la revista y mencionando su web, este mes es el turno de la doble ración para ROCKDELUX, la biblia del indie, del gafapasta.
A veces pecan de listillos, pero hay que reconocerlo, son los mejores y pueden presumir de ello.
Su revista es la mejor de las que se publican en lengua hispana, y sus especiales son objeto de coleccionista.

Hasta 2011 habían sido bastante reacios a crear una buena página web, y la que tenían dejaba a la marca Rockdelux en un mal lugar.
Pero con la nueva web te puedes tirar horas y horas trasteando leyendo noticias actuales y otras rescatadas del archivo histórico de la revista.

Una gozada.



extraido de vimeo.com

El primer ejemplar de la revista de música Rockdelux apareció en noviembre de 1984. A lo largo de más de 300 números, Rockdelux ha abordado la música popular siguiendo una línea basada en el rigor crítico y en la profundidad del análisis, estableciendo lazos entre la actualidad y la historia, siempre atenta a las últimas corrientes pero contextualizándolas debidamente.


Durante estos casi treinta años, los mejores periodistas musicales españoles de prensa, radio o televisión han pasado en algún momento de su trayectoria profesional por Rockdelux y la han convertido en un medio prescriptor que fideliza lectores.

Desde febrero de 2011, también está en marcha la web de Rockdelux, el proyecto complementario a la revista de papel, un espacio que, entre otras cosas, permite adentrarse en el gran archivo histórico de Rockdelux al tiempo que ofrece material actual y exclusivo que busca un equilibrio con la revista impresa. Es una web atípica desde su propia concepción, una especie de mural desplegable a voluntad del lector, y portadora de la misma rigurosidad y criterio que caracterizan la revista Rockdelux.



jueves, 25 de julio de 2013

mivideodemisemana - BLACK SABBATH

Con motivo del lanzamiento de "13" y que se han reeditado algunos de los discos emblemáticos de Black Sabbath, esta semana la dedicamos a recordar a una de las grandes bandas míticas de la historia, que ha vuelto para publicar un discazo como la copa de un pino.


Extraido de wikipedia (tercera parte).




Technical Ecstasy y Never Say Die! (1976 - 1979)[editar]Black Sabbath comenzó a trabajar en su siguiente álbum en los Criteria Studios de Miami en junio de 1976. Con la intención de expandir su sonido, la banda contrató al teclista Gerry Woodruffe, que ya había hecho alguna aparición en Sabotage. Technical Ecstasy, publicado el 25 de septiembre de 1976, fue recibido con críticas encontradas, y por primera vez no consiguió mejores críticas a medida que pasaba el tiempo. Dos décadas después de su lanzamiento Allmusic le otorgó dos estrellas de cinco y dijo que la banda se estaba «deshaciendo a una velocidad alarmante».[56] Este disco presenta un sonido menos opresivo y oscuro en favor de la introducción de sintetizadores y canciones más rápidas. Technical Ecstasy no consiguió entrar entre los cincuenta álbumes más vendidos en los Estados Unidos, y fue el segundo trabajo consecutivo que no alcanzó el disco de platino, aunque fue certificado como disco de oro en 1997.[57] El álbum contiene la canción «Dirty Women», un fijo en los conciertos del grupo, y la primera aparición como vocalista principal de Bill Ward en la canción «It's Alright».[56] La gira de promoción del álbum comenzó en noviembre de 1976, teniendo de teloneros a Boston y Ted Nugent en los Estados Unidos y a AC/DC en Europa, donde finalizó en abril de 1977.[24]




En noviembre de 1977, cuando la banda estaba ensayando para su próximo álbum y pocos días antes de entrar en el estudio para empezar la grabación, Osbourne abandonó. «Los últimos álbumes de Sabbath eran demasiado deprimentes para mí», dijo Osbourne. «Lo estaba haciendo con el propósito de ver qué le podíamos sacar a la compañía discográfica, para inflarme a cervezas y publicar un álbum».[58] La banda recurrió a Dave Walker, antiguo vocalista de Fleetwood Mac y Savoy Brown, para ensayar en octubre de 1977, y comenzaron a trabajar en nuevas canciones.[1] Black Sabbath hizo la primera y única aparición pública con Walker tocando una versión no definitiva de «Junior's Eyes» en el programa de la BBC Look! Hear!.[24]



Por su parte, Osbourne inició un proyecto en solitario con tres antiguos miembros de Dirty Tricks: John Frazer-Binnie, Terry Horbury y Andy Bierne. Sin embargo, durante los ensayos de la nueva banda en enero de 1978, Osbourne cambió de opinión y regresó a Black Sabbath. «Tres días antes de que entráramos en el estudio, Osbourne quiso volver a la banda», explicó Iommi. «No quería cantar nada del material que ya habíamos hecho con el otro tipo, así que lo hizo muy difícil. Entramos en el estudio básicamente sin canciones. Escribíamos por el día para tener tiempo de ensayar y grabar por la noche. Era muy difícil, como una cinta transportadora, porque no teníamos tiempo de reflexionar sobre el material. "¿Esto está bien? ¿Está funcionando como debe?" Era muy difícil para mí tener ideas y hacerlas realidad tan rápido».[58]





Tony Iommi actuando en el New Haven Coliseum en 1978.La banda pasó cinco meses en los Sounds Interchange Studios de Toronto, Canadá, escribiendo y grabando lo que acabaría siendo Never Say Die!. «Nos llevó bastante tiempo», dijo Iommi. «Nos estábamos drogando mucho, fumando montones de porros. Íbamos a las sesiones pero teníamos que irnos porque estábamos demasiado drogados, teníamos que parar. Nadie hacía nada bien, estábamos dispersos, todo el mundo tocando algo distinto. Teníamos que volver y descansar, e intentarlo al día siguiente».[58] El álbum fue publicado en septiembre de 1978, escalando hasta el número doce en el Reino Unido y el sesenta y nueve en los Estados Unidos. Las críticas no fueron buenas y, de nuevo, tampoco lo fueron con el paso del tiempo. Allmusic opinó que «las canciones desenfocadas reflejaban perfectamente las tensiones en el personal y el abuso de las drogas».[59] El álbum produjo los sencillos «Never Say Die» y «Hard Road», que llegaron al top cuarenta en el Reino Unido, mientras que la banda hizo su segunda aparición en el Top of the Pops tocando la canción «Never Say Die». Tan sólo veinte años después de su salida Never Say Die! consiguió el disco de oro en los Estados Unidos.[60]



La gira de promoción comenzó en mayo de 1978 con Van Halen como teloneros. La crítica calificó las actuaciones de la banda como «cansadas y sin inspiración», en contraste con las «juveniles» actuaciones de Van Halen, que se habían embarcado por primera vez en una gira mundial.[24] La banda filmó una actuación en el Hammersmith Apollo en junio de 1978 que fue publicada como DVD años después con el título de Never Say Die. La gira terminó en Alburquerque, Nuevo México, el 11 de diciembre.



Después de la gira, Black Sabbath regresó a Los Ángeles y de nuevo los miembros alquilaron una casa en Bel Air, donde pasaron casi un año trabajando en material nuevo para otro álbum. A causa de la presión por parte de la compañía discográfica y la falta de ideas de Ozzy Osbourne, Iommi tomó la decisión de despedir a Osbourne en 1979. «En ese momento, Ozzy había llegado a su fin», explicó Iommi. «Todos estábamos muy metidos en la droga, mucha cocaína, mucho de todo, y Ozzy se emborrachaba mucho en esa época. Se suponía que debíamos estar ensayando pero nadie hacía nada. Era como: "¿Ensayamos hoy? No, mejor mañana". Todo se puso tan mal que no hacíamos nada. Simplemente se esfumó».[61] Bill Ward, amigo íntimo de Osbourne, fue el elegido por Iommi para informarle sobre su despido. Ward declararía: «Espero haber sido profesional, de hecho puede que no lo fuera. Cuando estoy borracho soy horrible, soy horroroso. El alcohol fue definitivamente una de las cosas más perjudiciales para Black Sabbath. Estábamos destinados a destruirnos los unos a los otros. La banda era tóxica, muy tóxica».[62]



