martes, 16 de abril de 2019

Coleccionando vinilos - 146 - QUEEN "Greatest hits" (1981)


Que haya tenido que esperar a que un amigo me regale este vinilo por mi cumpleaños de 2018 para que mi colección tuviera un vinilo de Queen, es de traca, que diría Joaquin Reyes.

Ahora que lo tengo y que hago esta entrada, me doy cuenta del sacrilegio. Su época más gloriosa me pilló en mi época más rockera o punk si se puede decir y sus largos desarrollos y otras excentricidades me desesperaban un poco, pero que narices, con el tiempo, me parece  un grupazo, uno de los mejores y encima de que mejor manera que aparecer en esta colección con su GREATEST HITS, su disco más vendido  y de hecho el disco más vendido en el Reino Unido.

Luego llegaron un greatest hits II y III ya con el boom del cd... pero este doble vinilo es pura golosina y que empieza con la mejor canción de la historia.


Escribir mucho más es retrasar que lean cosas más sustanciosas que mis textos. Porque información de la banda, de este disco y de la canción tienen para dar y tomar.

Es uno de los álbumes más vendidos de la historia, con unas ventas aproximadas de 25 millones de copias en todo el mundo. En el Reino Unido es el disco más vendido de la historia, con unas ventas aproximadas de 6 millones de copias y más de 20 discos de platino.Greatest Hits es el primer álbum compilatorio de la banda de rock Queen, aparecido en 1981. En él se reúnen los éxitos de la banda entre 1973 y 1981. Esta lista corresponde a la edición en el Reino Unido. En otros países tuvo diferentes canciones (en algunos incluyeron "Under Pressure", mientras que en otros está en el Greatest Hits II, y en otros lo incluyeron en ambos álbumes). Llama la atención que la banda haya marginado a su disco debut de la lista de temas del álbum, esto probablemente se haya debido a que "Queen I" no logró ningún gran hit comercial al margen de los temas considerados como clásicos por los fans, como ser Keep Yourself Alive o Liar.

Lista de canciones[editar]


Edición 1981 Reino Unido
N.ºTítuloEscritor(es)Duración
1.«Bohemian Rhapsody» (de A Night at the Opera, 1975)Freddie Mercury5:55
2.«Another One Bites the Dust» (de The Game, 1980)John Deacon3:36
3.«Killer Queen» (de Sheer Heart Attack, 1974)Freddie Mercury2:57
4.«Fat Bottomed Girls» (versión de sencillo, de Jazz, 1978)Brian May3:22
5.«Bicycle Race» (de Jazz, 1978)Freddie Mercury3:01
6.«You're My Best Friend» (de A Night at the Opera, 1975)Deacon2:52
7.«Don't Stop Me Now» (de Jazz, 1978)Freddie Mercury3:29
8.«Save Me» (de The Game, 1980)May3:48
9.«Crazy Little Thing Called Love» (de The Game, 1980)Freddie Mercury2:42
10.«Somebody to Love» (de A Day at the Races, 1976)Freddie Mercury4:56
11.«Now I'm Here» (de Sheer Heart Attack, 1974)May4:10
12.«Good Old-Fashioned Lover Boy» (de A Day at the Races, 1976)Freddie Mercury2:54
13.«Play the Game» (de The Game, 1980)Freddie Mercury3:33
14.«Flash» (versión de sencillo, de Flash Gordon, 1980)May2:48
15.«Seven Seas of Rhye» (de Queen II, 1974)Freddie Mercury2:47
16.«We Will Rock You» (de News of the World, 1977)May2:01
17.«We Are the Champions» (de News of the World, 1977)Freddie Mercury2:59
57:20


Aprovechando los 40 años de Queen, LA VANGUARDIA publicaba este interesante artículo.