Heaven and Hell y Mob Rules (1979 - 1982)[editar]Sharon Arden, la hija del representante Don Arden y futura esposa de Ozzy Osbourne, propuso al antiguo vocalista de Rainbow, Ronnie James Dio, como reemplazo de Ozzy en 1979. Dio se unió oficialmente en junio, y la banda comenzó a escribir su nuevo disco. A causa del diferente estilo vocal de Dio, el sonido de Black Sabbath cambió. «Eran totalmente diferentes», explica Iommi. «No sólo con respecto a la voz, sino a la actitud. Ozzy era un gran showman, pero cuando Dio llegó, era una actitud diferente, una voz diferente y una propuesta musical diferente, más allá de la voz. Dio cantaba a través del riff, mientras que Ozzy lo seguía, como en "Iron Man". Ronnie llegó y nos dio otro ángulo desde el cual componer».[63]



El bajista Geezer Butler dejó la banda temporalmente en septiembre de 1979, y fue reemplazado en principio por Geoff Nicholls de Quartz. La nueva alineación entró en los Criteria Studios en noviembre para comenzar la grabación del álbum. Dos meses después, Butler regresó a la banda y Nicholls se encargó del teclado. Producido por Martin Birch, Heaven and Hell fue publicado el 25 de abril de 1980 con buenas críticas. Más de una década después de su publicación, Allmusic dijo que el álbum era «una de las grabaciones con más calidad de Sabbath, la banda suena totalmente renacida y con nuevas energías».[64] Heaven and Hell llegó al noveno puesto en el Reino Unido y al veintidós en Estados Unidos, el mayor éxito desde Sabotage. El disco acabó vendiendo más de un millón de copias en Estados Unidos,[65] y la banda se embarcó en una gira mundial, haciendo su primer concierto con Dio en Alemania el 17 de abril de 1980.



Black Sabbath realizó su gira por los Estados Unidos, titulada Black and Blue, con Blue Öyster Cult como teloneros. Durante la gira se filmó un concierto en Uniondale, Nueva York, que se estrenó en cines en 1981 con el título de Black and Blue.[66] El 26 de julio de 1980 la banda actuó ante 75.000 personas en el Los Angeles Memorial Coliseum con Journey, Cheap Trick y Molly Hatchet.[67] Durante la gira, la antigua discográfica de Black Sabbath en Inglaterra publicó, sin beneficio para el grupo, un disco en directo grabado hacía siete años, llamado Live at Last, que alcanzó el quinto puesto en las listas británicas. Este álbum propició la reedición del sencillo «Paranoid», que alcanzó el top veinte.[1]



El 18 de agosto de 1980, tras un concierto en Minneapolis, Bill Ward fue despedido de la banda. «NO toleraba el hecho de subir al escenario sin Ozzy», dijo Ward. «Era un borracho increíble, estaba borracho las veinticuatro horas del día. Cuando entraba en escena, el escenario no era tan brillante. Sentía que me estaba muriendo por dentro. El espectáculo parecía vacío, Ron estaba ahí delante haciendo sus cosas y yo dije "se acabó". Me gusta Ronnie, pero musicalmente él no era lo mío».[68] Preocupado por el estado de salud de Ward, Iommi trajo al batería Vinny Appice sin informar a Ward. «No me lo dijeron, me echaron de la silla y no me lo dijeron. Sabía que tendrían que traer a otro batería para salvar la gira, pero había estado en la banda durante años y años, desde que éramos muchachos. Y entonces Vinny estaba tocando y era como: "¿Qué diablos pasa?" Dolió mucho».[69]



La banda acabó la gira Heaven and Hell en febrero de 1981, y regresó al estudio para componer su siguiente obra.[70] El segundo álbum de Black Sabbath en ser producido por Martin Birch y en tener como vocalista a Ronnie James Dio, Mob Rules, salió al mercado en octubre de 1981, siendo bien recibido por el público, pero no tan bien por la crítica. La revista Rolling Stone aseguró que «Mob Rules presenta a la banda más torpe y flatulenta que nunca".[71] Como con muchos trabajos anteriores de la banda, el tiempo ayudó a cambiar la perspectiva de la crítica. Una década después, Allmusic escribió sobre Mob Rules que era un «magnífico álbum».[72] El álbum fue certificado disco de oro[73] y alcanzó el top veinte en las listas británicas. La canción «The Mob Rules», grabada en la vieja mansión de John Lennon en Inglaterra,[70] aparece en la película de animación Heavy Metal, aunque es una versión alternativa, distinta de la versión original del álbum.[70]



La banda, insatisfecha con la calidad de Live at Last, decidió grabar otro álbum en directo (Live Evil) durante la gira mundial en promoción de Mob Rules en ciudades como Dallas, San Antonio y Seattle en 1982.[74] Durante el proceso de mezclado del álbum, Iommi y Butler tuvieron una discusión con Dio. Iommi y Butler acusaron al vocalista de colarse de noche en el estudio y subir el volumen de sus pistas vocales en la mezcla. Además, Dio no estaba satisfecho con las fotografías que se habían tomado de él y que aparecían en el diseño del álbum.[75] «Ronnie quería que su opinión pesara más», dijo Iommi. «Y Geezer se enfadó y ahí es donde todo se comenzó a decaer. Live Evil es donde todo se vino abajo. Ronnie quería hacer más de lo suyo, y el ingeniero que estábamos usando en aquel momento no sabía qué hacer, porque Ronnie estaba diciendo que hiciera una cosa y nosotros otra. Al final del día dijimos: 'Ya está, la banda se acabó'».[76] «Cuando llega el momento de la voz, nadie me dice qué hacer. ¡Nadie! Porque ellos no son tan buenos como yo, así que hago lo que quiero», explicó Dio. «Me negué a oír Live Evil porque había demasiados problemas. Si miras a los créditos, las voces y la batería están apartadas en un lado. Abre el álbum y mira cuántas fotos hay de Tony y cuántas hay de mí y Vinny».[77]



Ronnie James Dio dejó Black Sabbath en noviembre de 1982 para comenzar su propia banda, Dio, y se llevó al batería Vinny Apice con él. Live Evil vio la luz en enero de 1983, pero fue ensombrecido por Speak of the Devil de Ozzy Osbourne, un álbum en directo certificado como disco de platino,[78] que contiene sólo canciones de Black Sabbath, y que había sido publicado cinco meses antes.[24]



Born Again (1983–1984)[editar]

Ian Gillan sustituyó a Ronnie James Dio en 1983.Con sólo dos miembros originales restantes, Tony Iommi y Geezer Butler comenzaron a hacer audiciones para el futuro álbum de la banda. Después de varios intentos fallidos con David Coverdale de Whitesnake, Nicky Moore de Samson y John Sloman de Lone Star, la banda finalmente se decidió por el vocalista de Deep Purple, Ian Gillan, para reemplazar a Ronnie James Dio en 1983.[1] [79] Aunque la primera idea era que el proyecto no se llamara Black Sabbath, las presiones de la compañía discográfica forzaron a la banda a mantener el nombre.[79] La banda entró en The Manor Studio de Shipton-on-Cherwell, Oxfordshire, Reino Unido, en junio de 1983, con Bill Ward de vuelta y sobrio en su puesto de batería.[79] El nuevo álbum, Born Again, se encontró con reseñas diversas de críticos y seguidores. El álbum alcanzó el puesto número cuatro en las listas británicas y el puesto número 39 en las de Estados Unidos.[44] Aun así, casi una década después de su lanzamiento, el crítico de Allmusic Eduardo Rivadavia calificó el álbum de «espantoso», añadiendo que «el estilo blues de Gillan y las letras humorísticas eran totalmente incompatibles con los señores de las penumbras».[80]



Aunque tocó en el álbum, el batería Bill Ward no pudo salir de gira debido a las presiones de la carretera, abandonando la banda en 1984. Ward dijo después: «Me derrumbé ante la idea de salir de gira. Tenía tanto miedo de las giras, nunca hablaba de mis miedos, en vez de eso bebía y ese fue mi gran error».[81] Ward fue reemplazado por el antiguo batería de Electric Light Orchestra, Bev Bevan, para la gira mundial de Born Again,[79] que comenzó en Europa junto a Diamond Head, y después en Estados Unidos con Quiet Riot y Night Ranger. La banda actuó como cabeza de cartel del Reading Festival de 1983, donde añadieron la canción «Smoke on the Water» a la lista de canciones que tocaron.



La gira para promocionar Born Again incluía un gigantesco monumento de Stonehenge como parte de la escenografía. La banda cometió un error al encargar la pieza, hecho que sirvió para una escena paródica en el falso documental This Is Spinal Tap. Geezer Butler lo explicó:



Teníamos como representante a Don Arden, el padre de Sharon Osbourne. Se le ocurrió la idea de tener el monumento de Stonehenge como parte del escenario. Anotó las dimensiones y se las dio al mánager de la gira. Lo escribió en metros aunque quiso escribirlo en pies. La gente que lo tenía que fabricar entendió quince metros en vez de quince pies. Tenía cuarenta y cinco pies de alto y no cabía en ninguno de los escenarios así que tuvimos que dejarlo en el almacén. Costó una fortuna fabricarlo pero no había local en el mundo donde cupiese.[82]



Descanso y Seventh Star (1984–1986)[editar]Después de completar la gira de Born Again en marzo de 1984, el vocalista Ian Gillan abandonó Black Sabbath para volver con Deep Purple. La banda contrató al vocalista David Donato. La nueva formación compuso y ensayó a lo largo de 1984 y finalmente grabaron una demo en octubre. La banda, descontenta con los resultados, se deshizo de Donato poco después.[1] El bajista Geezer Butler, desilusionado con tantos cambios en la formación, abandonó Black Sabbath en noviembre de 1984 para formar una banda en solitario. Butler comentó:



«Cuando Ian Gillan tomó las riendas, ese fue el final para mí. Pensé que era una broma y abandoné por completo. Cuando nos juntamos con Gillan, se suponía que no tenía que ser un álbum de Black Sabbath. Después de completar el álbum, se lo entregamos a Warner Bros. y dijeron que lo iban a lanzar bajo el nombre de Black Sabbath y no pudimos hacer nada al respecto. Me desilusioné mucho con esto y Gillan estaba realmente jodido por ello. Aquello duró un álbum y una gira y ya está».[82]



Después de la marcha de Butler, el único miembro original restante, Tony Iommi, dejó a Black Sabbath aparte, para comenzar a trabajar en un álbum en solitario junto al teclista Geoff Nicholls. Mientras trabajaba en material nuevo, se le ofreció a la formación original de Black Sabbath un puesto en el concierto benéfico de Bob Geldof, Live Aid; la banda aceptó, tocando en el concierto que tuvo lugar en Filadelfia, el 13 de julio de 1985.[79] [24] El evento significó la primera reunión de la forma original de la banda desde 1978, en un concierto en el que también se reunieron The Who y Led Zeppelin.[83] De vuelta con su trabajo en solitario, Iommi contrató al bajista Dave Spitz y al batería Eric Singer, e inicialmente pretendió utilizar varios cantantes, entre ellos Rob Halford de Judas Priest, Glenn Hughes (ex bajista de Deep Purple y vocalista de Trapeze) y el ex Black Sabbath Ronnie James Dio.[79] «Íbamos a usar distintos vocalistas en el álbum, cantantes invitados, pero era muy difícil juntarlos y conseguir los permisos de sus respectivas compañías discográficas. Glenn Hughes vino para cantar en una de las pistas y decidimos usarlo para todo el álbum».[84]



La banda pasó el resto del año en el estudio, grabando lo que sería Seventh Star. Warner Bros. se negó a lanzarlo como un álbum en solitario de Tony Iommi, insistiendo en usar nuevamente el nombre de Black Sabbath.[85] Presionados por el representante de la banda, Don Arden, ambos decidieron lanzar el álbum como «Black Sabbath featuring Tony Iommi» en enero de 1986.[86] «Realmente fue meterse en camisa de once varas», explicó Iommi, «porque creo que si lo hubiésemos podido lanzar como un álbum en solitario, habría tenido mucha mejor aceptación».[87] Seventh Star, que sonaba poco a álbum de Black Sabbath, incorporaba más elementos de hard rock popularizados por la escena rock de Sunset Strip de los años 1980, y fue criticado por los periodistas musicales de la época, aunque reseñas posteriores como la de Allmusic fueron positivas, diciendo del álbum que era «a menudo incomprendido y subestimado».[85]



La nueva formación ensayó seis semanas, preparándose para una gira mundial, aunque la banda nuevamente fue forzada a utilizar el nombre de Black Sabbath. «Yo estaba metido en el "Tony Iommi project", pero no estaba bajo el paraguas de Black Sabbath», dijo Hughes. «La idea de formar parte de Black Sabbath no iba conmigo de ninguna de las maneras. Glenn Hughes cantando en Black Sabbath es como James Brown cantando en Metallica. No iba a funcionar».[84] [88] Sólo cuatro días antes del comienzo de la gira, el cantante Glenn Hughes se metió en una pelea de bar con el mánager de producción John Downing, quien le astilló el hueso orbital. La lesión interfería en la habilidad de Hugues para cantar, por lo que la banda escogió a Ray Gillen para la gira con W.A.S.P. y Anthrax, aunque casi la mitad de las fechas de Estados Unidos fueron canceladas por las escasa venta de entradas.[89]



Hay un vocalista cuyo estatus está disputado, tanto dentro como fuera de Black Sabbath, el del evangelista Jeff Fenholt. Él ha insistido en que fue cantante de Black Sabbath entre enero y mayo de 1985.[24] Tony Iommi nunca lo ha confirmado, ya que estaba trabajando en un proyecto en solitario que después sería un álbum bajo el nombre de Black Sabbath. Fenholt dio explicaciones pormenorizadas del tiempo que estuvo con Iommi y Sabbath en el libro de Garry Sharpe-Young, Sabbath Bloody Sabbath: The Battle for Black Sabbath.[90]



The Eternal Idol, Headless Cross y Tyr (1986–1990)[editar]Black Sabbath comenzó a trabajar en nuevo material en octubre de 1986 en los Air Studios de Montserrat con el productor Jeff Glixman. La grabación estuvo repleta de problemas desde el comienzo, por lo que Glixman abandonó tras las primeras sesiones, siendo sustituido por Vic Coppersmith-Heaven. El bajista Dave Spitz renunció por «motivos personales», y se le sustituyó por Bob Daisley, el ex bajista de Rainbow. Daisley regrabó todas las pistas de bajo, además de escribir las letras del álbum. Pero antes de que se completara el álbum, abandonó para unirse a la banda de Gary Moore, llevándose también al batería Eric Singer.[1] Después de tener problemas con el segundo productor Coppersmith-Heaven, la banda volvió a Morgan Studios en Inglaterra en enero de 1987 para trabajar con otro productor, Chris Tsangarides. Mientras trabajaban en el Reino Unido, el nuevo vocalista Ray Gillen abandonó precipitadamente Black Sabbath para formar Blue Murder con John Sykes. La banda contrató al ex vocalista de Alliance Tony Martin para regrabar las parte de Gillen, y al antiguo batería Bev Bevan para completar algunos overdubs de percusión.[24]



Antes del lanzamiento del nuevo álbum, Black Sabbath aceptó una oferta para hacer seis conciertos en Sun City, Sudáfrica, durante la Era del Apartheid. Como resultado, la banda fue criticada por activistas y artistas que estaban involucrados en el Artists United Against Apartheid, que habían estado boicoteando a Sudáfrica desde 1985.[91] El batería Bev Bevan se negó a tocar y fue sustituido por Terry Chimes, antiguo miembro de The Clash.[24]



Tras casi un año de producción, se lanzó The Eternal Idol el 8 de diciembre de 1987, siendo ignorado por los críticos del momento. Las reseñas aparecidas posteriormente en las páginas especializadas de internet son tanto positivas como negativas. Allmusic dijo que «la poderosa voz de Martin añadía fuego nuevo» a la banda y que el álbum contenía «algunos de los riffs más duros de Iommi en años».[92] Blender le concedió al álbum dos estrellas, diciendo que el álbum era «Black Sabbath sólo de nombre».[93] El álbum llegó al número 66 en el Reino Unido y al 168 en Estados Unidos.[44] La banda hizo gira de promoción de The Eternal Idol en Alemania, Italia y, por primera vez, Grecia. Desafortunadamente, en parte debido la reacción de los promotores respecto al incidente de Sudáfrica, se cancelaron otros conciertos por Europa.[94] El bajista Dave Spitz abandonó la banda poco antes de la gira, siendo sustituido por Jo Burt, antiguo miembro de Virginia Wolf.