Queen se ha convertido con el paso del tiempo en una leyenda de la historia de la música, es decir, en una de esas categorías que sirven para muchas cosas, pero no todas buenas. Porque lo de legendario no significa obligatoriamente calidad, y sí habitualmente méritos extramusicales. De Queen también se ha dicho y escrito que era una banda que poseía uno de los directos más personales e impactantes de la historia de la música popular, lo que de nuevo puede referirse a atributos que casan tanto con categorías escénicas y teatrales como con musicales. Es cuando el punto de mira se afina y se centra en la figura del cantante y compositor del grupo británico, Freddie Mercury, cuando las lisonjas adquieren una dimensión más poliédrica, intensa… y musical. Con Mercury, en efecto, el aficionado, el ciudadano anónimo o el entregado fanático se topa con un músico y un intérprete de incontestables méritos propios, poseedor de una fuerza escénica y una voz francamente colosales.
No hay duda, de todos modos, de que las historias y los caminos del grupo y el líder son casi indisociables, y ello hace que ocasiones como los aniversarios, la edición de discos recopilatorios, las biografías librescas o los panegíricos de toda índole tenga como referencia indistinta a Mercury o a Queen. Así ocurre, sin ir más lejos, este año 2011 en el que se conmemoran tres hechos bien distintos entre sí. En primer lugar, el 65.º aniversario del nacimiento de Farok Bulsara nombre real de Freddie Mercury, en Zanzíbar (5 de septiembre). En segundo lugar, el 40.º aniversario de la constitución de Queen, banda formada por el propio Mercury amén del guitarrista Brian May, el batería Roger Taylor y el bajista John Deacon. Y en último lugar, el 20.º aniversario del fallecimiento del propio Freddie Mercury (24 de noviembre) en Londres.
La eclosión, la formación, el embrión del cuarteto fue producto de su tiempo. A finales del decenio de 1960 existía un grupo de rock británico que respondía por Smile (sonrisa), entre cuyos miembros se encontraban los mencionados May y Taylor. En 1971, había un cantante apellidado Bulsara que era muy fan de ese grupo. Finalmente acabó integrándose en él, cambiando su nombre por el de Freddie Mercury y variando el de la banda al de Queen. ¿Por qué Queen? Un nombre enraizadamente británico, sin duda, pero también con evidentes connotaciones gais, que sus compañeros de proyecto acogieron entonces con muchas, muchas, reservas. Dijo el propio Mercury en su día que “evidentemente era consciente de las connotaciones gais, pero ese era sólo un aspecto posible”.
Luego reclutaron a un bajista llamado John Deacon y en 1973 debutaron discográficamente con el primero de una serie de álbumes increíblemente exitosos. Con ese disco, titulado como el nombre del grupo, Queen fue poco a poco conceptualizada como una especie de “banda diferente” porque “traía una bocanada de aire fresco, nuevo, al mundo del rock”. Las opiniones de la revista musical Melody Maker , pero que representaban la opinión unánime de la prensa especializada, incidían de modo especial en que “el grupo inglés es sobre todo conocido por el extravagante cantante solista, Freddie Mercury, cuyo dramático estilo vocal y sus payasadas sobre el escenario constituyen el grueso de la personalidad y la reputación de la banda, voluntaria o ­involuntariamente”.
Al grupo le costó un tiempo superar una imagen preconcebida, un apriorismo inamovible, que mediatizaba e infravaloraba sus notables méritos musicales y su indudable talento para la composición; una vez rotos esos automatismos valorativos, apareció y se entendió en toda su extensión el estupendo, variado e imaginativo cancionero que les avalaba: pocas bandas y solistas de la época habían reunido una artillería que incluía desde un sorprendente experimento operístico como Bohemian Rhapsody a canciones para todos los gustos y estados de ánimo como Somebody to LoveFat Bottom GirlsWe Will Rock You/We Are the ChampionsCrazy Little Thing Called Love o ese popularísimo himno para los estadios de fútbol titulado Another One Bites the Dust.
El grupo emergió en una de las épocas más fructíferas de la música popular británica moderna. En el arranque del decenio de los setenta, el pop y el rock aún se encontraban con unas constantes vitales y artísticas estupendas, y la new wave y el punk aún tardarían unos años en asomar las orejas y, más tarde, convertirse en las estilísticas preferidas de las jóvenes generaciones. Pero en el momento de la formación del cuarteto, los vientos aún soplaban siguiendo las coordenadas de siempre, la industria discográfica aún era un mastodonte pesado y los recién llegados tenían que abrirse paso demostrando oficio y méritos propios. Así que a partir de aquel fundacional 1971 el grupo se dedicó a tocar y a girar por infinidad de clubs y colegios de la zona londinense durante casi un par de años, antes de comenzar a ponerse a grabar su primer disco de estudio. Lo acabaron a finales de 1972, pero lo único que habían encontrado era una escuálida oferta de una discográfica. Cuando, llegado el verano del año siguiente, vieron que el panorama seguía siendo el mismo, Mercury, May y compañía decidieron editarse ellos mismos su primer vinilo. Queen, el disco, encerraba dentro de sus estrías una atractiva mezcolanza de rock duro y heavy metal, y se desenvolvió con prestancia razonable en los hit parades de Gran Bretaña (el puesto 24) y Estados Unidos (el 84: según los entendidos, nada mal para una primera obra de “esos británicos desconocidos”). Fue entonces cuando la hasta entonces infructuosa búsqueda de casa discográfica con cara y ojos se desempató, y en un lapso de tiempo récord firmarían con la todopoderosa EMI –el sello de los Hollies, de los Beach Boys, de Frank Sinatra, pero sobre todo de Pink Floyd y de los Beatles–.
Las cosas empezaron a acelerarse para todos, y sólo ocho meses más tarde de la publicación del primer plástico, apareció en el mercado Queen II , un sorprendente y sólido álbum conceptual de rock de tintes progresivos: la anterior prestancia en las listas de éxitos se tornó en optimismo más que justificado en Gran Bretaña (el 5) y Estados Unidos (el 49). La canción Seven Seas of Rhye se encaramó a los puestos más altos de la lista de singles más populares.
El salto definitivo al estrellato planetario sobrevino cuando la banda se lanzó a la conquista del mercado y del aficionado norteamericano. Cuando a finales de 1974 publicaron el aclamado Sheer Heart Attack, un álbum que se vendió como rosquillas y que contenía una burbujeante ristra de canciones, como Killer Queen. Con ese material, la banda decidió cruzar el Atlántico, y una vez allí protagonizaron una gira de enorme enganche popular, pero de críticas para todos los gustos. Por ejemplo, en el respetado The New York Times se les describió como un cuarteto británico que practicaba una música “escasamente superoriginal”, aunque evidentemente “había tocado una fibra que iba a permitir a Queen reinar bastante felizmente en este área”.
Como a veces las evidencias son tozudas, un año después la formación alcanzó lo más alto del hit parade de álbumes de Estados Unidos con el memorable A Night at the Opera, una de las obras cumbre de Queen, que incluía la entretenida I’m in Love with my Car, la pizpireta You’re my Best Friend, así como dos piezas escritas por el a menudo infravalorado Brian May como ‘39 y The Prophet’s Song, y un auténtico bombazo como Bohemian Rhapsody, que era un hasta entonces insólito “cruce de la introspección y el halo operístico de Gilbert & Sullivan”, en opinión de un crítico de la revista no menos sesuda Time.
En términos cuantitativos pero también de evolución musical, todo lo que vendría después sería una ascensión imparable hasta lo más alto. Las siguientes obras discográficas firmadas por el grupo inglés –Sheer Heart Attack (1974), A Night at the Opera (1975), A Day at the Races (1976), News of the World (1977), Jazz (1978) y The Game (1980)– constituirían el núcleo, la columna vertebral, de lo mejor y más exitoso de su patrimonio discográfico. Ninguna de estas referencias bajaría del 6.º lugar de los charts estadounidenses y todas entraron en el Top 5 de Gran Bretaña (de ellas, tres se colocaron en la cima). En una fecha como 1995, con Freddie Mercury fallecido cuatro años antes, Queen contaba en su historial con siete álbumes que habían sido números uno, entre ellos dos compilaciones diferentes de Greatest Hits editadas por dos empresas discográficas distintas. En fin, los amantes del grupo y de las estadísticas ya conocen lo que asegura el libro Guinness de los récords, es decir, que los álbumes del grupo han permanecido en las listas de éxitos del Reino Unido más tiempo (26 años y siguen contando...) que ningún otro grupo o solista, y que uno de sus Greatest Hits es el álbum que más ha vendido en la historia de Gran Bretaña, con más de 600.000 copias de diferencia sobre el segundo clasificado, que no es otro que el Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, de los Beatles.
Todas las narraciones tiene una conclusión. En este caso, es tan obvia como necesaria, porque la dimensión del hecho musical y del fenómeno social que representó Queen no se entendería, en absoluto, sin tener en cuenta el, llamémosle, factor Freddie . Sin olvidar lo más evidente e inconfundible del líder del grupo, es decir, su poderosa voz (alcanzaba las cuatro octavas, extremo muy poco habitual en el terreno del pop-rock), Freddie Mercury era un compositor de melodías y escritor de letras de primera magnitud, así como un consumado, excepcional, showman sobre el escenario. De su pluma y su cerebro, o de donde fuera, surgieron algunas de las piezas más celebradas de la banda, como Bohemian RhapsodyKiller Queen o We Are the Champions (de los 17 cortes incluidos en ese Greatest Hits, una decena llevan su rúbrica), y todo ello con un empleo brillante de las rítmicas más variadas, como rockabilly, rock progresivo, heavy metal, gospel, disco y, claro está, pop. Su muerte –joven todavía, pero en circunstancias mediáticamente escabrosas– dejó intacta su indiscutible persona musical, rica y trabajada con brillantez. A partir de ese momento, nació la leyenda.