Debido al fracaso comercial de Eternal Idol, Vertigo Records y Warner Bros Records terminaron contrato con Black Sabbath, lo que obligó a la banda a firmar con I.R.S. Records.[24] La banda se tomó un descanso hasta 1988, volviendo en agosto para trabajar en su siguiente álbum. Debido a los problemas de producción de Eternal Idol, Tony Iommi optó por producir el álbum él mismo. «Era un comienzo completamente nuevo», Iommi dijo. «Tenía que repensarlo todo, y decidí que necesitábamos reconstruir nuestra credibilidad un poco».[95] Iommi reclutó al batería Cozy Powell (ex Rainbow), al teclista Nicholls y al bajista de sesión Laurence Cottle, y alquiló un «estudio muy barato de Inglaterra».[95]



En abril de 1989 Black Sabbath lanzó Headless Cross, nuevamente ignorado por los críticos de la época. Finalmente, Allmusic concedió cuatro estrellas de cinco al álbum, llamándolo «el álbum mejor de Black Sabbath sin Ozzy ni Dio».[96] El álbum llegó al puesto número treinta y uno de la lista de álbumes británica y el sencillo extraído del mismo, «Headless Cross», se posicionó en el puesto número sesenta y dos de la lista de sencillos. En Estados Unidos llegó al puesto número 115 de la lista del Billboard.[44] El guitarrista de Queen, Brian May, amigo de Iommi, interpretó como artista invitado un solo en el tema «When Death Calls». Después del lanzamiento del álbum, Neil Murray, el ex bajista de Whitesnake, se unió a la banda para la gira.[1] La malograda gira estadounidense de Headless Cross comenzó en mayo de 1989 con Kingdom Come y Silent Rage como teloneros, pero, debido a la escasa venta de entradas, fue cancelada tras solo ocho conciertos.[24] La gira europea comenzó en septiembre, en un momento en que la banda estaba disfrutando con éxitos en las listas. Después de una serie de conciertos en Japón, la banda se embarcó en una gira de 23 conciertos por Rusia con Girlschool. Black Sabbath fue una de las primeras bandas en hacer gira por este país, después de que Mikhail Gorbachov abriera las fronteras del país para actuaciones de artistas occidentales por primera vez en 1989.[94]



La banda volvió al estudio en febrero de 1990 para grabar Tyr, la continuación de Headless Cross. Aunque técnicamente no es un álbum conceptual, algunos de los temas de las letras están basadas, en términos generales, en la mitología nórdica.[24] Tyr fue lanzado el 6 de agosto de 1990, llegando al puesto número 24 en la lista de álbumes británica, aunque fue el primer álbum de Black Sabbath que no entró en el Billboard 200 de Estados Unidos.[44] Nuevamente el álbum recibió reseñas contradictorias en la era de las reseñas en Internet: Allmusic dijo que la banda «mezcla mitología y metal en un aplastante despliegue de síntesis musical»,[97] mientras que Blender le concedió al álbum una sola estrella, justificándose diciendo que «Iommi continúa mancillando el nombre de Sabbath con esta mediocre colección».[98] La banda comenzó una gira de Tyr con Circus of Power en Europa, aunque los siete últimos conciertos en el Reino Unido se suspendieron, de nuevo por la pobre venta de entradas.[99] Por primera vez en su carrera, la banda no hizo gira por Estados Unidos.[100]



Dehumanizer (1990–1993)[editar]Durante la gira en solitario del ex vocalista de Black Sabbath Ronnie James Dio para promocionar el álbum Lock Up The Wolves, el antiguo bajista de Black Sabbath Geezer Butler se le unió en el Minneapolis Forum para interpretar la canción «Neon Knights». Después del concierto, ambos expresaron su interés en reunir a los Sabbath. Butler convenció a Iommi, quien en respuesta rompió la formación de la banda, echando al cantante Tony Martin y al bajista Neil Murray. «Me arrepiento por muchos motivos», dijo Iommi. «Estábamos en un buen momento. Decidimos reunirnos con Dio y no sé ni por qué, de veras. Estaba el aspecto financiero, pero eso no era todo. Pensé que igual podíamos recapturar algo de lo que habíamos sido».[95]



Ronnie James Dio y Geezer Butler se reunieron con Tony Iommi y Cozy Powell a finales de 1990 para comenzar a trabajar en el próximo lanzamiento de Black Sabbath. Mientras ensayaban en noviembre, Powell se rompió la cadera cuando su caballo murió, cayéndole encima de las piernas.[101] Incapaz de terminar la grabación del álbum, Powell fue sustituido por Vinny Appice, con el que la banda entró en el estudio junto al productor Reinhold Mack. El año que duró el proceso de grabación estuvo repleto de problemas, mayormente por la tensión entre Tony Iommi y Ronnie James Dio debido a las letras de las canciones, algunas de ellas siendo reescritas muchas veces.[102] «Dehumanizer costó mucho tiempo, fue un trabajo duro», dijo Iommi. «Nos llevó demasiado tiempo, ese álbum nos costó un millón de dólares, que es absolutamente ridículo».[95] Dio luego dijo que la elaboración del álbum fue difícil, pero que mereció el esfuerzo. «Era algo que nos tuvimos que exprimir desde dentro, pero creo que es por eso por lo que funciona», dijo. «A veces necesitas ese tipo de tensión; si no, acabas haciendo un álbum de Navidad».[103]



El álbum resultante, Dehumanizer, se lanzó el 22 de junio de 1992. En Estados Unidos, el álbum se publicó el 30 de junio de 1992 a través de Reprise Records, ya que Ronnie James Dio y su banda homónima todavía tenían contrato con esa discográfica. Aunque el álbum recibió reseñas de distinta índole,[101] [104] tuvo el mayor éxito comercial de la banda de los últimos diez años.[1] En cierta medida gracias al sencillo «TV Crimes», el álbum llegó al puesto número 44 de la lista Billboard 200.[1] En el álbum también se puede encontrar la canción «Time Machine», de la cual aparece una versión regrabada en la película de 1992 Wayne's World.



Black Sabbath comenzó la gira de Dehumanizer en julio de 1992 junto a Testament, Danzig, Prong y Exodus. Mientras estaban de gira, Ozzy Osbourne, el antiguo vocalista de la banda, anunció su primer retiro, por lo que invitó a Black Sabbath para que abriesen los últimos dos conciertos de gira No More Tours en Costa Mesa, California. La banda aceptó sin contar con la opinión del vocalista Ronnie James Dio, que dijo:



Me dijeron a mitad de la gira que abriríamos dos conciertos de Ozzy en Los Ángeles. Y dije: «No. Lo siento, tengo más orgullo que eso». Se estaban diciendo muchas cosas malas desde ambos lados, creando un horrible cisma. Así que el aceptar [la banda] tocar en esos conciertos de L.A. con Ozzy, eso, para mí, significaba una reunión. Y eso, obviamente, suponía la maldición de ese proyecto en particular.[103]



Dio abandonó Black Sabbath después del concierto de Oakland, California, del 13 de noviembre de 1992, la noche antes del concierto que la banda tenía previsto realizar por la jubilación de Ozzy. En el último momento, el vocalista de Judas Priest, Rob Halford, intervino, actuando dos noches con la banda.[105] Iommi y Butler también se unieron a Osbourne y a Bill Ward, el ex batería de la banda, en el escenario, por primera vez desde el concierto de Live Aid de 1985, para tocar unas cuantas canciones del repertorio de Black Sabbath.



miércoles, 24 de julio de 2013

miportadademisemana - BLACK SABBATH

Con motivo del lanzamiento de "13" y que se han reeditado algunos de los discos emblemáticos de Black Sabbath, esta semana la dedicamos a recordar a una de las grandes bandas míticas de la historia, que ha vuelto para publicar un discazo como la copa de un pino.


Extraido de wikipedia (segunda parte).






Master of Reality y Volume 4 (1971 - 1973)[editar]En febrero de 1971, Black Sabbath regresó al estudio para comenzar a grabar su tercer álbum. Tras el éxito de Paranoid, la banda consiguió más tiempo en estudio así como «un maletín lleno de dinero», que los miembros utilizaron para comprar drogas.[33] «Estábamos metidos en la coca, mucho», explicó Ward. «Estimulantes, tranquilizantes, quaaludes, lo que fuera. Llegó al punto de que tenías ideas pero después se te olvidaban, porque estabas muy fuera de ti».[34]




La producción se completó en abril de 1971, y en julio se publicó Master of Reality, sólo seis meses después del lanzamiento de Paranoid. El álbum alcanzó el top diez tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos, donde fue certificado disco de oro en menos de dos meses,[35] alcanzando el disco de platino en los años 1980[35] y el doble platino en el siglo XXI.[35] Master of Reality contiene las primeras canciones acústicas de la banda, así como piezas populares entre los seguidores como «Children of the Grave» y «Sweet Leaf».[36] Aun así, las críticas de la época seguían siendo desfavorables: Rolling Stone, por ejemplo, lo definió como «ingenuo, simple, repetitivo, un absoluto sinsentido», aunque la misma revista lo colocó en 2003 en el puesto 298 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.[37]



Después de la gira mundial de Master of Reality en 1972, Black Sabbath se tomó el primer descanso en tres años. Tal y como Ward explicó: «La banda comenzó a sentirse muy fatigada y cansada. Habíamos estado en la carretera sin parar, año sí año también, girando y grabando constantemente. Creo que Master of Reality fue algo así como el fin de una era, los primeros tres álbumes, y decidimos tomarnos nuestro tiempo con el siguiente álbum».[38]



En junio de 1972, la banda se reunió en Los Ángeles para comenzar a trabajar en su siguiente trabajo en los estudios Record Plant. El proceso de grabación estuvo plagado de problemas, en su mayoría debidos al abuso de sustancias. Mientras trataba de grabar la canción «Cornucopia» después de «sentarse en medio de la habitación tomando drogas»,[39] Bill Ward estuvo a punto de ser despedido de la banda. «Odiaba la canción, había algunos patrones que eran simplemente... horribles», dijo Ward. «Al final la clavé, pero la reacción de todo el mundo era de menosprecio. Era en plan: "Bueno, mejor vete a casa, no nos sirves para nada así". Sentí que la había pifiado, estuve a punto de ser despedido».[40] El álbum fue titulado originalmente Snowblind en honor a la canción del mismo nombre, que trata sobre el abuso de la cocaína. Sin embargo, la compañía discográfica cambió el título en el último momento a Black Sabbath Vol. 4. Según declaró Ward: «No hubo ningún volumen 1, 2 ó 3, así que es un título bastante estúpido».[41]



Black Sabbath Vol. 4 se publicó en septiembre de 1972, y aunque las críticas seguían siendo negativas llegó al disco de oro en menos de un mes,[42] y fue el cuarto álbum consecutivo en alcanzar el millón de copias vendidas en los Estados Unidos.[1] [42] Al disponer de más tiempo en el estudio, en Volume 4 Black Sabbath exploró nuevos sonidos con instrumentos diferentes, como el piano, los instrumentos de cuerda, la orquestación y probó a dividir las canciones en varias partes,[43] tomando influencias del rock progresivo.[26] La canción «Tomorrow's Dream» fue editada como un sencillo (el primero desde Paranoid) pero no consiguió entrar en las listas de popularidad.[44] Tras una extensa gira por los Estados Unidos, la banda visitó por primera vez Australia y, a continuación, pasó por la Europa continental.



Sabbath Bloody Sabbath y Sabotage (1973 - 1976)[editar]Tras la gira mundial de Volume 4, Black Sabbath volvió a Los Ángeles para empezar a trabajar en su siguiente entrega. La banda, satisfecha con Volume 4, quería recrear la atmósfera de grabación y regresó a la Record Plant de Los Ángeles. A causa de las innovaciones de la época en el proceso de grabación, los miembros se sorprendieron de encontrarse con que la habitación que habían usado la última vez había sido reemplazada por un «sintetizador gigante». Alquilaron una casa en Bel Air y comenzaron a componer en el verano de 1973, pero, debido al abuso de sustancias y al cansancio, no fueron capaces de completar ninguna canción. «Las ideas no venían del modo en que venían con Volume 4 y nos desilusionamos mucho», dijo Iommi. «Estaban todos sentados ahí esperando que hiciera algo. Yo simplemente no podía pensar en nada. Y si a mí no se me ocurría nada, nadie hacía nada».[45]





Tony Iommi y Ozzy Osbourne en Australia en 1973.Después de un mes en Los Ángeles sin resultados, optaron por volver a Inglaterra, donde alquilaron el castillo Clearwell en el Bosque de Dean. «Ensayábamos en las mazmorras y era bastante espeluznante pero tenía algo de atmósfera, evocaba cosas, y el material comenzó a salir otra vez».[46] Mientras trabajaban en las mazmorras, Iommi topó con el riff principal de «Sabbath Bloody Sabbath», que dio el tono para el nuevo material. Grabado en los Morgan Studios de Londres por Mike Butcher e inspirándose en los cambios introducidos en Volume 4, las nuevas canciones incorporaban sintetizadores, instrumentos de cuerda y arreglos complejos. El teclista de Yes, Rick Wakeman, colaboró como músico de sesión en la canción «Sabbra Cadabra».[47]



En noviembre de 1973, Black Sabbath publicó Sabbath Bloody Sabbath, disco que fue aclamado por la crítica. En efecto, por primera vez en su carrera, la banda empezó a recibir críticas positivas de la prensa musical generalista. La revista Rolling Stone lo definió como «un asunto extraordinariamente pegadizo», y «nada menos que un completo éxito».[48] Posteriores reseñas, como es el caso de la de Eduardo Rivadavia de Allmusic, mencionan el álbum como una «obra maestra, esencial para cualquier colección de heavy metal», que presenta «una recién hallada sensación de finura y madurez».[49] El álbum se convirtió en el quinto consecutivo del grupo en alcanzar el disco de platino en los Estados Unidos,[50] llegando al número cuatro en las listas británicas y el once en las estadounidenses. La banda comenzó una gira mundial en enero de 1974 que culminó en el festival California Jam en Ontario ante 200.000 personas, junto a otras bandas como Emerson, Lake & Palmer, Deep Purple, Earth, Wind & Fire y Eagles. Parte de este concierto fue emitido por la cadena ABC en Estados Unidos, dando a conocer a la banda ante una mayor audiencia. Ese año la banda rompió el contrato con su representante Jim Simpson y contrató a Patrick Meeham. Este cambio trajo consigo disputas legales con Simpson que provocaron la ausencia de los estudios de grabación de la banda durante dos años.[26]



Black Sabbath comenzó a trabajar en su sexto álbum en febrero de 1975, en los Morgan Studios de Willesden, Inglaterra, con un nuevo representante, Don Arden,[26] y con una clara intención de cambiar el sonido de Sabbath Bloody Sabbath. «Podíamos haber continuado y seguir y seguir, volviéndonos más técnicos, usando orquestas y todo eso que particularmente no queríamos. Nos miramos a nosotros mismos y quisimos hacer un disco de rock; Sabbath Bloody Sabbath no era un disco de rock, realmente».[51] Producido por Black Sabbath y Mike Butcher, Sabotage salió al mercado en julio de 1975. De nuevo, el álbum recibió críticas positivas, ya que Rolling Stone afirmó que «Sabotage no es sólo el mejor álbum de Black Sabbath desde Paranoid, puede que sea el mejor de todos»,[52] aunque posteriores críticos notaron que «la química mágica que hizo álbumes como Paranoid y Volume 4 estaba empezando a desintegrarse».[53]



Sabotage alcanzó el top veinte tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido, pero fue el primer álbum que no consiguió el disco de platino en Estados Unidos, llegando sólo al disco de oro.[54] Aunque el único sencillo del álbum, «Am I Going Insane (Radio)», no consiguió entrar en las listas de éxitos, Sabotage contiene canciones clásicas como «Hole in the Sky» y «Symptom of the Universe».[53] Black Sabbath realizaron una gira mundial con Kiss, pero se vieron forzados a dejarla en noviembre de 1975 tras un accidente de moto en el que Osbourne se lesionó la espalda. En diciembre la compañía discográfica de la banda publicó un álbum recopilatorio de grandes éxitos sin consultárselo a la banda, titulado We Sold Our Soul for Rock 'n' Roll. El disco vendió dos millones de copias en los Estados Unidos.[55]

martes, 23 de julio de 2013

micanciondemisemana - BLACK SABBATH

Con motivo del lanzamiento de "13" y que se han reeditado algunos de los discos emblemáticos de Black Sabbath, esta semana la dedicamos a recordar a una de las grandes bandas míticas de la historia, que ha vuelto para publicar un discazo como la copa de un pino.