El disco más vendido en el Reino Unido, esta noticia extraída de emol.com habla de ello.

"Greatest Hits" de Queen es el disco más vendido de todos los tiempos en el Reino Unido
El álbum compilatorio del cuarteto liderado por Freddie Mercury es el único trabajo discográfico que ha superado los seis millones de ventas en ese territorio. 

En la lista también aparecen artistas como The Beatles, Abba y Michael Jackson. Adele es la única artista de esta década en el Top 20. 

05 de Julio de 2016 | 15:07 | Emol 16 

La lista oficial de ventas de discos del Reino Unido va a cumplir 60 años este mes, momento que sirve para revisitar el ránking de los álbums más vendidos en el período. Según Billboard, el honor de ser el trabajo discográfico más vendido en ese territorio en la historia es Greatest Hits de Queen, que acumula 6,1 millones de copias despachadas desde 1981, y es el único en superar la marca de los 6 millones. En la lista lo sigue ABBA con Gold: Greatest Hits y The Beatles con su Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. En cuarto lugar está Adele con 21. El disco editado en 2011 es el único disco de esta década en el Top 20 (aparece nuevamente en el puesto 27 con 25, publicado el año pasado). En el puesto 5 está Oasis con (What’s The Story) Morning Glory? Michael Jackson se queda con los lugares sexto y noveno con Thriller y Bad, respectivamente, mientras que Pink Floyd apafrece en el puesto 7 con The Dark Side of the Moon: el único disco de la lista que jamás ha salido de los 60 más vendidos. Dire Straits se queda con el octavo lugar con Brothers in Arms. Queen cierra el Top Ten con Greatest Hits II de 1991. Amy Winehouse aparece recién en el lugar 13 con Back to Black, mientras que los únicos discos lanzados esta década son que aparecen en el listado son 25 de Adele, X de Ed Sheeran (49) y Progress (57) de Take That. Es justamente sus álbums en esta boyband lo que ayuda a Robbie Williams a convertirse en la persona que más aparece en la lista al sumar Never Forget – The Ultimate Collection (59), además de sus discos solistas I’ve Been Expecting You (48) y Swing When You’re Winning (56). Take That acumula tres menciones con Beautiful World (34), su primer trabajo sin Williams. Por su parte, Coldplay también tiene tres discos en la lista y además de Queen, Jackson y Adele, The Beatles, Dido, ABBA, Paul Simon (contando a Simon & Garfunkel) y Fleetwood Mac hacen dos apariciones. 

Los 60 discos más vendidos en la historia en Reino Unido Disco Artista Año 1 Greatest Hits Queen 1981 2 Gold - Greatest Hits Abba 1992 3 Sgt Pepper'S Lonely Hearts Club Band The Beatles 1967 4 21 Adele 2011 5 What'S The Story Morning Glory Oasis 1995 6 Thriller Michael Jackson 1982 7 The Dark Side Of The Moon Pink Floyd 1973 8 Brothers In Arms Dire Straits 1985 9 Bad Michael Jackson 1987 10 Greatest Hits II Queen 1991 11 Rumours Fleetwood Mac 1977 12 The Immaculate Collection Madonna 1990 13 Back To Black Amy Winehouse 2006 14 Stars Simply Red 1991 15 Come On Over Shania Twain 1997 16 Legend Bob Marley & The Wailers 1984 17 Back To Bedlam James Blunt 2004 18 Urban Hymns The Verve 1997 19 Bat Out Of Hell Meat Loaf 1977 20 1 The Beatles 2000 21 Bridge Over Troubled Water Simon & Garfunkel 1970 22 Dirty Dancing Original Soundtrack 1987 23 Spirit Leona Lewis 2007 24 Crazy Love Michael Buble 2009 25 No Angel Dido 2000 26 White Ladder David Gray 1998 27 25 Adele 2015 28 Talk On Corners Corrs 1997 29 Spice Spice Girls 1996 30 The Fame Lady Gaga 2008 31 A Rush Of Blood To The Head Coldplay 2002 32 Life For Rent Dido 2003 33 Only By The Night Kings Of Leon 2008 34 Beautiful World Take That 2006 35 Hopes And Fears Keane 2004 36 The Joshua Tree U2 1987 37 The War Of The Worlds Jeff Wayne 1978 38 Scissor Sisters Scissor Sisters 2004 39 But Seriously Phil Collins 1989 40 X&Y Coldplay 2005 41 Jagged Little Pill Alanis Morissette 1995 42 Tubular Bells Mike Oldfield 1973 43 The Man Who Travis 1999 44 Tracy Chapman Tracy Chapman 1988 45 Parachutes Coldplay 2000 46 Greatest Hits Abba 1975 47 Grease Original Soundtrack 1977 48 I'Ve Been Expecting You Robbie Williams 1998 49 X Ed Sheeran 2014 50 Come Away With Me Norah Jones 2002 51 Graceland Paul Simon 1986 52 The Sound Of Music Original Cast Recording 1965 53 Ladies & Gentlemen - The Best Of George Michael 1998 54 Tango In The Night Fleetwood Mac 1987 55 The Marshall Mathers LP Eminem 2000 56 Swing When You'Re Winning Robbie Williams 2001 57 Progress Take That 2010 58 Eyes Open Snow Patrol 2006 59 Never Forget - The Ultimate Collection Take That 2005 60 Automatic For The People REM 1992 Fuente: Official Charts Company