 Extraido de wikipedia (primera parte).



Black Sabbath es una banda británica de heavy metal formada en 1968[3] en Birmingham por Tony Iommi (guitarra), Ozzy Osbourne (voz), Geezer Butler (bajo) y Bill Ward (batería). Desde entonces, la banda ha sufrido multitud de cambios de formación, con más de veinticinco antiguos miembros.[4] Formados originalmente como una banda de blues rock llamada en un principio Polka Tulk y posteriormente, Earth, la agrupación incorporó letras sobre ocultismo y terror con guitarras afinadas de modo más grave, cambiando su nombre por Black Sabbath y consiguiendo varios discos de oro y platino en la década de 1970. Al ser una de las primeras y más influyentes bandas de heavy metal de todos los tiempos,[5] Black Sabbath ayudó a desarrollar el género con publicaciones tales como Paranoid, álbum que fue cuatro veces disco de platino.[6] Han vendido más de quince millones de copias sólo en los Estados Unidos.[7]




Ozzy Osbourne fue despedido de la banda en 1979 para ser reemplazado por Ronnie James Dio, antiguo vocalista de Rainbow. Sin embargo, Black Sabbath vio cómo, a lo largo de las décadas de 1980 y 1990, pasaron cuatro vocalistas más: Ian Gillan, Glenn Hughes, Ray Gillen y Tony Martin. La alineación original se reunió en 1997 y publicó un álbum en directo, Reunion, cuya canción «Iron Man» ganó el premio Grammy en 2000, treinta años después de su publicación original en Paranoid. Fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock en el año 2005. La alineación de comienzos de los años 1980 formada por Iommi, Butler, Dio y Vinny Appice se reunió en 2006 bajo el nombre de Heaven and Hell, título sacado del álbum de Black Sabbath del mismo nombre.[8]



El 11 de noviembre de 2011, los miembros fundadores de la banda anunciaron que se reunían de nuevo y que iban a grabar un nuevo álbum.[9] Tocaron como cabezas de cartel en el Download Festival el 10 de junio de 2012, con planes de una gira mundial posterior.[10] Sin embargo, poco después Ward anunció que no iba a participar de la reunión de Black Sabbath a menos que aclarasen temas de contrato. Al día siguiente, el resto de la banda anunció que no tenían más opción que seguir sin él, pero que le dejan las puertas abiertas para un posible regreso

Historia[editar]Formación y primeros años (1967 - 1969)[editar]Tras la ruptura de la banda Mythology en 1967, el guitarrista Tony Iommi y el batería Bill Ward comenzaron a buscar personal para formar una banda de blues rock en Aston, Birmingham. El grupo contrató al bajista Geezer Butler y al cantante Ozzy Osbourne, quienes habían tocado juntos en una banda llamada Rare Breed. En 1968, el nuevo grupo, en el que también estaban el guitarrista Jimmy Phillips y el saxofonista Alan «Aker» Clarke, fue llamado The Polka Tulk Blues Company, nombre tomado de una compañía textil india. Después de acortar el nombre a Polka Tulk, la banda lo cambió por el de Earth y continuó como cuarteto sin Phillips y Clarke.[12] [13]



Earth tocaba versiones de Jimi Hendrix, Cream y Blue Cheer en clubes de Inglaterra, Dinamarca y Alemania, así como largas improvisaciones de blues. En diciembre de 1968, Iommi dejó abruptamente Earth para sustituir a Mick Abrahams en Jethro Tull.[14] Aunque su temporada con esta banda sería corta, le dio tiempo a aparecer con ellos en el programa de televisión The Rolling Stones Rock and Roll Circus. Insatisfecho con la dirección de Jethro Tull, Iommi regresó a Earth en enero de 1969. «Simplemente no estaba bien, así que me fui», dijo Iommi. «Al principio pensé que los Tull estaban bien, pero no fui para tener un líder en la banda, que era el modo de hacer de Ian Anderson. Cuando volví de los Tull, volví con una nueva actitud. Me enseñaron que para progresar tienes que trabajártelo».[15]



Mientras tocaban en Inglaterra en 1969, la banda descubrió que los estaban confundiendo con otra banda llamada Earth, y decidieron cambiar su nombre otra vez. Un cine en la acera de enfrente del local de ensayo de la banda estaba mostrando una película de terror de 1963 dirigida por Mario Bava, con Boris Karloff como protagonista, llamada Black Sabbath (Las tres caras del miedo en español, título original I tre volti della paura). Mientras veía a la gente que hacía cola para ver la película, Butler notó que «era raro ver que la gente gastase tanto dinero para ver películas de miedo».[16] Después de esto escribió la letra de una canción llamada «Black Sabbath», inspirada en el trabajo del escritor ocultista Dennis Wheatley[17] [18] y en una visión que había tenido Butler sobre una figura negra encapuchada a los pies de su cama.[19] Haciendo uso, sin ser conscientes de ello,[20] del tritono, conocido también como el «Intervalo del Diablo»,[21] el sonido siniestro y las oscuras letras de la canción empujaron a la banda en una dirección más oscura,[22] [23] en intenso contraste con la música popular de finales de los años 1960, dominada por el flower power, la música folk y la cultura hippie. Inspirada por ese nuevo sonido, la banda cambió su nombre a Black Sabbath en agosto de 1969[24] y tomó la decisión de centrarse en componer material similar, en un intento de crear el equivalente musical a las películas de terror.



Black Sabbath y Paranoid (1970 - 1971)[editar]Black Sabbath firmó con Philips Records en diciembre de 1969 y publicó su primer sencillo, «Evil Woman», en enero de 1970, a través de Fontana Records, subsidiaria de Philips. Los posteriores lanzamientos se llevaron a cabo a través de la nueva compañía de rock progresivo creada por Philips, Vertigo Records. Aunque el sencillo no entró en ninguna lista de ventas, la banda consiguió dos días en un estudio para grabar su primer álbum con el productor Rodger Bain. Iommi recuerda haber grabado en directo: «Pensamos: "Tenemos dos días para hacerlo y uno de ellos es para mezclas". Así que grabamos en directo. Ozzy estaba cantando al mismo tiempo, sólo lo colocamos en una cabina aparte y nos lanzamos al asunto. Nunca tuvimos una segunda ronda de la mayoría del material».[25]



Black Sabbath, el álbum debut de la banda, salió al mercado el viernes 13 de febrero de 1970. Alcanzó el octavo puesto en el UK Albums Chart[26] y, tras su publicación en Estados Unidos en mayo de 1970, alcanzó el veintitrés en el Billboard 200, donde permaneció durante más de un año.[1] [27] El disco fue un éxito comercial pero fue duramente criticado por los medios; así, Lester Bangs, el crítico de la revista Rolling Stone, llegó a definirlo como «improvisaciones discordantes con el bajo y la guitarra rodando como obsesos de la velocidad pasados de rosca sobre los perímetros musicales del otro, aunque sin encontrar nunca del todo la sincronización».[28] Desde entonces ha sido certificado como disco de platino en Estados Unidos y en el Reino Unido.[29] [30]