BOHEMIAN RHAPSODY





Y si no lo sabíais pues aqui os lo cuento yo, acabaís de escuchar la mejor canción de la historia. Asi de simple.

En muchos sitios, entre ellos darbaculture.com así lo dicen






Qué difícil es elegir una canción entre todas, y qué relativo es. ¿Quién tiene derecho a dictaminar por regla cuál es la mejor canción de la historia? Nadie. Al igual que nadie puede decir a ciencia exacta cuál ha sido la mejor película de todos los tiempos, el mejor jugador de fútbol, la mejor playa o el mejor culo.
Las artes son el paradigma de la subjetividad, y por tanto no hay ciencia alguna o datos que corroboren la versión de nadie. Todo se basa en opiniones, aunque claro, algunas valen más que otras.
Volvamos al tema en cuestión. Bohemian Rhapsody no es la mejor canción de la historia, porque no soy nadie para dictar algo así. Es mi favorita. Pero si pusiera eso en el título, seguramente no te hubieras parado a leer estas líneas.
He investigado un poco sobre la canción, su origen, sus anécdotas y su por qué, y todo lo que he leído ha servido para convencerme que sí, que he dado con la mejor canción de todas. Y como en tantas ocasiones, he querido compartirlo con todo interesado. Aquí van:

1.- Por su estructura

La canción no tiene estribillo, no es de ningún estilo en concreto, y su estructura es más propia de la rapsodia (de ahí lo de Rhapsody) que de una canción popular, pero te entretiene de principio a fin. Y es mucho más pegadiza que miles de canciones con estribillo.

2.- Porque es la grabación más compleja y cara de la historia

La canción se grabó en tres semanas en cuatro estudios distintos, debido en parte a la naturaleza ecléctica de la propia canción: Queen grabó en los estudios Roundhouse, Rockfield SARM, Scorpion y Wessex. Mercury y compañía hicieron por separado casi 180 grabaciones distintas que luego debían juntar, lo cual, allá por 1975, implicaba mucho trabajo.
Los estudios de la época solo ofrecían cintas analógicas de 24 pistas, era necesario que May, Taylor y Mercury se regrabaran continuamente creando así montones de submezclas. Las cintas que contenían las submezclas tuvieron que ser empalmadas con cuchillas de afeitar y cinta adhesiva. Eran otros tiempos.
Además, el perfeccionismo de Mercury jugaba en contra de los métodos de grabación de por aquel entonces. Roy Thomas Baker, el productor de la canción, dijo que “cada vez que Freddie cantaba un ‘Galileo’, yo tenía que añadir otro pedazo de cinta al rollo”.

3.- Por el solo de guitarra de Brian May

Lo califican como uno de los 20 mejores de todos los tiempos, y no es para menos. A modo de puente entre la balada y la ópera, el guitarrista se marca un increíble solo, que pasa desapercibido porque mientras tanto Mercury sigue cantando, pero que es una auténtica maravilla. De hecho, May lo grabó en una sola toma, y afirma que este tipo de material es del que más orgulloso se siente.

4.- Por la sección de Ópera

¿¿A quién en su sano juicio se le ocurriría meter una parte de Ópera en  una canción Pop de 1975?? Pues esta es, a mi juicio, la parte que más confiere ese aire de especial a Bohemian Rhapsody. Es una brillante imitación británica de la Ópera italiana, gracias a la diferencia de tonos de voces de los componentes de Queen: los bajos de May, los agudos de Taylor, el vozarrón de Mercury…
Todo ello, con referencias a Galileo Galilei, Fígaro, el fandango, la novela Scaramouche o Belcebú (“Beelzebub has a devil put aside for me, for me, for meeeeeeee”). 

5.- Por la miscelánea de estilos que tiene

“Una gran canción tiene todos los elementos clave: melodía, emoción, una declaración fuerte que se convierte en parte del léxico, y una gran producción. Piensa en Bohemian Rhapsody, de Queen. Esa canción tenía todo: diferentes melodías, ópera, R&B, Rock…y exploró todos esos diferentes géneros de una manera auténtica, donde parecía natural”. Esto opinaba JAY Z en Rolling Stone.
Bohemian Rhapsody lo es todo. Es una balada, es una Ópera, es una canción A Capella, es una canción Rock…es, definitivamente, la mayor expresión de la música en todos sus sentidos.

6.- Por las letras

Las letras de Bohemian Rhapsody han sido objeto de estudio de varios expertos, lo cual ha desembocado en varias y diferentes versiones de lo que quería decir Mercury, quien se negó a explicar el significado de la canción. Para unos, Mercury expresa sus dudas sexuales –es durante la época donde lo deja con su novia de toda la vida, Mary Austin–, para otros se describe un asesino suicida atrapado por demonios, para otros la letra no tiene significado alguno, sino que va a ritmo de la música y nada más…
Si bien Queen nunca reveló el significado de la canción, sus componentes si hicieron interpretaciones de las letras de Mercury. Para Brian May, Mercury hablaba sobre sus problemas personales, sus inseguridades y su timidez. Sin embargo, en una edición publicada en Irán, viene una descripción de las letras al lado de las mismas. Y en ellas, se describe Bohemian Rhapsody como  una historia de un hombre que tras asesinar a otro, vendió su alma al diablo, como Fausto. La noche antes de su ejecución, llama a Dios en árabe “Bismillah”, y con ayuda de sus ángeles puede recuperar su alma.
Durante mucho tiempo se ha creído que Mercury habla sobre el Sida e incluso le pide perdón a su madre por haber contraído la enfermedad, pero a Mercury le diagnosticaron VIH en 1987, y esta canción fue grabada en 1975. Hipótesis descartada. 