Para aprovechar el éxito de público que habían tenido en Estados Unidos, la banda regresó rápidamente al estudio en junio de 1970, cuatro meses después de publicar Black Sabbath. El nuevo álbum iba a llamarse War Pigs por la canción «War Pigs», que criticaba la guerra de Vietnam. Sin embargo, Warner Bros. cambió el título a Paranoid por miedo a represalias de los partidarios de esa guerra. El primer sencillo extraído del álbum, «Paranoid», se escribió a última hora en el estudio. Como explica Bill Ward: «No teníamos suficientes canciones para el álbum y Tony empezó a tocar el riff de «Paranoid» y eso fue todo. Nos llevó veinte, veinticinco minutos del principio al final».[31] El sencillo fue publicado antes que el álbum, en septiembre de 1970, y alcanzó el cuarto puesto en las listas británicas, convirtiéndose en el único sencillo de la banda en llegar al top ten.[27]



Black Sabbath publicó su segundo álbum, Paranoid, en octubre de 1970. Impulsado por el éxito del sencillo, el álbum escaló hasta el número uno en el Reino Unido.[26] La publicación en Estados Unidos se retrasó hasta enero de 1971, ya que Black Sabbath aún estaba en las listas cuando Paranoid salió en el Reino Unido. Paranoid entró entre los diez primeros en marzo de 1971 en Estados Unidos y vendió cuatro millones de copias,[32] sin casi apoyo radiofónico.[27] De nuevo los medios criticaron el disco, aunque los críticos actuales lo califican como «uno de los más grandes e influyentes álbumes de heavy metal de todos los tiempos, que definió el sonido y estilo del heavy metal mejor que ningún otro disco en la historia del rock».[6] El éxito de Paranoid permitió a la banda realizar la primera gira por los Estados Unidos en diciembre de 1970, lo que provocó la publicación del segundo sencillo, «Iron Man». Aunque no consiguió entrar en el top cuarenta, «Iron Man» permanece como una de las canciones más populares de la banda, así como el sencillo que más alto llegó en las listas estadounidenses hasta «Psycho Man» en 1998.[1]



lunes, 22 de julio de 2013

midiscodemisemana - BLACK SABBATH - 13 (2013)

Deben ser los calores de verano que le vuelven a uno algo más vago, pero esta semana de mi puño y letra van a leer muy pocas líneas.
Otra razón también podría ser que voy a dedicarme a homenajear toda esta semana a Black Sabbath, y poco puedo añadir a las millones de entradas que hay en internet sobre esta legendaria banda, que ha sorprendido a propios y extraños con un disco en 2013 que es toda una pasada.
"13" es un disco actual, contemporáneo, pero que tiene puesta la vista en los 70. Nadie daba un duro por ellos, otro disco de reunión para hacer una gira y llenarse los bolsillos.... Pero no, entre ellos y el productor Rick Rubin (con la colaboración del bateria de Rage Against the Machine), han creado 53 minutos gloriosos que ya están entre lo mejor de Black Sabbath.

Este homenaje podría ser por este motivo, su nuevo disco, pero lo que realmente me motivo a dedicar toda la semana a Black Sabbath fue que se han reeditado a precio de risa algunos de sus álbumes legendarios. Ni corto ni perezoso me hice con todos ellos, 8 en total, algunos de ellos de los mejores de su discografía.
Por entonces, yo disfrutaba de sus riffs en dos grabaciones piratas, una de los mejores temas de Black Sabbath y otra con sus dos primeros discos.

Estos discos que compré por un precio de risa me tienen enganchado desde hace 2 semanas, y por eso este recuerdo a una de las bandas más grandes de la historia. Añadiré sus portadas en las próximas entregas, acompañado del socorrido wikipedia que abarca este periodo, y que justamente termina cuando empezaba su época más gris musicalmente hablando.

De momento, aqui tienen una de las innumerables críticas estupendas de "13". Vuelven los maestros, posiblemente para volver a desaparecer ya indefinidamente (la edad no perdona), pero han dejado un legado increible de canciones y un final más que digno con "13".




extraido de eltruenometalico.com

Artista: BLACK SABBATH


Álbum: 13

Estilo: Traditional Doom/Heavy Metal

Sello: Vértigo Records

Fecha: 10 de junio de 2013

Nota: 10/10



Una de las reuniones más soñadas y esperadas del metal durante décadas por fin logra materializarse en un álbum de estudio y bajo el nombre de 13. Por desgracia a diferencias internas, económicas o vaya uno a saber falta Bill Ward miembro original y fundamental que quedó fuera, impidiendo que este regreso sea completo y perfecto. Los más acérrimos pudimos disfrutar del Line-up completo en 1998 pero solo obtuvimos un disco en vivo y un álbum de estudio que nunca se concretó. Tony Iommi el padre del riff y BLACK SABBATH máximos responsables de colocar la piedra basal del Heavy Metal vuelven de las tinieblas 35 años después con un disco que no me cabe ninguna duda se transformara automáticamente en otro clásico de la banda y del metal.



En este magnífico regreso vamos a poder paladear el sonido de los primeros discos de la banda tales como Black Sabbath (1970), Paranoid (1970), Masters Of Reality (1971) y Volumen 4 (1972) pero actualizado al siglo XXI. Dotado de un sonido oscuro, denso, pesado, que se nutre de forma continúa básicamente del magistral corte llamado BLACK SABBATH. Con ese sonido Doom del cual fueron también creadores tan presente en Sleeping Village, Hand Of Doom o Iron man es lo que abundan en este trabajo. Vamos a poder disfrutar también de complejas composiciones, con cambios de ritmo y virtuosos solos de la poderosa mano del maestro Iommi como supo deleitarnos en su momento con War Pigs, Wheels Of Confussion o la monstruosa Megalomania.



Al álbum no le falta nada, los riff tan característicos, eléctricos y estridentes con esa carga de oscuridad que provienen de su baja afinación son para el deleite máximo es como viajar atrás en el tiempo 40 años. Al que más desconfianza le tenía es a Ozzy que sinceramente ha realizado un trabajo vocal digno (seguro que más de un filtro digital paso por su voz) recuperando ese sentimiento maligno, sombrío y depresivo que en su momento fuera su insignia vocal. Tema `por el cual se lo está criticando demasiado y no le encuentro sentido ya que nunca fue una maravilla como cantante y menos ahora con su edad y después de volver cientos de veces del infierno. Yo al menos no disfrutaba tanto de su voz desde No More Tears (1991). El bajo de Geezer Butler siempre tan personal, robusto y contundente formando una base rítmica junto a Brad Wilk (Rage Against The Machine, Audioslave) quien ha sido un sustituto ideal de Ward, castigando su kit con una precisión quirúrgica, combinando técnica y fuerza de manera muy correcta. También sobre él se están abalanzando como fieras salvajes criticándolo muy dura e injustamente, y vuelvo a recordar que Bill Ward nunca fue Neil Peart. Por lo menos escuchen la labor de este gran baterista antes de opinar y si dudan escuchen The Battle Of Los Angeles (2000) que es una muestra de la calidad de este músico. La portada muy distinta a las que nos tenía acostumbrados la banda es un excelente reflejo de la oscuridad que incuba en su interior este redondo, pero me ha gustado bastante. Y por último una impecable producción a manos del famoso Rick Rubin (Slayer, Metallica, AC/DC, etc, etc) hacen de este 13 un disco con mayúsculas.



Las puertas del inframundo se abren para ser atravesadas por el escalofriante riff del intro de “The End Of The Beginning”. Esto es BLACK SABBATH en estado de máxima pureza, con ese sonido Doom tan genuino e inconfundible. El riff desaparece pero de las cuerdas de Iommi siguen destilando notas que nos hacen respirar el miedo en la atmosfera. Ozzy entra en escena con una acerta frase… “Is this the end of the beginning or the beginning of the end”… ojalá sea el comienzo de algo que dure varios años más. Lo que sigue es lo que siempre esperamos volver a oír, compas lento, batería sólida, riff oscuro y la vil voz de Osbourne nos sumergen en lo más profundo del mundo. La atmosfera se quiebra con un brusco cambio de ritmo y la velocidad aumenta en una cabalgata única sobre una base rítmica sólida como el mejor acero inglés, seguido de un solo de Tony. Interludio más melódico y el final viene de la mano de otro complejo y trabajado punteo mientras Wilk golpea muy duro con Butler sin perderlo de vista un solo segundo. Un comienzo de muchísima altura!!!!