7.- Porque en directo es la hostia

La complejidad de la canción, es especial los múltiples coros de la sección de Ópera, creó muchos quebraderos de cabeza a Queen a la hora de trasladarla al directo. Tardaron años en dar con una versión adecuada para los conciertos, pero cuando dieron con la tecla para el tour de 1986 –que consistía en emitir la parte de ópera en una cinta y luego volver con fuegos artificiales–…qué pasada.

8.- Por el videoclip

Gracias al éxito del vídeo de Bohemian Rhapsody, las discográficas se animaron a hacer una apuesta fuerte por los videoclips. Quién sabe, sin esta canción quizá hoy los videoclips no existirían o no serían tan populares.
En el videoclip vemos planos geniales, que además costaron muy poco –solo 4000 libras y fueron grabados en cuatro horas– con efectos especiales muy difíciles de conseguir por aquel entonces.
De hecho, uno de los planos en el vídeo (inspirado en una foto de Marlene Dietrich) fue utilizado para la portada del álbum Queen II, y es la imagen favorita de la banda.

9.- Por la sección de Rock

Cada vez que la escucho, empiezo a pegar brincos cuando termina la ópera y comienza el Rock. Pocas melodías de ese género me transmiten tanto en tan poco tiempo. Vibrante, desafiante, rebelde, joven…

10.- Por Freddie Mercury

Él es el único artífice de la canción. El creador, escritor, productor y compositor de Bohemian Rhapsody. Mucho del material de Queen se componía en común, pero el de esta canción “estaba toda en la mente de Freddie”, tal y como afirma Brian May. De hecho, Mercury escribió gran parte de la canción en su propia casa.
En la canción disfrutamos al completo de su única voz en miles de texturas distintas. Pocos son capaces de pasar de la Balada a la Ópera y de ahí al Rock en cuestión de segundos, pero Mercury es un cantante sensacional en todos esos géneros.
Mientras las discográficas avisaban que una canción tan larga y sin estribillo no iba a tener éxito, Mercury se empecinó en componer Bohemian Rhapsody. La canción fue Nº1 durante semanas en varios países. 

domingo, 14 de abril de 2019

Coleccionando vinilos - 145 - LEIF GARRETT - "feel the need" (1978)


Cuidado nenas que llega el melenas Leif Garrett. ¿En cuantas habitaciones de chicas habría un póster suyo pegado en la pared? ¿Cuantas portadas de Superpop o Vale acumuló?

Con su rock edulcorado acompañando ritmos bailables con baladas y esa pose de enfant terrible vivió la época dorada de la prensa musical en papel, los póster en las habitaciones, el fenómeno fan le ayudó a triunfar.

Como todo artista que se precie en los 80, hizo sus pinitos en el cine y estuvo detenido con consumo de drogas y otras situaciones desagradables (tuvo un accidente de tráfico con menos de 18 años y su acompañante quedó tetraplejico y le tuvo que indemnizar con 7 millones de la época).

Disco entretenido donde los haya y con ese punto nostálgico de recordarle en las revistas que compraba mi hermana y que por supuesto yo ojeaba aunque en su momento lo negara.

Leif Garrett ‎– Feel The Need

Sello:
Scotti Bros. Records ‎– SB 50535
Formato:
Vinyl, LP, Album 
País:
Fecha:
Género:
Estilo:

Créditos


Gran trabajo el del blog mitocadiscosdual.blogspot.com

LEIF GARRETT MEMORIZANDO TU NUMERO DE TELEFONO


El paso de los años en el mundo de las listas de éxito comercial demuestra de forma indubitada la decadencia de la música juvénil , pop , rock  o como quiera ser definida. Desde la aparición de Elvis Presley en las listas del Billboard convivieron durante unas cuantas décadas el binomio éxito comercial y calidad del producto en una cantidad ingente de ocasiones. Hoy nadie discute la calidad de Motown, Sun, Beatles , y todos están plagados de números uno. Ver las listas comerciales de los años 50-70 son una bendición. Durante los años 70 las cosas comienzan a torcerse por la búsqueda fácil del éxito bajo campañas de marketing que no de la calidad de artistas ,  interpretes o compositores , los años 80 suponen el refinamiento del sistema y una vez asentado en los 90 llegamos al SXXI en el peor de los escenarios posibles. Prácticamente nada de lo que vende hoy tiene una minima calidad exigible. El mundo de la descarga digital ha favorecido las cosas, ya no hay interés por el cuidado del producto, para qué si se consume en un móvil con una calidad de sonido nefasta, tampoco hay necesidad de grandes composiciones u obras por cuanto el formato de LP ha muerto substituido por melodías de politonos telefónicos.
Esta disertación viene al caso por cuanto se ha llegado a la paradoja que formulas musicales que antaño eran denostadas  hoy la propia evolución musical las convierte en una bendición.
LEIF GARRETT hace 30 años era como ahora JUSTIN BIEBER. Todas las niñas de 12 a 15 años morían por él. Leif era portada de cada uno de los números de las revistas de adolescentes, en España  era el SUPERPOP. Vendía  discos  y era odiado por el resto de los consumidores de música rock. Una diferencia fundamental entre ambos casos radica precisamente en lo más importante y que hoy se olvida, LAS CANCIONES. Leif Garrett por lo menos presenta unas cuantas buenas canciones. Escepticos o no pasó a demostrar dicha afirmación.


En 1976 , un jóvencito Leif Garrett era una pequeña estrella adolescente de la TV sobre todo gracias a la serie TRES EN LA CARRETERA, aquellos que ronden los 40 recordaran la misma,

La cara de ángel de Leif no iba a ser desaprovechada por el sabio productor especialista en teen idol MICHAEL LLOYD que no dudó ni un ápice en apadrinar a pequeño Leif (100 discos de oro son su curriculum). Primero se encargó de conquistar la revista TEEN BEAT el superpop yanqui, y luego de producirle un primer LP en 1976 que con el titulo tan imaginativo como LEIF GARRETT presentaba un producto de rápido consumo compuesto por versiones de clásicos del R'N'R como Runeround Sea, Put Your Head On my Shoulder, California Girls... , es decir nada muy imaginativo,y sin embargo dos temas escritos por Michael LLoyd sobresalían de forma notoria ( lo que  permiten amortizar el disco caso de adquirirse a bajo precio) I WANNA SHARE WITH YOU , un medio tiempo pegadizo valido para bodas y bautizos, y  SPECIAL KIND OF GIRL una balada para niñas .

Unas aceptables ventas del disco animaron a Michael LLoyd a repetir con el rubiales con un segundo LP en 1978 FEEL THE NEED que ofrecía un poco más de lo mismo , clásicos (Groovin, Sheila, Fun Fun Fun) y dos buenos temas de Michael LLoyd, el millonaria en ventas , un buenisima canción de disco pop I WAS MADE FOR DANCING  y un plagio a los Bee Gees 70's LIVING WITHOUT YOUR LOVE 

A renglón seguido , sin descanso para el ávido público de niñas de tierna edad, aparece su tercer LP SAME GOES FOR YOU (1979).  Con creces su mejor disco, y es más un MUY BUEN DISCO diría yo. Un gran disco de power pop si me permiten decirlo. Las versiones son mejores , más rockeras como Kicks de Paul Revere and The Raiders , y los temas originales son alguno de ellos una BOMBA sobre todo uno de mis HIMNOS PERSONALES DEL POWER POP , MEMORIZE YOUR NUMBER .  Solo este tema vale el precio del disco.


Otros buenos momentos son las  canciones del disco son la AOR HUNGRY OUT FOR YOUR LOVE TONIGHT, GIVE IN, o LITTLE THINGS THINGS YOU DO (excelente)

Pese a que en calidad este último disco era superior a los precedentes las ventas fueron menores, comienzan los 80's  y otros sonidos empiezan a calar entre los jóvenes. CAN'T EXPLAIN de 1980, cuarto disco del ya no tan chaval Leif, es un bajón en toda regla. Versiones cada vez peores y al mismo arriesgadas , no parece muy lógico que Leif se ponga con el Run Run Run, Bits an Pice o I CAN'T EXPLAIN  de los Who si bien ésta es bastante salvable. 


En 1981 se publica el último lp de Leif MY MOVIES ON YOU que no es más que continuar con el esperpento del disco previo. Ya su portada asusta pues parece el hijo que Julio Iglesias hubiere deseado tener.


1981 pone fin a la carrera musical de Leif que decide centrarse en el cine: Un papèl en The OUtsiders de Coppola, otro en un spaguetti western con Lee Van Cleef,  God's Gun... poco a poco desaparece salvo por sus problemas de drogas que inundan los tabloides de Usa , sus problemas legales derivados de un accidente de circulación dónde al conducir bajo efectos de estupefacientes provocó que uno de sus colegas quedase tetraplejico, o su pertenencia a la cienciología que abandonó en 1992

Tras varias décadas de ir dando tumbos decide volver a probar con la música, aunque de un modo sorprendente, su unión al grupo de Hard rock o metal THE MELVINS se convirtió en una manera de lavar la imagen de teen. Su versión del tema Smell likes teen Spirit con los citados Melvins es su legado en 1995.
   En este siglo ha colaborado con Craig Else un compositor quE comenzó en grupos punks en 1978 para acabar en una de la reencarnaciones de los bublegum Gods BAY CITY ROLLERS, Un par de temas y una versión de Neil Young es todo lo ofrecido en esta colaboración.
Sin olvidarnos de dos albumes F8 y ThREE SIDES OF que no he tenido el gusto de escuchar en su integridad ni falta que hace a la vista del estado deplorable del Sr Garrett sólo superado por Axel Rose en sus momentos post classics Guns .

i was made for dancing



Y por último, curiosa novela que no he leído pero que certifica mis primeras frases de esta entrada


jueves, 11 de abril de 2019

Coleccionando vinilos - 144 - MODESTIA APARTE "Cosas de la edad" (1990) y "Historias sin importancia" (1991)


Pijillos como ellos solos pero que levante la mano todo aquel que tenga más de 40 años y no haya cantado canciones de este combo.
Los Modestia heredaron algunos fans de Hombres G y de otros grupos poperos y alternaron las baladas con otros ritmos más bailables, así como letras más románticas con otras más gamberrillas pero sin llegar a los textos ácidos de Hombres G.

En 2018 cumplieron su 30 aniversario y volvieron un poco a la actualidad tras caer un poco en el olvido, y artistas actuales se reunieron con ellos en una gira de conciertos celebrando esos 30 años.

Cayeron en mi colección junto con otros vinilos que me regalaron porque no tenían ya reproductor de música, y bueno, ahi los dejé pero es cierto que al final la nostalgia tira y los he puesto más de la cuenta y aqui incluyo en este "Coleccionando Vinilos" sus dos discos más relevantes "Cosas de la Edad" e "Historias sin importancia"


Modestia Aparte ‎– Cosas De La Edad

Sello:
Salamandra ‎– SD-303
Formato:
Vinyl, LP, Album 
País:
Fecha:
Género:
Estilo:

Compañías, etc.

Créditos







Repaso a la carrera desde gruposnacionales.blogspot.com

Modestia Aparte se formaron en Madrid en septiembre de 1987 con Fernando López (voz y guitarra), Carlos Palma (bajo y coros), Javier Portugués "Portu" (batería y voz), Luís Lage (saxo) e Iñaki Quijano (teclados).

En enero de 1988 consiguen registrar su primera maqueta 'Vamos allá', grabada en los estudios Tempus y presentada en los medios en Radio Cristal (Cadena Rato) en el programa "Zumo de Neón". Los temas fueron 'Playas de Mazarrón', 'Quizá', 'Punto y final', 'Sindrome de abstinencia' y 'No sabes que hacer'.