La pesadilla musical continúa y seguimos respirando miedo en el aire gracias a las melancólicas notas que dan comienzo a “God Is Dead?”. Este corte continuo explotando esa vena siniestra que tanto anhelaba volver a escuchar de estos genios. Esos compases tan característicos que da la sensación que el tema se arrastra sigilosamente detrás de tu espalda y cuando explota el riff principal se te abalanza para atacarte. El bajo de Butler suena de maravilla en este corte como un látigo azota sin cesar. Los primeros minutos son oscuridad absoluta y el final es a toda caña con un riff que me dan ganas de tomar el micrófono como lo hace el viejo Ozzy y sacudir mi cabeza hasta que me duela. Y la letra …”Rivers of evil, run through dying land, swimming in sorrow, they kill, steal, and borrow. There is no tomorrow. For the sinners will be damned”… cualquier fragmento alcanza para saber que siguen siendo los mismos de siempre.



La segunda parte de N.I.B.la vamos a encontrar en “Loner”, no vaya a pensar que es un auto plagio porque está muy lejos de serlo, su riif entrecortado y el bajo de Geezer palpitando a la par con mucha fuerza le rinden un grato homenaje a aquella magnifica pieza. Corte más hardrockero que los anteriores y con más luz pero conservando esa personalidad que solo Iommi sabe marcar en sus riff tan personales.



“Zeitgeist”marca el punto melódico y acústico del álbum, en una combinación de delirios místicos e hipnotizantes ritmos que es como navegar sobre mares de LSD, trayendo a mi mente, esas frágiles melodías del flower power y la cultura hippie de finales de los 60. Seguro a más de uno les recordara a Planet Caravan y Solitude .Ideal para desparramarse en un sofá, poner tu mente en blanco, dejar que su magia te cautive y te traslade en un viaje sideral sin rumbo ni destino.



Con “Age Of Reason”reaparecen los tempos lentos, duros, oscuros y de gran carácter progresivo liderados por una base rítmica compacta donde Brad Wilk pega con mucha fuerza y realiza una gran labor recordando los duros toques de Ward. Hacia el minuto 3:30 la mejor sección rítmica del track explota con muchísima fuerza dada por la potente combinación de los batacazos de Wilk y el enorme riff del maestro en un gran despliegue técnico. Y casi finalizando un solo de lujo que es respaldado por unos teclados que le dan un aire épico muy atractivo para cerrar con un final imponente.



“Live Forever” nos levanta como patada en el culo de la silla con su contundente riff de inicio para meternos de lleno en una descarga de puro Heavy metal, veloz, rítmico y machacón con unas guitarras que suenan durísimas y un trabajo tras los parches de Wilk demoledor muy en la línea de Children Of The Grave. Muy clásico, muy 70 pero con la fuerza y la garra actual del metal. Es para destacar la dureza del riff en todo momento y la facilidad que tiene Tony para adaptar su sonido a la década que sea sin problema alguno dejando a cualquier banda actual reducidos a niños de pecho.



La velocidad baja y regresan los tempos lentos y oscuros con “Damage Soul”, corte que posee un aroma a blues rock de principios de los 70 enorme, pero bañado con esa magia negra que solo los de Birmingham saben imprimir, un trabajo de percusión increíble siendo a mi gusto uno de las mejores demostraciones de que Brad ocupa su puesto con altura. Presten atención en la primera parte del track a los redobles de la caja, la contundencia en cada golpe y el acompañamiento en los dos primeros solos que se despacha Iommi traídos desde el delta del Mississipi pero poseídos por su endiablado estilo. La segunda parte marca un cambio de ritmo importante con más velocidad, un gran punteo, percusión durísima y un acompañamiento de Ozzy con la armónica lo convierten en uno de las mejores ejecuciones del álbum. Esperar 35 años para esto realmente valieron la pena!!!



Cerrando lo que es la versión estándar se encuentra otra de las composiciones más sobresalientes del álbum, “Dear Father”. Otra de esas composiciones de BLACK SABBATH que logran erizarme los pelos de la nuca gracias a su grueso sonido, densidad y lento caminar sumado a la amarga melodía de su estribillo y el negro sonido de las seis cuerdas. El bajo suena muy presente y con mucho peso, nuevamente Brad se sale en la percusión haciendo que a esta altura no pensemos en Bill Ward. A mitad de camino quiebre de tempo y cabalgata sobre un vertiginoso riff para luego sumergirnos en ese sonido doom pantanoso de toda la vida. Y creo que con intención, rematan el final del corte con el sonido de una tormenta y el redoble de una campana a lo lejos cerrando un círculo conectando directamente con el primer tema de su álbum debut.



Como tuvimos que esperar demasiadas décadas para este nuevo material todo lo que editen es para no dejarlo pasar por eso los bonus track merecen especial atención.



El primero es “Methademic”de intro acústica seguida de una rabiosa descarga de heavy metal hecho con mayúsculas, recordándome vagamente a Never Say Die!. Moviéndose a altas revoluciones sobre una base rítmica muy sólida la banda nos regala una simple, directa pero abundante descarga de adrenalina en forma de una buena dosis de riff de alto octanaje, uno de los cortes más heavy de este regreso. Yo la hubiese incorporado a la edición normal porque lo vale.



El siguiente extra es “Peace Of Mind”más relajada que la anterior pega duro con su ritmo entrecortado y el muro formado por el bajo y la batería otra vez brilla con luz propia sonando con mucho peso. Es un corte que no dice mucho pero suena potente y duro, sabia decisión en dejarlo fuera.



“Pariah”es otro diamante en bruto que debería estar junto a los 8 tracks anteriores, ya que es otra demostración de que estos hombres de negro están de regreso con una energía, madurez y una fuerza a la cual el paso del tiempo parece no haberles afectado. El riff simplemente es una topadora que te pasa por encima, Tomy sabe cómo hacer sonar las seis cuerdas de su mítica Gibson SG y sumergirnos en un éxtasis metalero único. Bajo, guitarra y batería fusionados en una bola sonora que arrasa sin dejar nada en pie…..para sacarse el sombrero!.



“Naivete In Black” se aleja del espíritu de de 13, ya que es una buena descarga de heavy metal muy potente, rápida, de guitarra filosa muy en el estilo del metal de los 80 y que se aproxima más a la era Dio que a la de Ozzy, pero igualmente no deja de ser una composición digna de escuchar y sacudir la cabeza como loco enajenado a la par de los endemoniados riff del multifacético Tony Iommi



Muchos dijeron que este trabajo era más de lo mismo, que no tenia nadad de novedoso, que es denso, lento y aburrido. Yo pregunto ¿Qué esperaban? ¿Un hibrido entre Paranoid (1970), Heaven And Hell (1980) y Headless Cross (1989)? ¿Esperaban que re-inventaran el Heavy Metal?



13 es un trabajo enorme, el más oscuro de su discografía, y uno de los mejores regresos que tuve la suerte de presenciar. Un disco compacto, sin fisuras, completo, clásico pero a la vez moderno, mostrándonos una banda fiel a su sonido pero renovado, superando así ampliamente mis expectativas. 13 nos ha devuelto a los “primitivos”, “originales” y “reales” BLACK SABBATH… ¿Por qué digo esto? Porque mas allá de obras maestras como Heaven And Hell (1980), Mob Rules (1981), Headless Cross (1989) o Tyr (1990) los cuales son sin lugar a dudas joyas invaluables del heavy metal que yo mismo admiro profundamente, estos tres hombres fueron los responsables de transformar a BLACK SABBATH en una leyenda y los creadores de ese sonido tan único como inimitable e irrepetible.



La “LEYENDA” y el “SONIDO” están de regreso…..



Componentes:



Tony Iommi – Guitarra

Ozzy Osbourne – Voz

Geezer Butler – Bajo

Brad Wilk –Batería



Tracklist:



01. End of the Beginning 08:07

02. God Is Dead? 08:54

03. Loner 05:06

04. Zeitgeist 04:28

05. Age of Reason 07:02

06. Live Forever 04:49

07. Damaged Soul 07:43

08. Dear Father 07:06



Bonus tracks (Deluxe Edition)



09. Methademic 05:27

10. Peace of Mind 03:40

11. Pariah 05:34

12. Naivete In Black 03:50





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