La mayoría de las compañías les cierran las puertas pensando que no triunfarán. En junio de ese mmismo año la maqueta llega a manos del productor Pablo Pinilla a través de la hermana de Portu. Graban cuatro temas en los estudios Mas Cuatro y empiezan a moverlos por la compañías. El sello Salamandra se interesa por ellos y se pone en marcha el primer Lp, que aparece por fin en octubre bajo el epígrafe 'Por el amor al arte'. Se extrae como sencillo 'Chirimoya', 'Es tu turno', 'Como un sultán', 'Ojos de hielo' y 'Copas rotas'. El grupo se dedica a empapelar Madrid con los carteles que los anuncian. El resto de canciones fueron 'Playas de Mazarrón', 'Quizá', 'Punto y Final', y 'Voces Gritando'.

En febrero de 1989 se presenta en la sala Jacara de Madrid. En apenas un año superaron las 50.000 copias vendidas y de el se extranjeron un total de cinco singles.

A principios de 1990, coincidiendo con el disco de oro de 'Por el amor al arte', sale su segundo disco, 'Cosas de la edad', con el que alcanzaron el disco de platino y lo pasaron de largo. Dos de los cuatro singles fueron nº 1 de Los 40 Principales. 'Cosas de la edad' estaba compuesto por diez cortes, aparte del single que daba título al álbum, el resto de temas eran 'Es Por Tu Amor', 'Sobre El Ojo Del Huracán', 'Sin Gloria Ni Razón', 'Melancólico Total', 'Pasión', 'Mil Historias', 'Te Lo Has Buscado Morgan', 'Nunca Lo Sabrás' y 'Al Sur'.

Mientras seguían con los estudios (Fernando, Bellas Artes; Portu, Derecho; Jano, piano; Papeto, informática; y Luís, COU). Hicieron una gira de mas de 50 galas y llegaron a tocar en México. 

Se termina el contrato con Salamandra y les llueven nuevas ofertas desde otras compañías. Finalmente fichan por Polygram. En dos meses graban 'Historias sin importancia', once temas con el 'Como lo mueves' como primer single y una gira de casi cinco meses por toda España. El resto de temas del trabajo fueron 'Dos Amigos', 'Tómate Una Copa', 'Trapos Sucios, Platos Rotos y Algunas Fotos', 'Piel y Arena', 'Las Cartas', 'Un Instante De Tu Vida', 'La Noche Te Alcanza', 'No quiero Dejarte Sola', 'Locos' y 'Brumas'.

Ese mismo año también ve la luz su primer recopilatorio, 'Levántate', a través de su anteriore sello Salamandra, en lo que vino a ser una mezcla de los dos primeros discos con un par de temas inéditos, 'Levántate' y 'Ninguno más'.

Tras alcanzar un éxito rotundo llega en 1992 'La línea de la vida', una vez mas con Polygram, y lo que parecía que iba a ser un punto de inflexión en el estilo de la banda, desemboca en la ruptura de la formación original del grupo. Que Jano y Portu perseguían estilos diferentes a los de Fernando y Carlos es algo evidente en la grabación. El disco estaba compuesto por 'Déjame En Paz', 'Ella Todo Lo Hace Bien', 'Maria', 'Bienvenida', 'Cesa El Viento', 'Dime Que Me Quieres', 'Toca El Paraíso', 'Dulce Veneno', 'No Sonrías', 'De Que Sirve La Magia', 'Mi Extraña Forma De Querer' y 'Corazón De Luna Llena'. 'María' y 'Ella todo lo hace bien' fueron singles extraídos.

Modestia Aparte se rompe. Fernando y Carlos deciden seguir adelante y bautizan con nombre del grupo lo que sería su nuevo disco, 'Modestia Aparte' (Polygram, 1993) con 'Cosas De La Vida', 'Habitación Con Vistas', 'Déjame Entrar En Ti', 'Días De Escuela', 'Bienvenido A Las Dudas Del Alma', 'Las Mujeres', 'Nuestros Mejores Años', 'Y Pasan Los Días', 'Bailando Al Borde De Tu Piel' y 'Una Noche En Granada'. Composiciones elegantes y letras sinceras que se presentan tímidamente en directo.

El proyecto no cuaja del todo, Carlos abandona el grupo y Fernando se hace responsable en solitario del disco que se anuncia como la despedida del grupo: 'Modestamente... hasta siempre' en 1994, último editado por Polygram, una recopilación de sus grandes éxitos y un tema nuevo del mismo nombre. Aparte contenía 5 remixes de diferentes canciones en un segundo Cd.

Un años después, Fernando López decide dar un giro y probar la aventura en solitario y edita 'En la intersección', en el que participan sus compañeros "modestos". Del mismo modo, el otro cantante de la banda, Portu, lanza un disco en 1997 bajo nombre 'No digas no', que también es el nombre del grupo.

En 2002 sale a la calle un nuevo disco de Modestia Aparte en directo, 'Vivo. 17 grandes éxitos' con clásicos del grupo que registraron durante los conciertos en las salas Divino Aqualung y Elite de Madrid. En ambos eventos estuvieron Fernando López (voz y guitarra), Javier Fuertes (guitarra), Juan (bajo) y Pablo Navarro (teclados), en el que estuvieron como invitados especiales Alvaro Urquijo y  Portu, este último además de cantar algunas canciones, también tocó la batería.

El boca a boca volvió a funcionar como en los principios hasta rondar las 50.000 copias vendidas. Fue el comienzo de una nueva etapa para el grupo que se vio coronada con el éxito del proyecto 'Mi Generación', un repaso a lo mejor del pop español de los años 80 y 90. Ese año, 2002, Kainos Producciones reedita los dos primeros discos: 'Por amor al arte' y 'Cosas de la edad'.

'Vivo' sale al mercado en 2003, un nuevo recopilatorio en directo editado por Wea de su concierto en la sala madrileña Macumba en octubre de ese mismo año, en formato Cd+Dvd.

En 2004, aparece 'Esto debe ser amor' de la mano del sello Tool Music. Se trata del primer disco con canciones nuevas desde 1993. Destaca la colaboración de José María Granados cantando un mítico tema de Mamá, David Summers, Mikel Erentxun y José María Casañ. Las canciones fueron 'Esto Debe Ser Amor', 'Locura', 'Hora Punta En El Metro', 'Diciembre', 'Quiero Que Vuelvas', 'Jugando Con El Tiempo', 'Toma Mi Vida', 'Esta Es Mi Generación', 'Colgado De Ti', 'Dónde Voy Sin Ti', 'Bendita Maldición', 'Un Minuto De Silencio', 'Esto Debe Ser Amor' y 'Cable Nuestro'. 

Un año después aparece 'Modestia y amigos' (Records Caes, 2005), un disco de versiones donde colaboran Los Limones, La Guardia, Indras, No se lo digas a mama, etc.

La última aparición discográfica de la banda madrileña se produjo en 2008 a través de Tool Music con 'Veinte', un disco de once temas donde colaboraba Dani de Despistaos en la interpretación, de nuevo, de un tema de Mamá 'Número equivocado'. El resto de canciones fueron 'Mi mundo al revés', 'Tiempo para no pensar', 'Son las diez', 'Sólo un segundo', 'Intercambiando el sabor', 'Promesas', 'Si estas', 'Nada que hablar', 'Distinto material' y 'La última llamada'.





Modestia Aparte ‎– Historias Sin Importancia

Sello:
Mercury ‎– 848572-1, Mercury ‎– 848 572-1
Formato:
Vinyl, LP, Album 
País:
Fecha:
Género:
Estilo:

PistasOcultar Créditos

A1Dos Amigos
Lyrics By – C. Palma*Music By – F. López*
3:51
A2Tómate Una Copa
Lyrics By – J. Portugués*Music By – I. Quijano*
3:38
A3Trapos Sucios, Platos Rotos Y Algunas Fotos
Lyrics By – J. Portugués*Music By – F. López*
4:24
A4Cómo Te Mueves
Lyrics By – C. Palma*Music By – F. López*
4:10
A5Piel Y Arena
Lyrics By – J. Portugués*Music By – I. Quijano*
5:05
B1Las Cartas
Lyrics By – J. Portugués*Music By – I. Quijano*
4:52
B2Un Instante De Tu Vida
Lyrics By – C. Palma*Music By – F. López*
3:54
B3La Noche Te Alcanza
Lyrics By – C. Palma*, J. Portugués*, L. Lage*Music By – I. Quijano*
3:36
B4No Quiero Dejarte Sola
Lyrics By – J. Portugués*Music By – I. Quijano*
3:36
B5Locos
Lyrics By – J. Portugués*Music By – I. Quijano*
4:56

Compañías, etc.

Créditos



Biografía

En enero de 1988 el sello Salamandra pone en marcha el primer LP, que aparece bajo el epígrafe ‘Por amor al arte’. Se extrae como sencillo ‘Chirimoya’, ‘Es tu turno’, ‘Como un sultán’, ‘Ojos de hielo’ y ‘Copas rotas’. En febrero de 1989 se presenta en la sala Jácara Plató Madrid. En apenas un año superaron las 50.000 copias vendidas y de él se extrajeron un total de cinco singles.
A principios de 1990, coincidiendo con el disco de oro de ‘Por amor al arte’, sale su segundo disco, ‘Cosas de la edad’, con el que alcanzaron el disco de platino y lo pasaron de largo. Dos de los cuatro singles fueron Nº 1 de Los 40 Principales. ‘Cosas de la edad’ estaba compuesto por diez cortes, aparte del single que daba título al álbum, el resto de temas eran ‘Es Por Tu Amor’, ‘Sobre El Ojo Del Huracán’, ‘Sin Gloria Ni Razón’, ‘Melancólico Total’, ‘Pasión’, ‘Mil Historias’, ‘Te Lo Has Buscado Morgan’, ‘Nunca Lo Sabrás’ y ‘Al Sur’.
Hicieron una gira de más de 70 galas, llevando sus directos incluso hasta México. Se termina el contrato con Salamandra y les llueven nuevas ofertas desde otras compañías. Finalmente fichan por Polygram. En dos meses graban ‘Historias sin importancia’, once temas con el ‘Como lo mueves’ como primer single y una gira de casi cinco meses por toda España. Ese mismo año también ve la luz su primer recopilatorio, ‘Levántate’, a través de su anterior sello Salamandra, en lo que vino a ser una mezcla de los dos primeros discos con un par de temas inéditos, ‘Levántate’ y ‘Ninguno más’. Tras alcanzar un éxito rotundo llega en 1992 ‘La línea de la vida’, una vez más con Polygram.
En 1993 Modestia Aparte cambia de formación, Fernando y Carlos deciden seguir adelante y bautizan con el nombre del grupo lo que sería su nuevo disco, ‘Modestia Aparte‘ (Polygram, 1993).

Más de Modestia

En 1994 Fernando se hace responsable definitivamente de “Modestia Aparte”, y lanza ‘Modestamente… hasta siempre’, último trabajo editado por Polygram, una recopilación de sus grandes éxitos y un tema nuevo del mismo nombre. Aparte contenía 5 remixes de diferentes canciones en un segundo CD.
En 2002 sale a la calle un nuevo disco de Modestia Aparte en directo, ‘Vivo. 17 grandes éxitos’ con clásicos del grupo que registraron durante los conciertos en las salas Divino, Aqualung y Élite de Madrid.
En la actualidad Modestia Aparte celebra 30 años encima de los escenarios. El grupo está inmerso en la preparación de su nueva gira 2018, donde recorrerán todos los rincones de la geografía española. Nueva gira presentando su nuevo disco, donde estarán incluidos sus grandes éxitos y nuevas composiciones. Grandes artistas colaboran en el mismo.

Más de 1.000.000 de copias vendidas de sus discos y claramente reconocido como uno de los grupos con más actuaciones en España en los periodos estivales, siendo uno de los artistas habituales en actuar todos los años, en el mítico Auditórium del Parque de Atracciones de Madrid


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